Selbstbildnis für Gauguin: Geschichte & Bedeutung
Ein Geschenk vor dem gelben Haus
Im September 1888 war Vincent van Gogh seit sechs Monaten in Arles und arbeitete auf seine Idee eines Studios des Südens hin, einer Gemeinschaft von Malern, die ein Haus und eine Sichtweise teilten. Er hatte das gelbe Haus an der Place Lamartine gemietet und wartete darauf, dass Paul Gauguin, damals noch in der Bretagne, zustimmte zu kommen und es mit ihm zu teilen.
Vor Gauguins Ankunft vereinbarten die beiden Männer, gemalte Selbstporträts auszutauschen, ein Brauch, von dem sie gehört hatten, dass er unter japanischen Künstlerfreunden gepflegt wurde. Van Gogh malte seine Hälfte des Austauschs schnell und schickte sie nach Norden als eine Art Pfand, ein Bild von sich selbst, das für die Briefe einstand, die er bereits gesandt hatte.
Er schrieb eine Widmung an Gauguin entlang der oberen Kante des grünen Grundes und gab dem Bild seinen vollen Titel, Selbstporträt, Paul Gauguin gewidmet. Gauguin erreichte Arles erst einen Monat später, und die beiden Männer sollten dort kaum neun Wochen zusammen leben und arbeiten.
Ein rasierter Kopf vor Malachitgrün
Die Leinwand ist klein und nah, nur 50,3 mal 61,5 Zentimeter, und Van Gogh füllt fast die gesamte Fläche mit seinem eigenen Kopf und seinen Schultern. Es gibt keinen Raum, kein Fenster, keinen Gegenstand neben ihm; die Farbe reicht fast bis an alle vier Ränder der Tafel.
Er zeigt sich mit dicht an den Schädel geschorenem Haar, die Augenbrauen und der Bart in demselben warmen rötlichen Ton, die Augen zusammengekniffen und an den äußeren Winkeln nach oben gezogen. Er blickt nicht direkt zum Betrachter hinaus; sein Blick gleitet leicht zur Seite, wachsam statt offen.
Er trägt eine schlichte dunkle Jacke, deren Revers mit einer blauen Linie eingefasst ist, über einem weißen Hemd geknöpft, das am Hals mit einer kleinen runden Schließe geschlossen ist. Hinter ihm ist der Grund ein gleichmäßiges Feld aus blassem Malachitgrün, das nur durch die Inschrift oben unterbrochen wird.
Das Porträt eines Bonzen
Van Gogh erklärte das Bild selbst, in einem Brief, der es nach Süden begleitete. Er hatte es, so sagte er, als das Porträt eines Bonzen konzipiert, eines einfachen Anbeters des ewigen Buddha, und er bat Gauguin, den rasierten Kopf und die schrägen Augen in diesem Licht zu lesen, als eine gewählte Rolle statt als bloßes Abbild.
Die Idee stützte sich auf die Bewunderung beider Männer für japanische Holzschnitte, eine Begeisterung, die Van Gogh seit seinen Jahren in Paris mit sich trug und über die er aus Arles ausführlich geschrieben hatte. Gauguins eigenes gewidmetes Selbstporträt, für denselben Austausch gemalt, schlug einen ganz anderen Ton an.
Van Goghs Version liest sich weniger als Aufzeichnung seiner Züge denn als Absichtserklärung. Er malte sie genau in dem Moment, in dem er seine Ersparnisse, die Geduld seines Bruders und seine eigene Gesundheit auf die Hoffnung setzte, dass Gauguins Ankunft das Studio des Südens Wirklichkeit werden ließe.
Farbe bloßgelegt
Das Gesicht ist aus warmer, direkter Farbe aufgebaut: Rosa über dem Wangenknochen, fahles Gelb an der Schläfe, direkt gegen das kühle Grün dahinter gesetzt, mit fast keinem weichen Übergang zwischen beiden. Dieser Zusammenstoß von Warm und Kühl leistet die Arbeit, die Schatten und Halbton in einem konventionelleren Porträt verrichten würden.
Die Jacke ist in lockeren, diagonalen Strichen angelegt, die das Licht je nachdem, wo ein Betrachter davor steht, unterschiedlich auffangen. Das Gesicht ist feiner behandelt, die Spuren folgen der Struktur von Wange, Braue und Kiefer, statt zu einer gleichmäßigen Oberfläche zu verschmelzen.
Nichts ist hier glattgeglättet. Selbst der grüne Grund, der aus der Entfernung eines Raumes als flaches, dekoratives Feld erscheint, löst sich aus der Nähe in deutliche, sichtbare Pinselstriche auf, einer gegen den anderen gesetzt.
Von der Beschlagnahme nach Cambridge
Die spätere Geschichte des Gemäldes trägt ihr eigenes Gewicht. Es ging durch die Sammlung „entartete Kunst“, Werke, die in den 1930er Jahren unter der nationalsozialistischen Kampagne gegen moderne und expressionistische Malerei aus der deutschen öffentlichen Ausstellung entfernt wurden, bevor es schließlich den Atlantik überquerte.
Es wird heute von den Harvard Art Museums im Fogg Museum, Cambridge, Massachusetts, gehalten. Es überstand ein Jahrzehnt, in dem Gemälde sehr ähnlich diesem anderswo allein dafür beschlagnahmt und verkauft wurden, dass sie modern waren.
An einer Wand verschiebt sich dieser Malachitgrund im Laufe des Tages. Unter warmem Abendlicht neigt er zu Türkis; unter kühlerem Tageslicht siedelt er näher bei Jade, und der rötliche Bart und das blasse, wachsame Gesicht lesen sich jedes Mal anders dagegen.
Van Gogh malte dies in Gesprächsdistanz, nah genug, um jeden Strich zu sehen. Es verlangt noch immer, so empfangen zu werden, auf Armeslänge, in einem Raum, statt über eine Galeriehalle hinweg.
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