Zwei Kinder: Geschichte, Bedeutung & Malweise
Eine Familie in den letzten Wochen in Auvers
Im Mai 1890 kam Vincent van Gogh nach Auvers-sur-Oise, einem Dorf an der Oise, das mit dem Zug von Paris aus leicht zu erreichen war. Er hatte die Anstalt in Saint-Rémy verlassen in der Hoffnung auf ein ruhigeres, geselligeres Leben, und er fand Unterkunft über einem Café, das von der Familie Ravoux geführt wurde. Doktor Paul Gachet, ein Amateurmaler und Sammler, wachte über seine Gesundheit und wurde einer seiner letzten engen Bekannten.
Das Arbeitstempo in jenen Wochen war außergewöhnlich. Van Gogh malte fast jeden Tag, vollendete oft eine Leinwand innerhalb von Stunden und wandte sich allem zu, was gerade in Reichweite war: den Weizenfeldern hinter dem Dorf, der Kirche, den strohgedeckten Häusern und den Menschen, die unter ihnen lebten. Kinder gehörten zu seinen bereitwilligsten Modellen, geduldiger als viele der Erwachsenen von Auvers, die gegenüber dem Ruf des Künstlers misstrauisch blieben.
Zwei Kinder gehört zu dieser letzten, drängenden Arbeitsphase. Gemalt 1890, in denselben Wochen, in denen einige seiner bekanntesten späten Leinwände entstanden, zeigt es zwei junge Dorfkinder, die eng beieinander posieren, von der Brust aufwärts gesehen vor einer locker gemalten Außenkulisse.
Zwei Gesichter, nah beieinander
Das Gemälde rückt seine Motive direkt an die Bildfläche. Zwei Kinder, gleich gekleidet in blauen Kitteln und weißen Hauben, sitzen Schulter an Schulter, so nah, dass ihre Hauben sich fast berühren. Ihre runden, sonnenbeschienenen Gesichter beherrschen die obere Hälfte der Leinwand.
Das Kind auf der linken Seite blickt mit einem leisen, verschlossenen Lächeln heraus, rotgoldenes Haar entweicht unter der Haube hervor. Das Kind auf der rechten Seite, leicht abgewandt, hat einen ernsteren Mund, mit zusammengezogenen Augenbrauen über einem direkten Blick. Zwischen ihnen wird eine kleine blasse Blume an einem sich windenden grünen Stiel tief gehalten, ihre Blütenblätter kaum mehr als ein paar Striche weißer und gelber Farbe.
Hinter den beiden Köpfen skizziert van Gogh ein Fragment des Dorfes: ein niedriges Haus mit blau verschlossenen Fenstern zur Linken, Flecken einer Mauer oder eines Daches in Blau zur Rechten, und um alles herum das lockere Grün und Gold eines Gartens oder Feldes, in ein paar schnellen Pinselstrichen eingefangen.
Farbe bis an die Grenze getrieben
Die Palette ist hell und bewusst schmal. Dottergelb füllt die Gesichter und vieles vom Untergrund, direkt gegen Kobalt- und Ultramarinblau in den Kitteln und den Splittern von Himmel und Gebäude dahinter gesetzt. Grün zieht sich in langen, sich windenden Strichen durch den Hintergrund und steht für Gras, Hecke und Baum in einem einzigen Farbzug.
Es gibt fast keinen Versuch der Abmilderung, wie sie ein akademischer Porträtmaler verwendet hätte. Schatten auf den Wangen sind mit Orange und Rot angelegt statt mit Grau, und die Weiß der Hauben tragen Streifen von Blau und Grün, die aus ihrer Umgebung aufgenommen sind. Das Ergebnis ist ein Bild, das selbst in der Reproduktion hell und leicht fiebrig wirkt, wobei die Farbe die Arbeit tut, die normalerweise die Modellierung übernimmt.
Umriss als Struktur
Was diese Intensität der Farbe zusammenhält, ist die Linie. Jede Kante im Bild, der Rand einer Haube, der Kragen eines Kittels, die Kurve einer Wange, ist mit einem schweren, ununterbrochenen Band dunkler Farbe umzogen, näher an der Bleiverglasung eines Kirchenfensters als an konventioneller Porträtzeichnung. Van Gogh hatte mit dieser Art eingefasster, flacher Farbe schon früher experimentiert, und in Auvers nutzte er sie, um zu verhindern, dass seine schnellste, lockerste Pinselarbeit sich in reine Textur auflöste.
Innerhalb dieser Umrisse ist die Farbe selbst alles andere als flach. Die Kittel sind aus kurzen, wiederholten Strichen aufgebaut, einige gerade nach unten gezogen, einige mit der Falte des Stoffes gebogen, dick genug aufgetragen, dass die Farbgrate noch heute streifendes Licht auf der Leinwand einfangen. Die Gesichter sind ruhiger, in glatteren Flecken von Gelb und Orange angelegt, sodass das Auge zuerst dort zur Ruhe kommt, bevor es die unruhige Pinselarbeit der Kleidung und des Hintergrunds aufnimmt.
Die ganze Leinwand misst 51 auf 51,2 Zentimeter, fast quadratisch, ein Format, das zu dieser Komposition zweier nebeneinander gesetzter Köpfe passt statt zu einer einzelnen Figur, die lose in einer Landschaft steht.
An einer Wand, in wechselndem Licht
Dort aufgehängt, wo Tageslicht es erreicht, verändert sich Zwei Kinder im Laufe des Tages. Morgenlicht hebt die Impasto-Grate in den blauen Kitteln hervor und wirft kleine Schatten entlang jeder dunklen Konturlinie. Abends, unter einer Lampe, treten die Gelb- und Orangetöne der Gesichter hervor und das Bild wirkt wärmer, näher am Kerzenlicht als am Tageslicht.
Es ist kein großes Bild, und es wurde nicht als öffentliche Aussage gemalt; es gehört zu derselben privaten, arbeitenden Aufmerksamkeit, die van Gogh jenen Sommer einem Garten oder einem Stück Weizen widmete. Aus der Nähe betrachtet, in einem Zimmer statt über eine Galerie hinweg, ist genau diese Intimität der Punkt: zwei Kinder, kurz still, hart angesehen und schnell gemalt.
Das Original hängt heute im Musée d’Orsay in Paris, unter den anderen Gemälden aus van Goghs Auvers-Periode, ein Zeugnis davon, wie viel er in den zehn Wochen, die ihm blieben, sah und festhielt.
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