Vase with Red Poppies: Geschichte, Bedeutung & Pinselführung
Im Frühjahr 1886 verließ Vincent van Gogh Antwerpen in Richtung Paris und zog in die Wohnung seines Bruders Theo in der Rue Laval. Er war dreiunddreißig, seine Augen litten unter den Dämpfen des Antwerpener Hafens, und seine Palette lehnte sich noch immer an die Braun- und Grautöne der holländischen Kartoffelesser an, die er im Jahr zuvor gemalt hatte. Paris änderte das innerhalb von Monaten.
Er war gekommen, um im Atelier von Cormon zu studieren, aber was seine Malerei umformte, war nicht der Unterrichtsraum. Es waren die Schaufenster der Farbenhändler, die impressionistischen Leinwände, die er zum ersten Mal sah, und der pure Konkurrenzdruck einer Stadt, in der Maler, die er bewunderte, bereits mit reiner, ungemischter Farbe arbeiteten. Van Gogh brauchte Übung, und Blumen waren billige, geduldige Modelle, die keine Sitzungen berechneten.
In diesem ersten Pariser Jahr malte er einen Strauß nach dem anderen: Sonnenblumen, Rosen, Schachblumen und die hier versammelten roten Mohnblumen. Vase mit roten Mohnblumen, gemalt 1886 und heute in der Sammlung des Wadsworth Atheneum Museum of Art in Hartford, gehört zu dieser Reihe von Studien. Es ist eine Arbeitsleinwand, gemalt von einem Künstler, der sich selbst lehrte, Farbe zu sehen, statt sie zu beschreiben.
Ein Strauß bis an den Rand des Bildes gedrängt
Das Gemälde ist klein, nur 46,5 mal 56 Zentimeter, und die Blumen füllen fast alles davon. Eine blasse, leicht grünliche Vase sitzt tief in der Komposition, an ihrem Fuß fast vom Rand eines kahlen Holztisches abgeschnitten, während die Mohnblumen aufsteigen und sich ausbreiten, bis sie beinahe den oberen und beide seitlichen Ränder der Leinwand berühren.
Die Blüten selbst sind unregelmäßig und ein wenig mitgenommen, so wie geschnittene Mohnblumen tatsächlich in einem Krug sitzen, einen Tag nach dem Pflücken: einige Blütenblätter noch geschlossen, andere bereits aufgesprungen und zurückgerollt. Van Gogh hat sie nicht zu einem förmlichen Arrangement geordnet. Sie neigen sich in verschiedene Winkel, einige reichen über die Hauptmasse hinaus nach rechts, ein Kopf hängt tief über den Rand der Vase.
Durch das Rot zieht sich ein Schleier aus dünnen grünen Stängeln und ungeöffneten Knospen, Dutzende davon, einige mit kleinen rosa und weißen Blüten besetzt, die fast wie unbewegt gegen die schwereren Mohnköpfe wirken. Dieses Gewirr von Stielen leistet die meiste stille Arbeit im Bild, es füllt den Raum zwischen einer Blüte und der nächsten, damit das Rot nicht als isolierte Farbblöcke steht.
Wo das Rot auf das Blau trifft
Der Hintergrund ist ein dunkles, strichiges Violettblau, das sich auf der rechten Seite hinter der Vase weiter zu fast Schwarz vertieft. Gegen diesen Grund wirken die Mohnblumen wie reine Hitze, und die ganze Spannung des Gemäldes kommt aus dieser einen Beziehung: warmes Rot gegen kühles, verletztes Blau.
Es gibt keine andere Lichtquelle, die Erwähnung verdient, und keinen Versuch eines Fensters, einer Schattenlinie oder eines Requisits eines Tischstilllebens außer der Vase selbst. Das Auge trifft zuerst die Mohnblumen, sinkt dann zum blassen Zylinder der Vase, und bemerkt schließlich den schlichten braunen Tisch, auf dem sie steht, fast wie nachträglich in lockeren horizontalen Strichen gemalt.
Diese Zurückhaltung ist bezeichnend. Van Gogh malte noch nicht den dicken, seilartigen Farbauftrag seiner letzten Jahre. Hier ist die Farbe an manchen Stellen dünner aufgetragen, besonders im Hintergrund und auf dem Tisch, während die Dichte den Blütenköpfen selbst vorbehalten bleibt.
Wie die Farbe auf der Leinwand sitzt
Betrachtet man eine einzelne Mohnblume genau, wird der Aufbau klar: ein beladener Strich Zinnober oder Rotorange wird zuerst aufgetragen, dann werden dunklere Striche hineingezogen, solange die Farbe noch nass ist, um die schattierte Falte im Zentrum jeder Blüte anzudeuten. Die Blütenblätter sind aufgebaut, nicht umrissen.
Die Stängel und Knospen sind fast umgekehrt ausgeführt, in dünnen, trockenen, drahtigen Linien, die mit einem fast leeren Pinsel hingetupft sind. Dieser Kontrast zwischen den fetten, nassen Strichen der Blütenköpfe und der kratzigen, linearen Behandlung der Stiele verleiht dem Strauß das Gefühl einer lebendigen, leicht unordentlichen Masse statt eines Diagramms einer Pflanze.
Die Vase trägt ihre eigene kleine Passage des Experiments: Flecken grünen und rosa reflektierten Lichts, in den weißen Grund eingearbeitet, als hätte Van Gogh bereits die Idee erprobt, dass ein Schatten farbig sein könnte statt einfach nur abgedunkelt. Es ist ein bescheidenes Detail, leicht zu übersehen, aber es weist direkt auf die Farbtheorie hin, die er innerhalb des Jahres viel weiter treiben sollte.
Damit leben
In einem Raum mit Tageslicht hängend, ändert das Bild im Laufe des Tages seinen Charakter. In flachem Morgenlicht wirkt der blaue Grund ruhig und tritt zurück, lässt das Rot nach vorn und heiß sitzen. Später, in wärmerem künstlichem Licht, kann dasselbe Blau sich zu Schwarz vertiefen, und die Mohnblumen scheinen dagegen zu brennen, statt einfach nur mit ihm zu kontrastieren.
Es ist kein großes oder prächtiges Gemälde, und es verlangt auch nicht danach. Es verlangt, genau betrachtet zu werden, so wie Van Gogh selbst einen Krug mit Schnittblumen in einem gemieteten Pariser Zimmer genau betrachtete und herausfand, wie weit Farbe allein ein Bild tragen konnte, bevor er das Vertrauen hatte, ihr völlig zu vertrauen.
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