Selbstbildnis mit Pfeife: Geschichte, Bedeutung & Pinseltechnik
Ankunft in Paris
Vincent van Gogh erreichte Paris im März 1886 und zog in die Wohnung seines Bruders Theo, ohne sich kaum anzukündigen. Er war dreiunddreißig, weitgehend Autodidakt und hatte die Jahre zuvor damit verbracht, Weber und Kartoffelesser im flachen braunen Licht von Nuenen zu malen. Paris war ein völlig anderes Klima, erfüllt von den Auseinandersetzungen der Impressionisten und Neo-Impressionisten, über die er nur in Briefen gelesen hatte.
Er kam nicht mit fließender Beherrschung der neuen visuellen Sprache um ihn herum an. Dieses Selbstporträt, gemalt 1886, gehört zu seinen ersten Monaten in der Stadt, bevor der gebrochene Farbauftrag und die beschleunigte Pinselführung seiner späteren Pariser Leinwände Fuß fassten. Die Palette ist noch weitgehend die, die er aus den Niederlanden mitgebracht hatte.
Ein Gesicht halb im Schatten
Das Gemälde ist klein, nur 38 mal 46 Zentimeter, und es verlangt, aus nächster Nähe betrachtet zu werden. Van Gogh zeigt sich von der Brust aufwärts, in einem dunklen Mantel mit einem blassen Kragen und einer Krawatte, die unter seinem Bart gerade eben sichtbar ist. Eine Tonpfeife ist in seinem Mund festgehalten, ihr Holm nach unten geneigt, ein Faden Farbe steigt aus dem Pfeifenkopf auf.
Das Licht fällt von oben links ein, fängt den Scheitel seines Kopfes und die linke Seite seines Gesichts, während die rechte Seite in einen warmen, rötlichen Schatten sinkt. Sein Haar und sein Bart sind ein kupferrotes Ingwerrot, gemalt in kurzen, trockenen Strichen, die das Licht anders einfangen als die glattere Modellierung der Haut. Seine Augen begegnen dem Betrachter nicht direkt; sie sind leicht zur Seite gerichtet, wachsam statt konfrontativ.
Hinter ihm ist der Grund ein dunkles, geflecktes Rotbraun, scumbled und mit sichtbaren Pinselspuren bearbeitet statt flach aufgetragen. Er vermittelt kein Gefühl von einem Raum oder einem Fenster, nur eine flache, enge Atmosphäre, die sich um den Sitzenden drückt. Gegen diese Dunkelheit wird die blasse Stirn zum einzigen hellsten Ton im Gemälde, der Stelle, zu der das Auge zuerst zurückkehrt.
Für sich selbst sitzen
Van Gogh konnte sich professionelle Modelle nicht regelmäßig leisten, und in Paris wandte er sich dem einen Gesicht zu, das ihn nichts kostete: seinem eigenen. Über seine zwei Jahre in der Stadt malte er sich selbst über zwanzig Mal, mit einem kleinen Spiegel, der in seinem Zimmer aufgestellt war.
Jeder Versuch erlaubte ihm, etwas zu erproben, ohne eine Sitzungsgebühr oder die Geduld eines Fremden verhandeln zu müssen. Ein Selbstporträt konnte an einem Nachmittag begonnen und aufgegeben und am nächsten Tag wieder aufgenommen werden, während die Farbe noch verarbeitbar war. Diese Wiederholung wurde tatsächlich sein privater Unterricht in der neuen Malerei, der er auf Ausstellungen und in Künstlerateliers rund um Montmartre begegnete.
Im Vergleich zu den Selbstporträts, die er nur ein oder zwei Jahre später malte, mit ihren gebrochenen Farbstrichen und ihrer fast schockierenden Helligkeit, wirkt dieses zurückhaltend. Die Pfeife und der ruhige Blick gehören einem Mann, der sich noch in etwas nahe an seiner alten holländischen Art präsentiert, selbst als die Stadt um ihn herum seinen Blick woanders hinzog.
Eine Hand, noch Nuenen treu
Die Pinselführung ist hier fest und in Flecken aufgebaut statt in den schnellen, gerichteten Strichen, die bald seinen reifen Stil definieren sollten. Auf der Stirn und der Wange ist die Farbe mit einiger Sorgfalt verblendet, modelliert den Knochen unter der Haut in Grautönen, Ocker und Spuren von Grün. Bart und Haar sind freier behandelt, mit kurzen, federnden Spuren, die Textur andeuten, ohne jede Strähne zu beschreiben.
Mantel und Hintergrund sind noch lockerer gemalt, fast als Folie gegen die straffere Behandlung des Gesichts. Van Gogh wollte eindeutig, dass sich die Aufmerksamkeit auf dem Kopf sammelt, und er nutzte sowohl Licht als auch Farbauftrag, um sicherzustellen, dass sie das tut. Es gibt wenig von dem Impasto, das er später auf die Leinwand auftürmen sollte; die Oberfläche bleibt durchweg vergleichsweise zurückhaltend.
Was das Bild lohnenswert macht, genau darüber zu verweilen, ist diese Spannung zwischen einer alten, sorgfältigen Hand und einer neuen Reihe von Ideen, die an ihren Rändern drückt. Nichts hier ist auffällig, aber die Wahl, sein eigenes ungeschütztes, müdes Gesicht zu malen statt eines schmeichelhaften oder komponierten, trägt bereits die Ehrlichkeit, die seine späteren Selbstporträts prägen sollte.
Wo es jetzt hängt
Das Gemälde befindet sich im Van Gogh Museum in Amsterdam, Teil einer Sammlung, die seine Entwicklung Jahr für Jahr nachzeichnet. Unter seinen anderen Pariser Leinwänden von 1886 dort eingeordnet, liest es sich klar als Wendepunkt, der Moment, bevor sich seine Farbe öffnete.
An einer Wand in einem Zuhause, fern von dieser Abfolge, verhält es sich anders. Bei schwachem Licht treten die Brauntöne und das Fast-Schwarz des Mantels und des Hintergrunds fast völlig zurück, und die beleuchtete Seite des Gesichts schwebt für sich allein. Unter einer stärkeren Lampe oder Tageslicht treten die rötlichen Untertöne im Schatten und das Ingwerrot des Bartes hervor, und das Bild erwärmt sich erheblich.
Es belohnt die Art des Sehens, die Van Gogh selbst im Spiegel praktizierte: langsam, nah und wiederholt. Ein so stilles Porträt kündigt sich nicht über einen Raum hinweg an, aber es hält die Aufmerksamkeit, sobald sie gefunden ist, so wie ein Gesicht, das unerwartet in einem dämmrigen Flur erblickt wird, die Aufmerksamkeit hält.
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