Porträt von Patience Escalier: Geschichte, Bedeutung & Pinselführung
Im Sommer 1888 war Vincent van Gogh seit mehreren Monaten in Arles und jagte einem Licht nach, von dem er glaubte, dass noch kein Maler es ehrlich wiedergegeben hatte. In jenem Jahr wollte er Porträts ebenso sehr wie Landschaften, und er wollte Modelle, die aussahen, als hätte die Sonne selbst sie gemacht. Patience Escalier, ein pensionierter Gärtner und ehemaliger Schäfer aus der Gegend um Arles, gab ihm genau dieses Gesicht.
Van Gogh hatte Mühe gehabt, Menschen zu finden, die bereit waren, für die langen Stunden, die ein Porträt verlangte, Modell zu sitzen. Escalier willigte ein, und das daraus entstandene Bild, schlicht betitelt Porträt des Patience Escalier, ist eine der direktesten Studien, die Van Gogh in jenem Jahr schuf: ein Mann, gezeigt nicht als ein aus einem Geschichtenbuch entlehnter Typus, sondern als jemand, der ein Leben lang im Freien verbracht hatte und die Haut besaß, um es zu beweisen.
Ein Gesicht, aus den Feldern gebaut
Der alte Mann füllt fast die ganze Leinwand, von der Brust aufwärts gesehen, seine Hände über dem Kopf eines Stocks gefaltet. Er trägt einen breiten Strohhut, der ein Schattenband über seine Stirn wirft, und dieser Schatten lässt die rötliche, sonnenverbrannte Farbe seines Gesichts nur noch eindringlicher hervortreten.
Seine Augen sind hell und ruhig, tief unter schweren Brauen sitzend, und sein Bart ist rauer grauer Stoppelbart, der dasselbe orange Licht einfängt wie seine Haut. Es liegt nichts Weiches darin, wie Van Gogh ihn malte. Die Falten lesen sich als Struktur, nicht als Sentiment, gebaut aus kurzen, bewussten Strichen, die den tatsächlichen Furchen der Haut folgen.
Um seinen Hals hat er einen roten Schal geknotet, den einen Ton reiner, gesättigter Farbe, der sich in der orange-roten Borte an seinen Manschetten wiederholt. Seine gefalteten Hände sind im selben warmen Ocker gemalt wie sein Gesicht, sodass Kopf und Hände als eine einzige sonnenverbrannte Einheit gegen das kühlere Blau seiner Jacke lesen.
Orange gegen Blau
Van Gogh baute das Bild auf einem einzigen Kontrast auf: Der gesamte Hintergrund ist ein heißes, ungebrochenes Orange, gestrichelt und gezogen statt glatt verrieben, und dagegen setzte er eine Jacke, die in Blau und Grün gearbeitet ist. Es ist Komplementärfarbe, etwa so weit getrieben, wie sie sich treiben lässt, bevor das Bild auseinanderzubrechen droht.
Das Orange ist keine flache Lasur. Aus der Nähe betrachtet bewegt es sich in langen diagonalen Strichen, an Stellen dunkler, fast bronzefarben nahe den Schultern, sodass die Wand hinter dem Sitzenden Hitze auszustrahlen scheint, statt einfach als schlichter Hintergrund dazustehen.
Die Unterseite des Strohhuts nimmt dasselbe Orange auf und bindet den Sitzenden in das Farbfeld hinter ihm ein, selbst während seine Jacke in die entgegengesetzte Richtung zieht. Diese Spannung, warm umgibt kühl, ist es, was dem Kopf seine Kraft gibt.
Die Farbe selbst
Van Gogh malte in jenem Jahr schnell und dick, und die Oberfläche zeigt es. Das Stroh des Huts ist mit feinen Linien geritzt, ein Pinselstiel oder ein ähnliches Werkzeug wurde durch die nasse Farbe zurückgezogen, um den Untergrund freizulegen und einzelne Halme anzudeuten.
Die Jacke ist aus kurzen, abgehackten Strichen in Blau, Grün und Schwarz gebaut, die nebeneinander gesetzt statt vermischt sind, sodass sie aus der Entfernung als Stoff lesen, während sie aus der Nähe getrennt bleiben, fast gewebte Spuren. Der Schal und die Manschetten sind noch dicker aufgetragen, in Rottönen, die leicht über der Oberfläche stehen.
Im Gesicht ändert sich die Behandlung erneut. Die Striche sind kleiner und sorgfältiger um Augen und Mund, der Struktur des Schädels folgend, während der Bart eine trockene, geschrubbte Passage aus Grau und Weiß ist, die an Stellen die Webart der Leinwand sichtbar lässt.
Was das Bild in einem Raum bewirkt
An eine Wand gehängt, ist dies ein Porträt, das das Auge nicht zur Ruhe kommen lässt. Das Orange drängt immer weiter nach vorn, das Blau zieht immer weiter zurück, und das Gesicht des alten Mannes sitzt gefangen zwischen den beiden, erleuchtet und unbewegt. Bei Tageslicht liest sich das Orange heiß, fast aggressiv; unter wärmerem Abendlicht mildert es sich, und die Blautöne der Jacke treten hervor, wodurch sich ändert, welche Hälfte des Gemäldes zuerst zu sprechen scheint.
Mit 56 mal 69 Zentimetern ist das Porträt des Patience Escalier keine große Leinwand, aber das Format passt zu einem Bild, das fast auf Augenhöhe getroffen werden will. Es ist in der Collection Stavros Niarchos vereint geblieben, eine vollständige Aussage darüber, was Van Gogh im Sommer, den er in Arles verbrachte, von einem Porträt wollte.
Das Bild belohnt es, zweimal betrachtet zu werden: einmal von der anderen Seite des Raums, wo es als ein einziger glühender Farbblock liest, und einmal aus der Nähe, wo die Farbe in die Grate, Schrammen und pastosen Striche auseinanderbricht, die Van Gogh hinterließ. Wenige Porträts bitten so schlicht darum, auf beide Weisen gesehen zu werden.
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