Vase mit Iris: Geschichte, Bedeutung & Malweise
Vase with Irises wurde 1890 gemalt, in den letzten Tagen, die Vincent van Gogh in der Anstalt Saint-Paul-de-Mausole am Rand von Saint-Rémy-de-Provence verbrachte.
Eine letzte Woche in Saint-Rémy
Im Frühling 1890 hatte Van Gogh fast ein Jahr in der Anstalt verbracht, nachdem er sich dort nach der Krise in Arles, die ihn einen Teil eines Ohrs kostete, selbst eingewiesen hatte. In ihrem ummauerten Garten, unter ihren eigenen Iris und Platanen, hatte er bereits eine lange Reihe von Gemälden durchgearbeitet, von Zypressen und Olivenhainen bis zum wirbelnden Nachthimmel über den umliegenden Hügeln. Nun bereitete er sich auf den Abschied vor und traf Vorkehrungen, um nach Norden nach Auvers-sur-Oise zu reisen, näher an Paris und an seinen Bruder Theo.
In seinen letzten Tagen dort legte er die Landschaft beiseite und wandte sich etwas zu, das er drinnen malen konnte, in seinem eigenen Tempo: Schnittblumen, in einer Vase versammelt. Es war ein Motiv, das er schon früher verwendet hatte, nützlich gerade deshalb, weil es nichts vom Wetter oder von seinen Nerven verlangte, nur von seinem Auge für Farbe.
In dieser Woche arbeitete er an zwei Vasenarrangements mit Iris und zwei mit Rosen und malte sie in rascher Folge, fast als ein Set. ‘Es sind Blumenstudien’, schrieb er über sie, entstanden aus reiner Freude an der Farbe nach einem Jahr, das ihn hart geprüft hatte. Vase with Irises ist mit 73,5 mal 92 Zentimetern eines aus diesem Paar.
Ein Zweig Violet auf einem Feld aus Gelb
Das Gemälde ist aus fast nichts gebaut: eine schlichte irdene Vase, ein dichtes Bündel Iris, ein Tisch und eine Wand. Van Gogh gibt den Blumen die ganze Leinwand und lässt ihre gebogenen Stiele und geringelten Blütenblätter das Bild von Rand zu Rand füllen.
Die Iris ergießen sich ebenso nach außen und nach unten wie nach oben. Einige Blüten wenden sich dem Betrachter direkt zu, andere gleiten über den Rand der Vase und hängen zum Tisch darunter.
Lange, klingenartige Blätter durchschneiden den Strauß in blassem Grün, gerade dort, wo die Blumen selbst gefaltet und verknotet sind. Hinter und unter allem läuft ein einziges ungebrochenes Gelb, Wand und Tischplatte in nahezu demselben warmen Ocker gemalt, sodass die Vase beinahe frei von jedem Horizont zu schweben scheint.
Es gibt keinen anderen Gegenstand im Raum, den man ansehen könnte, kein Fenster, keine Uhr, keine zweite Vase. Die Blumen sind das ganze Ereignis, und das Auge hat keinen anderen Ort, wohin es gehen könnte.
Das Ziehen und Drücken der Komplementärfarbe
Van Gogh arbeitete hier nach einem Prinzip, das er genau studiert hatte: Violett und Gelb liegen einander auf dem Farbkreis gegenüber, und nebeneinandergesetzt treibt jede die andere zu ihrer intensivsten Höhe. Dasselbe Mittel hatte er zuvor mit dem Blau und Orange seiner Sonnenblumen und Stühle verwendet; hier ist es stattdessen Violett gegen Gelb, und die Wahl ist ebenso bewusst.
Aus der Nähe sind die Iris nicht ein Blau, sondern eine bewegte Spanne aus Ultramarin, Kobalt und Violett, einige Blütenblätter in ihrer Mitte fast ins Schwarze gezogen, andere am Rand ins Graublaue aufgehellt. Er zeichnete jede Blume mit einer dunklen, geringelten Konturlinie, nicht unähnlich den Bleilinien in Glasmalerei, und füllte dann die Form mit kurzen, dick beladenen Pinselstrichen.
Der gelbe Grund ist offener behandelt, in längeren Strichen, die an manchen Stellen die Webart der Leinwand durchscheinen lassen. Es ist eine schlichtere Fläche, gebaut, um das Auge auf den Blumen zu halten, statt mit ihnen zu wetteifern.
Die Farbe sitzt dick, wo die Iris in der Mitte des Straußes dicht gedrängt stehen, und dünnt zu den Rändern der Leinwand hin aus. Nichts ist hier geglättet: Die Pinselarbeit bleibt durchweg sichtbar, in der rauen Tonoberfläche der Vase, in den schnellen diagonalen Strichen der Blätter, in den kleinen Spritzern aus Weiß und blassem Blau, die den gewendeten Rand eines Blütenblatts einfangen.
An einer Wand, in wechselndem Licht
Vase with Irises wird vom Van Gogh Museum in Amsterdam bewahrt, und es ist ein Gemälde, das sich je nachdem, wo und wie es gesehen wird, anders verhält. In flachem Tageslicht liest sich das Gelb warm und gefasst; unter einer Lampe bei Nacht neigt es sich ins Gold, und die Violetttöne vertiefen sich, bis einige Blütenblätter fast schwarz wirken.
Mit einer schlichten Wand um sich herum hat das Gemälde Raum, das zu tun, wofür Van Gogh es gebaut hat: das Auge allein durch Farbe hineinzuziehen, ohne dass eine Anekdote nötig wäre und ohne dass etwas anderes im Bild mit der Vase wetteifert. Es belohnt eine Minute des Hinsehens statt eines flüchtigen Blicks, jener Art, die bemerkt, wie ein einziger beladener Strich für ein ganzes Blütenblatt stehen kann.
Es ist letztlich ein Bild, das schnell unter echtem Druck gemalt wurde, in den letzten Tagen eines langen Aufenthalts in einer Anstalt, von einem Mann, der im Begriff war, an einen anderen Ort und zu etwas ganz anderem weiterzuziehen. Diese Dringlichkeit hat mit der Zeit nicht nachgelassen. Wenn überhaupt, ziehen das Violett und das Gelb noch genauso hart gegeneinander wie in der Woche, in der sie gemalt wurden.
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