Selbstbildnis mit Filzhut: Geschichte, Bedeutung & Pinselstrich
Vincent van Gogh erreichte Paris im März 1886 und tauchte ohne Vorwarnung an der Tür seines Bruders Theo in der Rue Laval auf, ein holländischer Maler dunkler, erdverbundener Interieurs, der mitten in die französische Moderne geworfen werden sollte. Er hatte Antwerpen in Eile verlassen, seine Gesundheit war schlecht und seine Studiengebühren an der Akademie kaum aufgebraucht. Theo, ein Kunsthändler mit einem Blick aus der ersten Reihe auf die neue Malerei, die aus den Montmartre-Ateliers kam, nahm ihn auf und baute den Blick seines Bruders in den folgenden zwei Jahren praktisch neu auf.
Geld für Modelle war knapp, wie immer bei Van Gogh, also richtete er den Spiegel auf sich selbst. Das Selbstporträt wurde ebenso sehr eine Arbeitsmethode wie ein Motiv, eine Möglichkeit, ein Gesicht unter verschiedenen Lichtverhältnissen zu üben und zu malen, ohne einen Sitzenden stundenweise zu bezahlen. Dieses gehört zu jenem ersten Abschnitt der Pariser Monate, gemalt 1886, als die Gewohnheit gerade erst begann.
Das Bild ist bescheiden im Format, 32,5 mal 41,5 Zentimeter, nahe genug an der tatsächlichen Größe von Kopf und Schultern, dass die Begegnung unmittelbar wirkt statt gestellt. Es ist keine große Erklärung der Ankunft. Es liest sich eher wie eine private Übung, ein Mann, der herausfindet, wie er in dieser neuen Stadt und diesem neuen Licht aussah.
Ein Gesicht zwischen Hutkrempe und Kragen
Der Hut beherrscht die obere Hälfte der Leinwand, eine dunkle Filzform mit einer breiten, sanft gerundeten Krempe, die tief über die Stirn reicht. Seine Farbe liegt irgendwo zwischen Flaschengrün und Beinahe-Schwarz, gemalt ohne die feine Ausführung, die dem Gesicht darunter zuteilwird, eher eine Masse als ein beschriebener Gegenstand.
Unter dieser Krempe wird das Gesicht von vorn beleuchtet, blass und leicht wächsern gegen das umgebende Dunkel. Die Stirn trägt sichtbare Furchen, kurze besorgte Striche, die die Haut durchziehen, und die tief liegenden Augen, graublau und leicht beschattet, begegnen dem Betrachter direkt, ohne sich zu mildern.
Ein dichter, rötlicher Bart und Schnurrbart bedecken die untere Gesichtshälfte, der ingwerfarbene Ton der einzige warme Akzent gegen so viel Braun und Grün. Darunter durchbricht ein Blick auf einen gestreiften Schal, Blau gegen Weiß, die Kragenlinie, bevor der dunkle Mantel sich wieder über die Schultern schließt.
Farbe, die noch ihr holländisches Gewicht trägt
Sehen Sie, wie ungleichmäßig die Aufmerksamkeit über die Leinwand fällt. Das Gesicht ist in kurzen, kontrollierten Strichen gearbeitet, die der Struktur von Wangenknochen und Braue folgen, während Hut, Mantel und Hintergrund in breiteren, lockeren Zügen angelegt sind, die kaum mehr beschreiben als Masse und Schatten.
Diese Ungleichmäßigkeit ist das eigentliche Thema des Bildes. Van Gogh hatte seine holländischen Jahre damit verbracht, Grau, Umbra und Flaschengrün für Bauerninterieurs zu mischen, und diese Palette hat sich hier noch nicht gelockert. Der Hintergrund ist ein abgeschabtes, streifiges Maroon, näher an altem Möbellack als an der impressionistischen Farbe, die er bald in Cormons Atelier und in den Galerien um ihn herum antreffen sollte.
Was sich verändert hat, ist die Behandlung des Gesichts selbst, straffer und suchender als in seinen Nuenen-Porträts, als malte er nun, um zu verstehen, statt einfach festzuhalten. Mantel und Hut gehören noch zu Holland. Die Augen gehören einem Mann, der sich selbst bereits neue Fragen stellt.
Ein Blick, der nicht loslässt
Was den Betrachter zuerst trifft, bevor Hut oder Mantel überhaupt wahrgenommen werden, ist die Direktheit des Blicks. Van Gogh wendet sich nicht von sich selbst ab und er beschönigt nicht, was er sieht, der Mund flach, die Augen leicht wachsam unter dieser schweren Krempe.
Es liegt wenig Eitelkeit darin und ebenso wenig Vorführung. Dies ist eher eine Arbeitsnotiz als eine fertige Aussage, ein Gesicht, am Spiegel geprüft und festgehalten, während die Farbe noch verarbeitbar war, was ihm eine ungeschützte Qualität gibt, die seine späteren, berühmteren Selbstporträts manchmal für Farbe und Dramatik eintauschen.
An einer Wand, in wechselndem Licht
In einem Raum mit wechselndem Tageslicht verhält sich ein Porträt, das auf so viel dunklem Grund aufgebaut ist, über den Tag hinweg anders. Bei schwachem Licht sinken Hut und Mantel fast zu Schwarz und das blasse Gesicht scheint von selbst nach vorn zu schweben, mitten im Gedanken gefangen. Bei stärkerem Licht öffnet sich der maroonfarbene Hintergrund und die Pinselarbeit im Mantel wird wieder lesbar, all diese abgeschabte, ruhelose Farbe plötzlich sichtbar.
Es lohnt sich, aus der Entfernung eines Raumes und dann aus der Nähe betrachtet zu werden, die beiden Ansichten zeigen fast verschiedene Bilder, die eine eine Silhouette gegen dunkles Rot, die andere eine Studie in kurzen, bewussten Strichen um ein Paar wachsamer Augen.
Das Original hängt im Van Gogh Museum in Amsterdam, ein Eintrag unter den vielen Selbstporträts, die Van Gogh in diesen Pariser Jahren schuf, aber ein frühes und vergleichsweise nüchternes, gemalt bevor Farbe und Pinselarbeit beide ausbrachen.
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