Stillleben mit Käse und Brot: Geschichte, Bedeutung & Pinseltechnik
Vincent van Gogh kam in den ersten Monaten des Jahres 1886 in Paris an und zog bei seinem Bruder Theo ein, einem Kunsthändler, dessen Wohnung ihn in Gehweite der Galerien brachte, die die neue impressionistische und neo-impressionistische Malerei zeigten. Er war dreiunddreißig, weitgehend Autodidakt und trug noch immer die schwere, erdverbundene Palette mit sich, die er in Nuenen beim Malen von Bauern und Kartoffelessern entwickelt hatte. Paris verlangte etwas anderes von ihm: hellere Farbe, lockereren Umgang, die Bereitschaft, schnell nach der Natur zu arbeiten statt nach langen, mühsamen Studien.
Das Stillleben wurde in jenem Jahr sein Prüffeld. Eine Flasche, ein Teller, ein Laib Brot kosteten nichts und beklagten sich über nichts, und konnten auf einem Tisch immer wieder neu angeordnet werden, bis Licht und Farbe miteinander übereinstimmten. Dutzende dieser kleinen Leinwände aus dem Jahr 1886 sind erhalten, meist Essen und Geschirr, gemalt nicht als fertige Aussagen, sondern als Übungen im Sehen.
Diese Leinwand, ursprünglich betitelt Still Life with Bottle, Two Glasses, Cheese and Bread, gehört zu dieser Reihe von Studien. Sie ist ein bescheidenes Objekt, nur 46 mal 37,5 Zentimeter, und sie liest sich wie ein Maler, der schnell ein einziges Problem durcharbeitet: wie man Glas, Stoff, Brot und Schatten überzeugend auf dieselbe Ebene bringt.
Ein Tisch für eine Person gedeckt
Die Anordnung ist schlicht und in ihrer Schlichtheit fast feierlich. Eine verkorkte Flasche steht in der Mitte des Tisches, flankiert von zwei Gläsern, jedes mit einer Portion dunklen Weins. Davor trägt ein weißer Teller ein abgerissenes Stück Brot, ein Stück Käse und ein schräg darübergelegtes Messer, dessen dunkler Griff zum Betrachter weist.
Das Licht fällt von links ein und erzählt das meiste. Es fängt den Rand des Tischtuchs und die Kurve des Tellers in fast Weiß ein, zieht eine helle Naht die Schulter der Flasche hinab und pickt einen dünnen Spritzer Reflexion am Rand jedes Glases heraus. Alles hinter dieser Lichtlinie versinkt in einem tiefen grünlich-braunen Grund, der an manchen Stellen fast schwarz wirkt.
Die Farbe in diesem Bild ist zurückhaltend, aber nicht stumpf. Der Hintergrund ist ein gerauchtes Olivbraun, das Tischtuch ein warmes Ocker, das dort, wo das Licht direkt auftrifft, zu Creme verblasst, und Brot und Käse leuchten rostorange und golden gegen den weißen Teller. Der Wein in den Gläsern ist fast schwarz gemalt, eine Farbe so dicht, dass sie das Glas um sich herum kaum durchlässt.
Der Blick landet zuerst auf diesem Teller, dem einen Fleck fast Weißen in der unteren Hälfte der Leinwand, und wandert von dort die helle Linie des Tischtuchs hinauf zu der Flasche, die in der mittleren Distanz Wache steht. Es ist eine einfache Mahlzeit für eine Person, hingestellt und dann, so scheint es, unberührt gelassen.
Eine ehrliche, ungekünstelte Hand
Van Gogh baute den dunklen Hintergrund aus sichtbarer diagonaler Schraffur auf, kurze Striche, einer gegen den nächsten gesetzt statt zu einem flachen Farbauftrag verrieben. Die Spuren verbergen sich nicht; man kann die Richtung nachvollziehen, in der der Pinsel über die Leinwand wanderte, Strich für Strich, so wie man Bleistiftschraffur in einer Zeichnung nachziehen würde.
Gegen diese schraffierte Dunkelheit tragen die Flasche und die Gläser dickere, bewusstere Farbaufträge, kleine Impasto-Grate, wo ein Glanzlicht über der Oberfläche stehen musste, statt in sie einzusinken. Die Reflexionen auf dem Glas sind aus einer Handvoll sicherer Tupfer gebaut statt aus sorgfältigem Lasieren, und sie lesen sich genau deshalb als Glas, weil sie so sparsam sind.
Das Tischtuch ist noch lockerer behandelt, breite Striche in Ocker und Creme, die an manchen Stellen die Webart der Leinwand durchscheinen lassen. Brot und Käse dagegen sind mit etwas dichterer Farbe und wärmerer Farbe gearbeitet, sodass das eine Objekt, das den Appetit im Bild halten soll, auch das mit der größten physischen Präsenz gebaute ist.
Nichts davon ist die gebrochene, prismatische Farbe, die Van Gogh innerhalb eines Jahres nach diesem Bild annehmen sollte, nachdem der Pointillismus und das südliche Licht der Provence weiter auf ihn gewirkt hatten. Es ist stattdessen ein Bild eines Malers, der noch in Brauntönen und Grautönen denkt, dies aber mit einer Direktheit und einem Vertrauen in den Pinsel tut, das es bereits von seinem Nuenen-Werk abhebt.
Was das Gemälde in einem Raum bewirkt
Eine so dunkle Komposition belohnt Geduld. Bei flachem Tageslicht liest sich der Hintergrund als eine einzige düstere Masse, und das Auge wird fest zum beleuchteten Teller und zur warmen Farbe des Brotes gedrängt. Unter einer Lampe am Abend wechselt dasselbe Gemälde völlig den Register: die Glanzlichter auf der Flasche und den Gläsern fangen die Lichtquelle direkt ein, und das Bild beginnt von einigen wenigen kleinen Punkten zu glühen, statt sich auf einmal zu präsentieren.
Dieser Wechsel ist gut zu wissen, bevor man es aufhängt, denn ein so gebautes Stillleben ist kein Bild, das alles in einem Blick preisgibt. Es möchte wieder angesehen werden, während das Licht im Raum durch den Tag wandert, eine Eigenschaft, die besser zu einer Küche, einem Esszimmer oder jedem Raum passt, in dem Menschen lange genug still sitzen, um es zu bemerken.
Das Original, noch immer unter seinem vollen Titel Still Life with Bottle, Two Glasses, Cheese and Bread bekannt, wird vom Van Gogh Museum verwahrt. 1886 in Paris gemalt, an dem Punkt, an dem Van Goghs niederländische Ausbildung und seine neue französische Umgebung sich noch auf derselben Leinwand ausarbeiteten, bleibt es eine kleine, exakte Aufzeichnung eines Künstlers, der sich selbst das Sehen beibringt.
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