Die Schlucht mit kleinem Bach: Geschichte & Bedeutung
Im Herbst 1889 hatte Vincent van Gogh mehrere Monate als freiwilliger Patient in der Anstalt Saint-Paul-de-Mausole verbracht, und die Bedingungen seines Aufenthalts hatten sich so weit gelockert, dass er unter Aufsicht außerhalb der Mauern malen konnte. Er wanderte in die Hügel über Saint-Rémy-de-Provence und fand eine Gesteinsfalte, die von einem dünnen Bach durchschnitten wurde, eine der Schluchten der Alpilles, zu der er in jenem Jahr mehr als einmal zurückkehrte. Schlucht mit kleinem Bach, gemalt 1889, ist seine Aufzeichnung jenes Ortes, eine Leinwand, klein genug, um getragen und an Ort und Stelle bearbeitet zu werden.
Er malte in jenem Jahr mit hoher Geschwindigkeit, im Bewusstsein, dass seine Krankheit ihm die Fähigkeit zu arbeiten nehmen konnte, bevor sie alles andere nahm, und eine Schlucht passte zu dieser Dringlichkeit. Gestein hat keine feste Kontur, sobald man beginnt, es genau zu betrachten, Wasser bleibt nicht still für eine Skizze, und das Licht in einem engen Einschnitt ändert sich innerhalb von Minuten. Van Gogh begegnete allen drei direkt, statt sie zu einer ruhigeren Ansicht zu glätten.
Eine Schlucht über Saint-Paul-de-Mausole
Die Anstalt lag unterhalb der Alpilles, und Van Goghs beaufsichtigte Ausflüge führten ihn in ein Gelände, das nichts Ordentliches an sich hatte: zerbrochener Kalkstein, Gestrüpp und Einschnitte, in denen Wasser über Jahrhunderte durch das Gestein gewaschen war. Das waren nicht die bestellten Felder oder Gartenecken, die er früher während seines Aufenthalts gemalt hatte.
Eine Schlucht bot keinen Horizont und keinen offenen Himmel, um die Komposition darum zu organisieren. Stattdessen wird der Blick in eine Spalte hinuntergedrängt, an beiden Seiten von Wänden eingefasst, mit nur einem schmalen Streifen Himmel, der oben sichtbar bleibt. Diese Enge wurde ebenso zum Thema wie das Gestein selbst.
Das Gemälde misst 41 mal 32 Zentimeter, ein bescheidenes Format, das zu seinem Ursprung als Studie vor dem Motiv passt, nicht als großes Ausstellungsstück, das später im Atelier ausgearbeitet wurde. Es wird heute vom Van Gogh Museum verwahrt.
Gestein, Brombeergestrüpp und ein Faden Wasser
Ein Keil blass minzgrünen Himmels sitzt in der oberen linken Ecke, der einzige offene Raum im ganzen Bild. Alles andere ist Gestein und Bewuchs, die von beiden Seiten herein drängen: blass grauweiße Felswand rechts, Bänke aus blaugrauem und violettem Stein, die sich oben entlang und die linke Kante hinunter krümmen.
Im Zentrum, den größten Teil der Leinwand füllend, liegt ein dichter Hügel Unterholz, in Ocker, Gold und Olivgrün gemalt, so dick und verklumpt mit Farbe, dass er fast wie ein separates Objekt wirkt, das in der Schlucht steckt. Darunter und darum herum, in blass blaugrauen und weißen Akzenten, läuft der kleine Bach, der dem Gemälde seinen Titel gibt, nicht mehr als ein Faden Wasser, der am Gestein vorbeifließt.
Der Vordergrund ist ein Band trockenen Grases in Ocker, Gelb und einem schwachen Rosa, die Farbe späten Wachstums, nichts Üppiges. Es gibt hier keine Figuren, keinen Weg, der den Blick hinausführt; die Schlucht schließt sich einfach um sich selbst, Gestein oben, Wasser unten, und dieses Gewirr aus Gold im Zentrum, das die ganze Komposition zusammenhält.
Farbe aufgetragen wie Unterholz
Van Gogh behandelte das Gestein und das Laubwerk unterschiedlich, und der Unterschied ist aus der Nähe sichtbar. Die Felswände sind aus langen, schwungvollen Strichen aufgebaut, die der Richtung der Schichten folgen, Grau und Weiß, durchzogen von Blau und ein wenig Violett, dick genug aufgetragen, um Licht über ihren Rippen zu fangen.
Die zentrale Masse der Büsche ist in kurzen, dichten, fast gewebten Strichen aus Gold, Ocker und Dunkelgrün gearbeitet, einer über dem anderen, bis die Farbe über die Leinwand hinaussteht. Es ist die dichteste, am stärksten bearbeitete Passage im ganzen Bild, und dort landet der Blick zuerst.
Die Farbe leistet einen Großteil der strukturellen Arbeit. Das Blau und Violett des Gesteins stehen gegen das Orange und Gold des Unterholzes als nahezu komplementäre Paare, ein Kontrast, den Van Gogh bewusst einsetzte, damit jede Farbe stärker gegen die andere drückt. Nichts hier ist vermischt oder abgeschwächt; jeder Strich behält seine eigene Richtung und seine eigene Kante.
An einer Wand, in wechselndem Licht
Ein Gemälde, das aus so viel Pastosität aufgebaut ist, verhält sich unterschiedlich, je nachdem, wo es hängt. In direktem oder streifendem Licht werfen die Farbrippen über dem Gestein und die verknoteten Striche des Dickichts ihre eigenen kleinen Schatten, sodass die Oberfläche eine Textur hat, die sich im Laufe des Tages verändert.
In weicherem, indirektem Licht beruhigt sich dieselbe Leinwand und liest sich mehr als Farbe und Form, das blaugraue Gestein, das dieses dichte goldene Zentrum rahmt. Beide Lesarten sind berechtigt; das Gemälde wurde so gebaut, dass es aus der Nähe der Prüfung standhält und aus der Entfernung eines Raumes noch seine Form erkennen lässt.
Was konstant bleibt, ist das Gefühl, eingeschlossen zu sein. Van Gogh gab dieser Schlucht keinen Ausweg für den Blick, und eine Reproduktion davon an einer Wand trägt denselben Druck in einen häuslichen Raum: Gestein auf beiden Seiten, ein Faden Wasser und ein Gewirr aus Gold, das sich weigert, sich in etwas Ruhigeres aufzulösen.
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