Vase mit fünfzehn Sonnenblumen: Geschichte, Bedeutung & Malweise
Im Januar 1889 war Vincent van Gogh zurück im Gelben Haus in Arles, allein. Paul Gauguin war im Vormonat abgereist, nach dem Streit, der mit Van Goghs Ohrwunde und einem Krankenhausaufenthalt endete, und die beiden Zimmer, die Van Gogh für den Besuch seines Freundes eingerichtet hatte, standen größtenteils leer. Sonnenblumen blühen nicht im provenzalischen Winter, also als er sich entschied, mehr von den Bildern zu malen, die im August zuvor an Gauguins Wand gehangen hatten, arbeitete er nach seiner eigenen früheren Leinwand statt nach einer Vase mit frischen Blüten.
Das Ergebnis war Stillleben: Vase mit fünfzehn Sonnenblumen, gemalt in jenem Januar und heute im Besitz des Sompo Museum of Art in Tokio. Mit 76,5 mal 100,5 Zentimetern ist es nahezu lebensgroß, eine durchdachte Wiederholung statt einer schnellen Studie, gemalt mit derselben Aufmerksamkeit, die Van Gogh fünf Monate zuvor der ersten Version gewidmet hatte.
Eine zweite Version, mit Sorgfalt gemalt
Van Gogh verwendete das Wort Wiederholung für Bilder wie dieses, und er meinte es präzise. Er kopierte nicht im Sinne des Nachzeichnens, sondern rekonstruierte eine Komposition, der er bereits vertraute, und traf die Neigung jedes Blütenkopfs und die genaue Anzahl von fünfzehn Blüten aus dem Gedächtnis und nach seiner eigenen früheren Leinwand.
Er hatte an seinen Bruder Theo geschrieben, dass er eine Dekoration aus mehreren Sonnenblumenleinwänden wollte, eine Gruppe von Gelbtönen, die als ein Schema zusammenhalten würde. Wiederholungen anzufertigen erlaubte ihm, mehr als ein Bild aus einer einzigen gelungenen Anordnung zu gewinnen, sodass dieses Schema reisen oder gleichzeitig in mehr als einem Raum hängen konnte.
Er hatte Gauguin bereits gesagt, halb im Scherz und halb nicht, dass die Sonnenblume unter den Malern ihm allein gehöre. Im Januar war diese Behauptung wahrer geworden als zu dem Zeitpunkt, als er sie zuerst aufstellte. Dieses Bild ist die Blume, wiederholt zu seinen eigenen Bedingungen, in seinem eigenen Haus, nachdem der Streit, der Gauguin nach Arles gebracht hatte, beendet war.
Fünfzehn Köpfe vor einem Feld aus Gelb
Das Bild enthält nichts als eine schlichte irdene Vase und ihre Blumen, auf einem kahlen Tisch, vor einer Wand, die nur durch eine einzige horizontale Linie unterbrochen wird, die sie von der Tischplatte trennt. Fünfzehn Sonnenblumenköpfe drängen aus der Öffnung der Vase auf dicken grünen Stielen, einige aufrecht und voll geöffnet, andere seitlich gewendet oder über ihren besten Zustand hinaus hängend.
Einige Köpfe sind versamt, ihre Blütenblätter zu einem Saum um dunkle, borstige Zentren ausgedünnt; andere sind noch breite Scheiben aus Gold mit einem grünen Auge in der Mitte. Eine Blume oben links hat sich ganz eingerollt und gebräunt, eine kleine Note des Verfalls gegen die Frische der Blüten neben ihr.
Die Farbe trägt fast das ganze Bild. Van Gogh bearbeitete den Hintergrund, den Tisch und die Vase in engen Variationen eines einzigen Gelbs, von hellem Chrom nahe der Oberkante bis zu einem tieferen, fast orangen Gold am Grund, sodass die Blumen selbst aus kleinen Verschiebungen von Grün, Braun und Ocker aufgebaut werden müssen statt aus irgendeinem Kontrast des Farbtons. Der Blick landet zuerst auf dem höchsten, am stärksten zugewandten Kopf in der Mitte des Bündels und arbeitet sich dann nach außen um den Ring von Blumen herum, der ihn umgibt.
Farbe dick genug, um einen Schatten zu werfen
Van Gogh trug die Farbe für die Blütenköpfe in hohem Relief auf, belud seinen Pinsel und zog ihn so, dass die Grate des Pigments physisch von der Leinwand abstehen. Blütenblätter sind als kurze, separate Striche aufgebaut, die von jedem Zentrum ausstrahlen, und die Samenstände sind mit derselben Dicke bearbeitet, sodass die Oberfläche aus einem Winkel fast wie eine flache Skulptur wirkt.
In einige dieser nassen Farbe ritzte er dünne Linien mit dem Ende seines Pinsels, um die feinen Rippen eines Blütenblatts oder die Textur eines Samenstands schneller zu markieren, als er sie Strich für Strich hätte malen können. Die Vase und der Tisch hingegen sind dünner behandelt, sodass das Bild einen bewussten Kontrast zwischen den aufgebauten Blumen und dem flacheren Grund, auf dem sie sitzen, bewahrt.
Er erprobte, nach seinem eigenen Bericht, wie weit ein Bild fast auf einer einzigen Farbe allein zusammenhalten konnte, eine Studie in Gelb gegen Gelb statt in kontrastierenden Farbtönen. Kleine Akzente von Blaugrün in den Stielen und Umrissen sind wirklich alles, was das Bild daran hindert, in einem einzigen Feld aus Gold zu zerfließen.
An einer Wand, in wechselndem Licht
Mit einem Meter Höhe wirkt die Leinwand weniger wie eine Vase mit Blumen, die man auf einem Tisch erblickt, und mehr wie eine Wand aus Gold, die zufällig fünfzehn Sonnenblumen enthält. Auf Augenhöhe gehängt füllt sie mehr des Gesichtsfelds, als ihre bescheidene Breite vermuten lässt, ein Effekt, den Van Gogh verstanden hätte, da er seine Sonnenblumenbilder bereits als Dekoration dachte, die zum Zusammenleben bestimmt war statt zum Betrachten aus der Distanz.
Weil die Farbe so hoch von der Oberfläche absteht, verändert sich das Bild im Lauf des Tages, während wirkliches Licht darüber streicht. Morgenlicht hebt die Grate jedes Blütenblatts in kleinen Schatten hervor; abends, unter einer Lampe, weichen dieselben Grate auf und die ganze Leinwand sinkt zurück in das flache Leuchten einer einzigen Farbe.
Das war mehr oder weniger Van Goghs Ehrgeiz für die Sonnenblumen von Anfang an, eine Farbe so vollständig zu malen, dass sie sich wie Licht verhielt statt wie Pigment. Heute im Sompo Museum of Art gesehen, oder an einer Wand zu Hause, tut diese Wiederholung noch genau das, ein Bild, das sich beständig verändert, während alles in ihm vollkommen stillsteht.
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