Rosa Blüten: Geschichte, Bedeutung & Pinselführung
Eine letzte Woche vor der Abreise aus der Provence
Im Mai 1890 bereitete sich Vincent van Gogh darauf vor, das Asyl Saint-Paul-de-Mausole bei Saint-Rémy-de-Provence zu verlassen, nach einem Jahr, das ihm sowohl seine besten Gemälde als auch seine schlimmsten Krankheitsanfälle gebracht hatte. Er wartete darauf, dass sein Bruder Theo den nächsten Schritt arrangierte, nordwärts nach Auvers-sur-Oise, wo er hoffte, unter der Aufsicht von Dr. Paul Gachet arbeiten zu können.
In dieser letzten Woche legte er die wirbelnden Himmel und Zypressen beiseite, die ihn monatelang beschäftigt hatten, und wandte sich stattdessen dem zu, was in Reichweite lag: Schnittblumen, in einer Schale arrangiert und gemalt, bevor sie welkten. Er arbeitete an zwei Sträußen Rosen und zwei Sträußen Iris, ruhigeren Motiven für eine unruhige Zeit.
Rosen, 1890 gemalt und heute in der Sammlung der Ny Carlsberg Glyptotek, gehört zu dieser kurzen Reihe von Leinwänden. Sie trägt nichts von der Aufgewühltheit, die seine Himmel aus demselben Jahr kennzeichnet; stattdessen ist sie bewusst, fast hartnäckig, still.
Eine Schale Rosen, die ins Grüne übergeht
Die Leinwand, 40,5 mal 32 Zentimeter, hält ein einzelnes Motiv nah heran: einen vollen, lockeren Strauß Rosen, tief in einer flachen Vase sitzend, deren Rand unter dem Blattwerk kaum sichtbar ist. Die Blumen breiten sich weit aus, statt aufrecht zu stehen, einige Blüten neigen sich fast waagerecht, als wäre der Strauß verrutscht statt arrangiert worden.
Die Rosen selbst reichen von fast Weiß über blasses Rosa bis zu einem wärmeren Rosé im Zentrum einiger geöffneter Blüten, die Farben nass in nass gearbeitet, sodass sie sanft ineinander verlaufen. Mehrere Knospen bleiben fest und grünlich an den Rändern und halten das Rosa zurück, bis sie sich öffnen.
Hinter und um die Blumen ist das ganze Feld grün: ein helles, leicht säuerliches Grün, das den Hintergrund und den Boden unter der Vase gleichermaßen füllt, nur durchbrochen von dunkleren Strichen, die Stängel und Blattschatten markieren. Es gibt keinen Tisch, keine Wand, kein Fenster im Blick; die Rosen sitzen einfach in der Farbe.
Das Licht im Gemälde kommt von überall und von nirgendwo im Besonderen. Van Gogh gibt keine einzelne Quelle, keinen geworfenen Schatten, der eine Tageszeit festlegt; die blassen Blüten halten die hellsten Partien der Farbe, und der Blick geht zuerst zu ihnen, bevor er den dunklen Stängellinien hinaus zu den Blättern folgt.
Schnelle Striche, gezeichnete Ränder
Van Gogh arbeitete die Blütenblätter in kurzen, satten Strichen aus Weiß, Rosa und Creme, nebeneinander gesetzt statt vermischt, sodass die Farbe ihre eigene Textur behält, auch wo die Farben dicht beieinander liegen. Aus der Nähe lesen sich die Rosen als einzelne Pinselberührungen; aus normalem Betrachtungsabstand schließen sie sich zu vollen, weichen Blüten.
Die Blätter und Stängel sind wieder anders aufgebaut, ebenso gezeichnet wie gemalt. Dunkelgrüne und fast schwarze Linien ziehen die Umrisse jedes Blattes und den wandernden Weg jedes Stängels nach, eine Gewohnheit, die etwas den japanischen Drucken verdankt, die Van Gogh seit seinen Pariser Jahren studiert hatte und immer wieder aufgriff.
Dieser Kontrast, dicke Farbe in einer gezeichneten Kontur, gibt der ganzen Leinwand ihre Struktur. Ohne die dunklen Umrisse würden die Rosen im grünen Grund zerfließen; mit ihnen liest sich ein lockerer und leicht chaotischer Blumenstrauß klar als Blumenstrauß, zusammengehalten ebenso sehr von der Linie wie von der Farbe.
Blumen als Weg, sich selbst zu beruhigen
Van Gogh hatte schon früher Blumen gemalt, um seinen Geist zu sammeln, am berühmtesten die Sonnenblumen in Arles, doch die Rosen dieser letzten Woche in Saint-Rémy fühlen sich im Temperament anders an. Es liegt weniger Prahlerei in der Farbe und mehr Aufmerksamkeit im bloßen Schauen, darin, einen Strauß Schnittblumen auf die Leinwand zu bringen, bevor sie verblassten.
Er versuchte, nach seinem eigenen Bericht in Briefen aus dieser Zeit, vor einer schwierigen Reise stetig und ruhig zu arbeiten. Eine Schale Rosen verlangt einem Maler wenig ab außer genauem Beobachten, und vielleicht war das genau das, was er nach einem Jahr mit schwierigeren Motiven brauchte.
Das Ergebnis ist ein Gemälde mit sehr wenig Handlung und sehr viel Sorgfalt. Nichts in Rosen verlangt Aufmerksamkeit wie seine stürmischeren Landschaften; es hält einfach still und bittet darum, Blüte für Blüte genau betrachtet zu werden.
An einer Wand, im Laufe des Tages
Dort aufgehängt, wo Tageslicht es erreicht, verändert sich Rosen stärker, als sein kleines Format vermuten lässt. Morgenlicht hebt die fast weißen Höhungen auf den geöffneten Blüten hervor; am Abend, bei Lampenlicht, vertieft sich der grüne Grund und die Rosatöne wärmen sich, sodass das Gemälde weniger als Blumenstrauß und mehr als ein Feld aus Farbe wirkt, in dem Rosen gefangen sind.
Es ist ein nahes, stilles Gemälde, und es belohnt die Art von Raum, in dem jemand tatsächlich oft davor stehen bleibt: ein Schlafzimmer, ein Treppenabsatz, eine Leseecke, irgendwo, wohin der Blick oft genug zurückkehrt, um immer wieder neue Striche im Grünen zu finden.
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