Porträt eines Bauern (Patience Escalier): Die Geschichte
Als Vincent van Gogh im Sommer 1888 in Arles ankam, war er seit mehreren Monaten dort und jagte einem Licht nach, das er in Paris nie gefunden hatte, und einem Motiv, das er nirgendwo sonst gefunden hatte. Er schrieb an seinen Bruder Theo, dass er gewöhnliche arbeitende Menschen so malen wollte, wie frühere Maler einst Heilige gemalt hatten, nicht idealisiert, sondern erhoben durch Farbe und durch die Unmittelbarkeit der Aufmerksamkeit des Künstlers. Patience Escalier, ein alter Mann vom Land bei Arles, saß ihm in jenem Sommer Modell, und Van Gogh malte ihn zweimal.
Dies ist die zweite der beiden, die Version, die sich heute im Norton Simon Museum befindet, und sie ist die küh nere des Paares. Während die erste nah bei den Ocker- und Rottönen des provenzalischen Bodens bleibt, treibt diese das Bild in Richtung Violett und Blau, sodass die gesamte Leinwand als ein einziger bewusster Kontrast gelesen wird: ein gebranntes, rötliches Gesicht vor einem kühlen, unruhigen Grund.
Ein Gesicht, das der Künstler zu finden wählte
Van Gogh hielt nicht einfach Escaliers Züge fest. Er suchte einen Typus, den Bauern als Figur der Ausdauer, einen Mann, dessen Gesicht von Jahrzehnten im Freien geformt worden war und nicht von einer einzigen Sitzung im Atelier. Dieser Anspruch prägt jede Entscheidung im Bild, von der Pose bis zur Palette.
Der Dargestellte füllt die Leinwand nah an der Bildfläche, Schultern breit, Kopf leicht gesenkt, die Augen begegnen dem Betrachter ohne Weichheit. Es gibt keine Landschaft, kein Werkzeug, keinen Hinweis auf ein Handwerk außer dem wettergegerbten Gesicht des Mannes selbst. Van Gogh nimmt erzählerische Details weg, damit der Charakter das ganze Bild trägt.
Der Strohhut ist das Erste, worauf das Auge trifft, seine Krempe wölbt sich in breiten, sonnigen Strichen aus Gelb und Ocker nach unten. Er sitzt wie ein zweiter Horizont über einem Gesicht, das in jeder Hinsicht sein Gegenteil ist: tiefes Rot an den Wangenknochen, grünlich in den Höhlen, ein grauweißer Bart, der das wenige verbleibende Licht auffängt.
Violetter Grund, oranges Gesicht
Der Hintergrund ist in kurzen, zerhackten Strichen aus Blau und Violett gearbeitet, in einem kreuzschraffierten Gewebe aufgetragen, das sich nie zu einer flachen Farbe setzt. Aus der Distanz liest er sich als schattige Dämmerung, doch aus der Nähe ist er aus Dutzenden einzelner Spuren aufgebaut, jede sichtbar und keine wegverwischt.
Vor diesem kühlen Feld tragen Gesicht und Hals die Hitze des Bildes: Orange, Zinnober, Streifen von Grün in den Schatten unter den Augen. Van Gogh arbeitete hier mit Komplementärfarben im wörtlichsten Sinn, setzte Blau gegen Orange, sodass jede die andere verstärkt, statt sie aufzuheben.
Die Jacke vollendet das Schema in einem dritten Register, ein abgetragenes Türkisgrün, durchzogen von helleren und dunkleren Strichen, die dem Fall des Stoffes über die Schultern folgen. Ein locker geknoteter Schal, gestreift in Violett, Ocker und Weiß, unterbricht die Linie zwischen Kragen und Kinn und gibt der unteren Hälfte des Bildes einen Ort zum Ausruhen.
Farbe aufgetragen wie Wetter
Nichts auf dieser Leinwand ist glattgestrichen. Der Farbauftrag im Hut verläuft in langen parallelen Strichen, die der Kurve des Strohs folgen. In der Jacke werden die Striche diagonal, fast wie Regen, und geben dem Stoff ein Gefühl von Gewicht und Bewegung, das eine flachere Technik nie erreichen könnte.
Das Gesicht ist langsamer aufgebaut, in kürzeren, sich überlagernden Berührungen, die eine Farbe durch eine andere scheinen lassen. Es ist diese Schichtung, Rot unter Grün unter Ocker, die der Haut ihre sonnenverbrannte, fast entzündete Qualität gibt, als wäre die Farbe selbst zu lange in der Sonne gelassen worden.
Van Gogh signierte die Leinwand einfach mit „Vincent“ in Orange oben links, eine Gewohnheit aus diesen Arleser Monaten, in denen er in einem Tempo malte, das wenig Zeit für Formelleres ließ. Die Signatur sitzt leicht auf dem violetten Grund, fast verloren im Farbauftrag um sie herum.
Damit leben
Mit 54,6 mal 64,1 Zentimetern ist dies ein Bild, das aus der Nähe betrachtet werden will, nicht aus der Ferne eines großen Raumes. Der Maßstab hält das Gesicht lebensgroß und nah, sodass der Blick des Dargestellten direkt bleibt, wo die Leinwand auch hängt.
Tageslicht verändert es beträchtlich. Unter weichem, indirektem Licht vertieft sich der violette Hintergrund und das Orange des Gesichts scheint nach vorn zu treten, die beiden Farben ziehen gegeneinander, genau wie Van Gogh es beabsichtigt hatte. Unter einer wärmeren Lampe am Abend mildert sich der Kontrast und das ganze Bild liest sich näher an einem einzigen glühenden Ton.
Es belohnt eine Wand, an der jemand tatsächlich nah herantritt, einen Flur, ein Arbeitszimmer, eine Leseecke, irgendwo, wo ein so direktes Gesicht begegnet werden kann, statt aus der Ferne eines Raumes nur gestreift zu werden. Das Bild mildert sich nicht mit der Vertrautheit. Escaliers Blick trägt beim hundertsten Betrachten dasselbe Gewicht wie beim ersten, und genau das war der Effekt, den Van Gogh anstrebte, als er einen Bauern malen wollte, als wäre er ein Heiliger.
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