Olivenhain mit Pflückerinnen: Die Geschichte
Als Vincent van Gogh sich im Sommer 1889 in die Anstalt Saint-Paul-de-Mausole am Rand von Saint-Rémy-de-Provence eingewiesen hatte, durfte er unter Aufsicht malen, und sobald er sich außerhalb der Mauern bewegen durfte, wandte er sich immer wieder den Olivenhainen zu, die die umliegenden Hügel bedeckten. Wo Arles ihm Sonnenblumen und von Zypressen gesäumte Weizenfelder gegeben hatte, gab Saint-Rémy ihm diese niedrigen, verdrehten Bäume, und er malte innerhalb eines Jahres mehr als ein Dutzend Leinwände von ihnen.
Olivenhain mit pflückenden Figuren, vollendet 1889, gehört zu dieser Reihe. Es ist keine Studie der Bäume allein, sondern ein bewirtschafteter Obstgarten, mit Pflückern, die sich zu den Zweigen beugen, und es trägt die besondere Spannung eines Motivs, zu dem van Gogh zurückkehrte, weil er nicht recht zu Ende sagen konnte, was er darüber sagen wollte.
Eine Ernte in Bewegung
Drei Figuren bewegen sich durch den Hain. Eine Frau im nahen Vordergrund, in Violettbraun gekleidet, greift mit beiden erhobenen Armen in einen Zweig, ihr Gewicht nach vorn in die Arbeit geneigt. Hinter ihr beugt sich eine zweite Figur in blasser Haube und Rosa zwischen den Stämmen, und weiter hinten steht ein Mann in Blaugrau mit einem erhobenen Arm, mitten in der Geste festgehalten statt gestellt.
Keine der drei wendet sich direkt dem Betrachter zu. Van Gogh gibt sie durch Haltung und Farbe statt durch Gesichtszüge, was den Blick von Figur zu Figur und dann hinaus in die Bäume selbst wandern lässt, sodass die Menschen als Teil der Bewegung des Hains und nicht als sein Thema gelesen werden.
Der Boden unter ihnen ist aus kurzen, kreuz und quer geführten Strichen in Blau, Ocker und Grün aufgebaut, aufgetragen, als finge die Erde selbst etwas von demselben Wind ein, der die Zweige bewegt. Es gibt im unteren Teil des Bildes keine einzige ruhige Stelle der Leinwand.
Ein Himmel, der die Bäume überstimmt
Was dem Betrachter zuerst auffällt, ist nicht der Hain, sondern der Himmel darüber, ein breites Band aus Gelb, von Orange durchzogen und mit violetten Wolken berührt, das fast die Hälfte der Leinwand füllt. Es hat den Ton des späten Nachmittags, der sich Gewitter oder Dämmerung zuneigt, obwohl van Gogh die genaue Stunde unentschieden lässt.
Gegen diese Hitze wirken die Bäume kühl und dunkel, ihre Stämme schwarzgrün und knorrig, ihre Kronen ein silbriges, blaustichiges Grün aus kurzen diagonalen Strichen. Der Kontrast zwischen dem brennenden Himmel und dem verschatteten Hain leistet den größten Teil der emotionalen Arbeit des Bildes.
Farbe beschreibt hier nicht so sehr das Tageslicht als vielmehr eine Stimmung, die darübergelegt ist. Van Gogh hatte seinem Bruder geschrieben, er wolle, dass die Olivenbäume Gefühl tragen, so wie es die Sonnenblumen und Zypressen getan hatten, und der Himmel dieser Leinwand ist der Ort, an dem dieses Vorhaben am sichtbarsten wird.
Die Behandlung der Farbe
Jede Fläche des Bildes, Himmel, Laub, Erde und Figuren gleichermaßen, ist aus demselben kurzen, gerichteten Strich aufgebaut, dick genug aufgetragen, dass die Farbe selbst eine erhabene, gerippte Textur hat. Van Gogh variierte nur Richtung und Farbe des Strichs, nicht seinen Charakter, sodass Stamm, Wolke und Schulter alle aus demselben rastlosen Material gemacht sind.
Die Stämme sind mit einer dunkleren, zusammenhängenderen Linie gezeichnet, die sich gegen die bewegteren Striche um sie herum windet und verknotet, was den Bäumen eine knorrige, fast tierhafte Präsenz gibt. Es ist diese Linie, mehr als die Figuren, die das Gefühl von Alter und Arbeit trägt, das der Hain in sich halten soll.
Nichts auf der Leinwand ist vermischt oder weichgezeichnet. Die Farbe sitzt in sichtbaren Rippen auf der Oberfläche, und aus normaler Betrachtungsdistanz lösen sich die Striche nur deshalb in Blatt, Wolke und Schatten auf, weil das Auge die Verbindung vollzieht, die der Pinsel verweigert hat.
In einem Raum, durch den Tag
Dort aufgehängt, wo Tageslicht sie direkt erreicht, ändert die gelbe Himmelsfläche dieser Komposition im Lauf des Tages ihren Charakter, schärfer und säurehaltiger unter starkem Morgenlicht, wärmer und näher am Gold, wenn das Licht sich gegen Abend mildert. Unter einer Lampe bei Nacht treten die Grüntöne des Hains hervor, und der Himmel beruhigt sich zu etwas Stillerem.
Es ist ein Bild, das es lohnt, sowohl aus der Distanz eines Raumes als auch aus der Nähe betrachtet zu werden. Von Weitem liest sich die Szene klar, drei Figuren bei der Arbeit zwischen silbrigen Bäumen unter einem brennenden Himmel. Aus der Nähe zerfällt dieselbe Leinwand in Rippen und Streifen von Farbe, die nichts zeigen als die Bewegung des Pinsels.
Das Original, 92 mal 73 Zentimeter, wird vom Kröller-Müller Museum gehalten, einem der größten Halter von van Goghs Werk überhaupt. Eine Reproduktion im selben Maßstab trägt dasselbe Gewicht in einem Raum, dasselbe Beharren darauf, dass ein bewirtschafteter Hain und ein aufgewühlter Himmel dasselbe Stück Leinwand einnehmen können, ohne sich in Ruhe aufzulösen.
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