Weizenfeld hinter der Kapelle von Saint-Paul mit Schnitter: Die Geschichte
Im Mai 1889 ließ sich Vincent van Gogh in die Anstalt Saint-Paul-de-Mausole in Saint-Rémy-de-Provence einweisen. Die Ärzte gaben ihm ein kleines Zimmer und schließlich ein zweites, das er als Atelier nutzen konnte, dessen Fenster auf ein ummauertes Weizenfeld blickte, das von den niedrigen Hügeln der Alpilles eingefasst wurde. Er konnte das Gelände nicht ohne Weiteres verlassen, und so wurde dieses Feld ein ganzes landwirtschaftliches Jahr lang sein Motiv, beobachtet, neu gemalt und neu gesehen, während es sich von Grün zu Gold zu Stoppeln wandelte.
Das Weizenfeld hinter der Heilanstalt Saint Paul mit einem Schnitter, gemalt 1889, gehört zu dieser Reihe. Es ist eine Leinwand von 72,5 mal 59,5 Zentimetern, und sie wird heute vom Museum Folkwang verwahrt. Van Gogh kehrte in jenem Sommer immer wieder zu diesem selben eingefriedeten Grundstück zurück, und diese Version fängt es im Moment der Ernte ein, eine einzelne Figur, die sich ihren Weg durch stehendes Korn bahnt.
Eine Aussicht, errungen durch Eingeschlossensein
Die Mauer, die die Mitte der Leinwand durchquert, war real. Sie markierte den Rand des Anstaltsgeländes, und dahinter konnte Van Gogh die Dächer des Dorfes und die Bergwand der Alpilles sehen, aber nicht ohne Weiteres erreichen. Dieselbe eingeschränkte Aussicht so oft zu malen, war bei ihm kein Mangel an Vorstellungskraft. Es kam eher einer Disziplin nahe, einer Art zu prüfen, wie viel ein einzelnes Motiv fassen konnte.
Er hatte an seinen Bruder Theo über den Weizen und den Schnitter als ein Bild geschrieben, das irgendwo zwischen Arbeit und Sterblichkeit lag, ein Mann, der stetig durch eine Ernte arbeitet, die lose für eine menschliche Lebensspanne steht. Dieser Gedanke muss nicht in das Bild hineingelesen werden, um ihn zu spüren. Der Schnitter ist klein vor dem Feld, über seine Aufgabe gebeugt, und das Feld selbst scheint kein Ende zu haben.
Was die Leinwand tatsächlich zeigt
Tief in der Komposition, leicht links von der Mitte, arbeitet der Schnitter mit einer Sense, sein Strohhut und das helle Hemd fangen Licht vor dem umgebenden Gold. Eine Garbe geschnittenen Weizens erhebt sich neben ihm wie eine zweite, stillere Figur. Um ihn herum läuft das Korn in sich kringelnden, überlappenden Schwüngen, die fast zwei Drittel der Bildfläche füllen.
Die Steinmauer verläuft horizontal hinter dem Feld, und dahinter liegt ein Streifen Dorf, ein Haus mit rotem Dach, eine verstreute Gruppe von Bäumen, bevor das Land in die blaugraue Silhouette der Alpilles ansteigt. Ein einzelner hoher Strauch oder junger Baum steht oben links, seine Spitze bricht in den Himmel wie ein kleines Ausrufezeichen. Über allem hängt die Sonne, gemalt als flache blasse Scheibe mit weißem Ring, weder genau Morgen noch Mittag, eher eine ständige Gegenwart als eine bestimmte Stunde.
Der Blick landet zuerst auf jenem goldenen Feld, wird dann nach unten und nach links zum Schnitter gezogen, dem einen bewegten Ding in einer ansonsten stillen Landschaft. Alles andere, die Mauer, das Dorf, die Hügel, bleibt still um ihn herum, sodass das ganze Gemälde als eine einzelne Figur gelesen wird, mitten in der Bewegung eingefangen in einer Landschaft, die bereits festgelegt ist.
Wie sich die Farbe selbst bewegt
Van Gogh baute den Weizen aus kurzen, beharrlichen Strichen in Gelb, Ocker und Spuren von Weiß auf, in Richtungen gelegt, die der Neigung des Korns folgen, statt einer flachen, gleichmäßigen Füllung. Aus der Nähe ist das Feld eine Masse einzelner Spuren. Aus der Entfernung lösen sich diese Spuren in Wogen und Schatten auf, sodass das Feld sich zu bewegen scheint, als ziehe ein Wind hindurch.
Der Himmel ist mit derselben rastlosen Schraffur behandelt, aber in kühleren Tönen, Oliv und blasses Grün, durchzogen von hellem Blau, wobei der Pinsel in langen diagonalen Strichen läuft, die von der Sonne aus nach außen zu strahlen scheinen. Dieser grüne Himmel steht in direkter Spannung zu dem gelben Feld darunter, eine ungewöhnliche Paarung, die der ganzen Leinwand eine leicht aufgeladene, beunruhigte Luft gibt, obwohl sich in der Szene nichts schnell bewegt.
Die Berge sind ruhiger gemalt, in flacheren Ebenen aus Blau, und die Mauer in Grau und blassen Steintönen, sodass das Bild kühler und stiller wird, je weiter es sich zurückzieht. Je näher die Farbe an den Schnitter und sein Feld kommt, desto erregter und dicker wird sie, als stünde die Intensität des Farbauftrags selbst für die Hitze und die Mühe der Ernte.
Mit diesem Feld leben
In einem Raum gehängt, der echtes Tageslicht bekommt, verändert sich dieses Gemälde ständig. Morgenlicht neigt dazu, den Kontrast zwischen dem kühlen grünen Himmel und dem heißen goldenen Feld zu schärfen, während Abendlicht diese Kante mildert und die ganze Oberfläche gleichmäßiger leuchten lässt, näher an der Art, wie die Szene von Van Goghs eigenem Fenster zu einer bestimmten Stunde ausgesehen haben muss.
Es lohnt sich, zweimal angesehen zu werden, einmal von der anderen Seite des Raumes, wo das Feld als ein einziger Schwung Gold und der Schnitter als kleiner dunkler Akzent darin gelesen wird, und einmal aus der Nähe, wo die einzelnen Striche sich voneinander trennen und die Arbeit der Farbe ebenso sichtbar wird wie die Arbeit des Mannes, den sie darstellt. Wenige Landschaften bitten so deutlich darum, aus beiden Entfernungen zugleich gelesen zu werden.
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