Autoritratto come pittore: storia, significato e tecnica pittorica
Un pittore appena arrivato a Parigi
Nei primi mesi del 1886, Vincent van Gogh scese da un treno proveniente da Anversa e si trasferì dal fratello Theo a Parigi. Aveva abbandonato gli studi all’Accademia di Anversa dopo appena qualche settimana, riluttante a farsi correggere da insegnanti che volevano che disegnasse come tutti gli altri. Parigi doveva essere un nuovo inizio, vicino al mercante d’arte che lo manteneva e alle gallerie che stavano riscrivendo ciò che la pittura poteva sembrare.
Arrivò portando con sé anni di lavoro realizzato nella luce piatta e bruna della campagna olandese, immagini di tessitori e raccoglitori di patate costruite con pigmenti terrosi e ombra. Ora attorno a lui c’erano tele di Monet, Pissarro e dei più giovani impressionisti, piene di colore spezzato e aria aperta. Non aveva ancora toccato quella tavolozza lui stesso. Questo ritratto, dipinto nel 1886 e misurante un modesto 38,5 per 46,5 centimetri, fu realizzato nel divario tra i due.
Un volto tenuto vicino alla tela
Van Gogh dipinge se stesso premuto vicino al suo cavalletto, abbastanza vicino che il suo puntello di legno taglia l’angolo inferiore destro del quadro. Indossa un cappello scuro di feltro calato basso sulla fronte, la cui tesa getta un’ombra morbida sui suoi occhi. Sotto di esso il suo volto è l’unica nota pallida e calda dell’intera composizione, costruita in ocra e rosa contro il buio circostante.
Il suo sguardo incontra direttamente lo spettatore, né posato né recitato. Non c’è nulla dell’intensità teatrale dei suoi successivi autoritratti di Saint-Remy qui. Questo è un pittore al lavoro colto a metà pensiero, barba rossastra e trascurata, colletto alzato contro un freddo che sembra appartenere alla stanza tanto quanto alla stagione.
Un cappotto verdastro e nero gli copre le spalle, le sue pieghe rilevate con tratti lunghi e sciolti piuttosto che con una modellatura accurata. Una sciarpa o colletto di verde più profondo gli ricade alla gola, riecheggiando l’oliva torbido della parete dietro di lui. Nulla nell’abbigliamento o nell’ambientazione chiede di essere guardato. Tutto dirige l’occhio verso il volto e, appena sotto di esso, verso le sue mani.
L’unico colore nella stanza
Guarda in basso e il quadro cambia completamente registro. Nell’angolo inferiore sinistro, su un tavolo affollato di strumenti, Van Gogh ha deposto un piccolo mucchio di colore: tocchi di rosso, verde, ocra e bianco gessoso, spremuti direttamente dal tubetto o raschiati freschi sul legno. È l’unico passaggio di colore senza veli in una tela altrimenti cupa.
Quel contrasto è il quieto argomento dell’intero quadro. Tutto ciò che circonda il pittore, il suo cappotto, il suo cappello, la parete, il cavalletto, è dipinto nei bruni e nei verdi tonali e strettamente accordati che aveva imparato nei Paesi Bassi. Solo la tavolozza stessa ammette ciò che stava arrivando: pigmento puro, steso quasi con noncuranza, in attesa di essere raccolto.
Si legge meno come decorazione che come prova. Ecco il materiale con cui un pittore lavora realmente, contrapposto al mondo smorzato in cui egli stava ancora, a quel punto, scegliendo di dipingere. I tocchi di rosso e verde sono piccoli, ma sono la cosa più rumorosa del quadro.
Una pennellata ancora radicata a Nuenen
La stesura del colore è ovunque spessa e indagatrice piuttosto che liscia. Van Gogh costruisce il cappotto e lo sfondo con tratti visibili e trascinati, lasciando che i rilievi di pigmento catturino la luce in modo irregolare sulla superficie. La parete dietro di lui non è un campo piatto ma un verde lavorato e scumbled, pennellato in passate sovrapposte che mantengono la superficie irrequieta anche dove il colore cambia appena.
Questa è ancora riconoscibilmente la tecnica dei suoi anni di Nuenen, quando modellava la forma attraverso il tono piuttosto che attraverso tratti separati di tinta contrastante. Il volto è l’eccezione, costruito con cura leggermente maggiore e in una tonalità più calda, come se si fosse concesso più attenzione lì che in qualsiasi altro punto della tela. Anche così, nulla nel quadro assomiglia ancora al tocco spezzato e prismatico che avrebbe adottato entro pochi mesi dall’insediarsi in città.
Quel divario tra metodo e ambientazione è ciò che rende il ritratto degno di una pausa. Non è un dipinto sull’Impressionismo, e non è nemmeno un dipinto ancora pienamente dentro la tradizione olandese. Si colloca esattamente alla data che porta, un solo anno, il 1886, colto tra due modi di vedere.
Cosa fa su una parete
Appeso in una stanza, questo non è un quadro che si annuncia da un capo all’altro di una porta. I suoi colori restano bassi e vicini tra loro, i verdi scivolano nei neri, i bruni in bruni più profondi, così che da lontano può leggersi quasi come un’unica forma scura con un volto pallido sospeso dentro. Solo avvicinandosi la stanza si risolve: il cavalletto, le spalle curve, la piccola ferita luminosa di colore sulla tavolozza.
La luce del mattino tira fuori il calore del volto e il rosso tenue della barba, ammorbidendo il buio circostante in qualcosa più vicino al verde che al nero. Alla luce di una lampada la sera i valori tonali collassano ancora di più, e gli occhi del pittore diventano l’unico punto in cui il quadro ti trattiene. Ripaga l’essere vissuto più che guardato di sfuggita, una tela che serba un po’ di sé per il primo sguardo.
L’originale è appeso oggi al Van Gogh Museum di Amsterdam, dove è catalogato tra le prime opere parigine dell’artista. Visto lì o riprodotto a casa, rimane un piccolo quadro deliberatamente poco glamour di un uomo che decide, in tempo reale e davanti al proprio cavalletto, che tipo di pittore stava per diventare.
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