Stillleben mit Gänseblümchenstrauß: Die Geschichte
Vincent van Gogh kam in den ersten Monaten des Jahres 1886 in Paris an, ohne dass auch nur annähernd geklärt war, wie er malen wollte. Er zog in die Wohnung seines Bruders Theo, gab die trüben braunen Interieurs auf, mit denen er sich in Nuenen einen Namen gemacht hatte, und machte sich daran, sich die Farbe von Grund auf selbst beizubringen. Stillleben mit einem Strauß Gänseblümchen, im selben Jahr gemalt, ist eines der Ergebnisse: eine Leinwand, die nicht geschaffen wurde, um verkauft oder gezeigt zu werden, sondern um durchgearbeitet zu werden, Pinsel in der Hand, bis sich etwas am Sehen verändert hatte.
Blumen waren das billigste und geduldigste Motiv, das ihm zur Verfügung stand. Ein Strauß, gekauft oder gepflückt, hielt seine Pose ein paar Tage, lange genug, um denselben Krug und dieselben Blüten immer wieder zu versuchen und dabei zu ergründen, wie ein Grün neben einem anderen saß. Dutzende dieser Studien aus seinem ersten Jahr in der Stadt sind erhalten, und diese Leinwand gehört dazu, unsigniert, nicht vom Künstler selbst datiert, eher Arbeitsnotizen als eine fertige Aussage.
Was dieses besondere Gemälde auszeichnet, ist, wie wenig es von dem helleren Paris übernimmt, das er bald entdecken sollte. Die Farbe ist noch verhalten, noch erdverbunden. Es liest sich wie ein Scharnierbild, entstanden kurz bevor das Licht der Stadt vollständig in sein Werk eindrang.
Ein voller Krug auf einem kahlen Tisch
Ein einzelner Steinzeugkrug, mit dunklerem Grün gebändert, steht leicht rechts der Mitte auf einer schlichten Tischplatte. Aus seinem engen Hals steigt eine dichte, kopflastige Blumenmasse empor, so voll, dass der Krug unter dem Gewicht dessen, was er hält, fast verschwindet.
Der Strauß mischt mehrere Arten spätsommerlicher Blüten. Weiße und blass cremefarbene Gänseblümchen öffnen ihre flachen Blüten dem Betrachter zugewandt, kleine malvenfarbene und fliederfarbene Astern drängen sich links, und ein paar tief weinrote Blütenköpfe sitzen halb verschluckt im Schatten toward hinten in der Anordnung.
Unten links sind zwei oder drei leuchtend gelbe, löwenzahnähnliche Blüten heruntergefallen oder locker auf die Tischplatte gelegt worden, getrennt vom Krug. Sie sind das Erste, was das Auge fängt, bevor es wieder hinauf in das Gewirr der blasseren Blüten darüber steigt.
Fast ausschließlich in Grün gemalt
Van Gogh setzt die ganze Szene vor einen flachen, dunkel olivgrünen Hintergrund, mit einem etwas helleren grünen Tisch darunter. Krug, Blätter, Stiele und Hintergrund liegen alle in einem schmalen Band derselben Farbfamilie, sodass das Bild als ein einziger dämmriger, umschließender Raum zusammenhält und nicht als Zimmer mit festen Rändern.
Vor dieser tiefen Tonlage tragen die Blütenköpfe fast das gesamte Licht des Bildes. Jedes Blütenblatt ist als kurzer, pastoser Strich gesetzt, getupft statt verrieben, und strahlt von einem dunkleren Zentrum nach außen in Yellow, Creme oder blassem Rosa.
Die Blätter und Stiele sind lockerer behandelt, in längeren Zügen gezogen und gehäkelt, die Masse beschreiben statt einzelner Formen. Van Gogh zeichnet nicht so sehr jeden Stiel, als dass er die Form findet, die der ganze Strauß vor der Wand hinter ihm bildet.
Die Leinwand selbst ist klein, 57,2 mal 41,6 Zentimeter, nahe der Größe des Straußes, den sie zeigt. Dieses Format ist wichtig: Es ist ein Bild, das aus Armeslänge betrachtet werden will, auf einem Tisch oder einer Staffelei, nicht über einen Galerieflure hinweg.
Ein Schritt vor den helleren Pariser Bildern
Innerhalb von etwa einem Jahr nach diesem Strauß Gänseblümchen würde Van Gogh reines Kadmiumgelb und Kobaltblau setzen, gelernt von impressionistischen und neo-impressionistischen Leinwänden, die er in den Schaufenstern Pariser Händler sah. Dieser Wandel hat hier noch nicht stattgefunden.
Was dieses Stillleben stattdessen zeigt, ist die Grundlage dafür: ein Künstler, der sein Motiv bewusst auf einen einzigen Krug Blumen verengt, um sich auf nichts als Farbbeziehungen konzentrieren zu können, ohne eine Landschaft oder eine Figur, die ihn ablenken. Die Dunkelheit der Palette ist keine Ängstlichkeit, sie ist Kontrolle, eine Art zu prüfen, wie weit blasse Blütenblätter getrieben werden können, um vor einem Feld von Grün zu leuchten, bevor das Bild aufhörte, überhaupt als Strauß zu lesen.
Das Gemälde befindet sich heute im Philadelphia Museum of Art, Teil einer öffentlichen Sammlung, wo es noch immer persönlich gesehen und studiert werden kann.
Wie es an der Wand wirkt
Bei schwachem Licht oder Abendlicht liegt das Bild nahe an der Monochromie, und die Blütenköpfe scheinen aus dem Grün aufzutauchen, statt davor zu sitzen. Nach und nach, während sich das Auge anpasst, werden die weinroten und malvenfarbenen Blüten sichtbar, die im Schatten vergraben sind.
Bei stärkerem Tageslicht öffnet sich dieselbe Leinwand. Die Vielfalt, die Van Gogh in einen engen Farbbereich eingebaut hat, die Rosa-, Flieder- und Cremetöne, die zwischen dem Gelb stecken, lassen sich leichter trennen und verfolgen, und die zwei lockeren Blüten auf der Tischplatte treten vor dem Rest hervor.
So oder so belohnt es einen zweiten und dritten Blick statt eines einzigen. Das ist schließlich, wofür es gemacht wurde: kein fertiges Schaustück, sondern eine Studie darüber, wie viel ein Maler in einem gewöhnlichen Krug Blumen finden kann, wenn er nur weiter hinsieht.
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