Olivenernte: Geschichte, Bedeutung & Pinselstrich
Im Frühjahr 1889 ließ sich Vincent van Gogh in die Anstalt Saint-Paul-de-Mausole aufnehmen, etwas außerhalb von Saint-Rémy-de-Provence. Er hatte ein Zimmer und schließlich die Erlaubnis, in einem zweiten Raum zu arbeiten, der als Atelier eingerichtet war, und an ruhigeren Tagen führte ihn ein Pfleger hinaus in die Landschaft jenseits der Mauern der Anstalt. Dort, zwischen den Olivenhainen, die die umliegenden Hügel bedeckten, fand er eines der Motive, die ihn in jenem Jahr am hartnäckigsten beschäftigen sollten.
Olivenpflücken, gemalt 1889 und 92 mal 73 Zentimeter messend, gehört zu einer Gruppe von Leinwänden, die er über mehrere Monate von diesen Obstgärten anfertigte. Er kehrte immer wieder zu denselben Baumreihen zurück, in anderem Licht und bei anderem Wetter, als könne kein einzelnes Bild festhalten, was er in ihnen sah.
Ein Hang, im Herbst bearbeitet
Das Bild zeigt einen Hain auf ansteigendem Grund, die Olivenbäume in lockeren, unregelmäßigen Reihen angeordnet, die zum blassen Horizont hin ansteigen. Zwei Figuren arbeiten zwischen ihnen: Eine steht auf einer an die Zweige gelehnten Leiter und greift hinauf ins Blattwerk, während eine zweite Figur in heller Kleidung in der Nähe wartet, vielleicht mit einem Korb oder einem ausgebreiteten Tuch, um die gefallene Frucht aufzufangen.
Die Bäume beherrschen die Szene weit mehr als die Menschen. Ihre Stämme sind dunkel, niedrig und stark verdreht, verdicken sich am Grund zu Knoten und Knorren, bevor sie sich in Äste teilen, die sich in sich selbst zurückkrümmen. Van Gogh gibt dem nächsten Stamm, rechts auf der Leinwand, ein ganzes Vokabular aus Schleifen und Haken, sodass er fast wie eine Figur für sich wirkt, gebeugt und gestikulierend.
Über den Stämmen öffnen sich die Kronen zu weichen, gerundeten Laubmassen, gemalt in kurzen, dichten Strichen, die sich nie ganz in einzelne Blätter auflösen. Das Blattwerk trägt die graugrüne Farbe, die für Olivenbäume charakteristisch ist, kühler und blasser als gewöhnliches Sommergrün, und es fängt genug Licht ein, um eher zu schimmern als still zu stehen.
Boden, Himmel und die Spannung zwischen ihnen
Die Erde unter den Bäumen nimmt die untere Hälfte der Leinwand ein und ist in dichter, gerichteter Schraffur bearbeitet, Ocker und Aschbraun, durchbrochen von gelben Strichen und Spuren von Rotbraun. Sie hat die Textur von gepflügter oder geharkter Erde, geriffelt durch den Rhythmus des Pinsels statt durch eine gezeichnete Furche.
Gegen diesen warmen, belebten Boden wirkt der Himmel fast verblüffend in seiner Schlichtheit. Er ist blass gemalt, ein dunstiges Offweiß, das ins Gelbgrüne neigt, in denselben kurzen parallelen Strichen wie die Erde aufgetragen, aber ohne deren Farbgeschehen. Es gibt kein Blau in ihm und keine Wolkenform; er wirkt wie Hitze und grelles Licht statt wie Wetter.
Diese Paarung, ein bewegter Boden und ein leerer Himmel, zieht den Blick hinunter in den Hain selbst statt hinaus in eine Ferne. Die Bäume stehen zwischen den beiden Zonen, dunkel genug, um die Komposition zusammenzuhalten, und entlang ihrer verdrehten Stämme kommt der Blick schließlich zur Ruhe.
Warum ihn die Olivenbäume festhielten
Van Gogh war in die Provence gekommen und hatte Zypressen und Weizen erwartet, und fand den Olivenbaum daneben wartend, eine Art, die er kaum je zuvor gemalt hatte. Er schrieb an seinen Bruder Theo über die Schwierigkeit, ihn richtig zu treffen, darüber, wie der Baum mit jeder Stunde und jeder Jahreszeit seinen Charakter änderte, silbern am Mittag, fast violett gegen Abend.
Die Olivenhain-Bilder aus Saint-Rémy stehen neben seinen Weizenfeld-Leinwänden aus demselben Jahr und derselben Landschaft, zwei Ernten, die in Sichtweite voneinander beobachtet wurden. Wo die Weizenfelder ihm horizontale Schwünge aus Gold gaben, gaben ihm die Olivenhaine etwas Verknoteteres und Eingeschlosseneres, ein Motiv, in das er sich Baum für Baum hineinarbeiten musste.
Die Anwesenheit von Pflückern auf dieser Leinwand, statt leerer Bäume, bindet sie direkter an diese Ernte als viele der anderen Olivenbilder aus der Serie. Sie hält Arbeit ebenso fest wie Landschaft, die saisonale Arbeit, die Menschen genau zu der Zeit unter die Bäume brachte, als er dort war, um sie zu sehen.
Behandlung und Spur
Jeder Teil der Leinwand ist aus derselben Familie kurzer, gebogener, wiederholter Striche aufgebaut, ob Van Gogh nun Rinde, Blatt, Erde oder Himmel beschrieb. Die Beständigkeit dieser Berührung ist es, die ein Bild mit so viel Geschehen darin zusammenhält, sodass Hain, Boden und Luft wie Variationen einer einzigen Bewegung wirken statt wie separate, aneinandergenähte Passagen.
Die Farbe ist nicht flach aufgetragen. Farbgrate fangen echtes Licht über den Stämmen und der bearbeiteten Erde ein und verleihen der Oberfläche eine Textur, die sich verändert, wenn ein Betrachter daran vorbeigeht, ein Effekt, den keine Fotografie vollständig wiedergibt.
Das Original von Olivenpflücken wird heute von der Basil and Elise Goulandris Foundation gehalten, Teil eines Werks aus Van Goghs Jahr in Saint-Rémy, das weiterhin als Gruppe untersucht und gezeigt wird.
An einer Wand
In einem Raum mit wechselndem Tageslicht aufgehängt, verhält sich ein Bild, das so dicht aus gerichteten Strichen aufgebaut ist, über den Tag hinweg anders. Morgenlicht entlang der Leinwand fängt die Farbgrate über den Baumstämmen und der bearbeiteten Erde ein und wirft winzige Schatten, die bis zum Abend wieder weicher werden.
Seine Palette, die Graugrüns der Olivenkrone gegen warme Ockererde, passt gut zu den gedämpften Grüns, die oft für ein Schlafzimmer oder ein Wohnzimmer gewählt werden, ohne von einer bestimmten Wandfarbe abhängig zu sein. Es belohnt den Blick aus der Nähe, wegen der Pinselarbeit, und aus der Raummitte, wegen der Anziehungskraft der dunklen Bäume gegen diesen kahlen, blassen Himmel.
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