Autoritratto con Cappello di Paglia e Pipa: La Storia
Nella primavera del 1887 Vincent van Gogh viveva a Parigi da oltre un anno, condividendo un appartamento con il fratello Theo in Rue Lepic a Montmartre. Era arrivato da Anversa dipingendo con la tavolozza scura e terrosa della tradizione olandese; nel giro di pochi mesi lavorava accanto ad artisti assorbiti dall’Impressionismo e dagli esperimenti pointillisti di Georges Seurat e Paul Signac. Autoritratto con cappello di paglia e pipa, dipinto quell’anno e misura 31,5 per 41,5 centimetri, è una delle testimonianze più chiare di quel cambiamento che prendeva piede.
Dipingere se stesso per risparmiare
Van Gogh non poteva permettersi di pagare modelli professionisti con regolarità, così trasformò lo specchio nel modello più affidabile del suo studio. Nei suoi due anni a Parigi dipinse se stesso più di venti volte, usando ogni tela come un luogo per testare colore, pennellata e umore senza il costo o la complicazione di assumere uno sconosciuto perché stesse fermo.
Il cappello di paglia che indossa qui non era un accessorio da studio ma un capo del suo stesso guardaroba, il tipo di cappello che un lavoratore o un contadino avrebbe indossato contro il sole. Abbinato a un elegante cappotto blu e a una pipa stretta tra i denti, si presenta a metà strada tra il pittore rurale che era stato a Nuenen e il moderno urbano che stava diventando a Parigi.
Il volto sotto il cappello di paglia
Il cappello occupa gran parte della metà superiore della tela, la sua tesa costruita con brevi pennellate asciutte di giallo pallido e crema che catturano la poca luce presente. Sotto di esso, il volto di van Gogh si volta leggermente da un lato mentre i suoi occhi azzurri pallidi guardano dritto verso lo spettatore, dando al ritratto una franchezza che confina con la sfida.
La barba e i baffi sono stesi in ocra e ruggine, percorsi da pennellate di rosa e bianco che seguono la crescita del pelo invece di levigarlo in una massa piatta. Una pipa di argilla pallida riposa tra le sue labbra, il suo cannello taglia una diagonale chiara attraverso la metà inferiore del viso, la piccola camera scura che pende appena sotto il mento.
Le sue spalle sono avvolte in un cappotto ampio, costruito con lunghe pennellate spezzate di cobalto e ardesia che si scuriscono fino a diventare quasi nere sul colletto. Dietro di lui lo sfondo non offre alcun paesaggio o mobile, solo un campo cangiante di blu-bruno scuro e tocchi di verde-nero che non gli danno spazio per stare in piedi oltre la tela stessa.
Colore estratto da un fondo scuro
Ciò che fa funzionare il quadro è il contrasto che van Gogh costruisce tra quello sfondo quasi nero e il giallo pallido del cappello, un accostamento di opposti che aveva studiato nella teoria del colore che circolava tra i suoi amici parigini. Invece di mescolare il colore uniformemente, lo stende in pennellate separate e visibili, lasciando che il giallo stia accanto al verde e il blu accanto al marrone, così la superficie non si assesta mai del tutto.
Questo non è il colore carico e scultoreo della sua successiva opera di Arles, ma qualcosa di più esplorativo, una tela dove si può osservare come testa fino a che punto può spingere il colore prima che la somiglianza si dissolva. La pelle del suo viso porta tocchi di verde e viola nelle ombre, un’osservazione presa in prestito dagli Impressionisti piuttosto che da qualsiasi maestro olandese.
Guardando attentamente la trama della tela sotto il colore si può vedere quanto sottilmente siano stesi alcuni passaggi, con il fondo che traspare in alcuni punti. È un metodo di lavoro, non una performance finita, il resoconto di un pittore che si insegna una nuova lingua pennellata dopo pennellata.
Una piccola tela per uno sguardo lungo
Con appena 31,5 per 41,5 centimetri, il dipinto è abbastanza piccolo da essere stato su un cavalletto in una angusta stanza di Montmartre, e quella intimità non l’ha mai abbandonato. Appeso all’altezza degli occhi in uno studio o in un corridoio, chiede di essere letto da vicino, più o meno alla stessa distanza alla quale van Gogh stesso avrebbe controllato il suo riflesso mentre lo dipingeva.
Alla luce del giorno il giallo del cappello si fa avanti e il cappotto recede nel fondo scuro dietro di esso, così il viso sembra librarsi. Sotto la luce di una lampada la sera quel contrasto si addolcisce, lo sfondo perde i suoi ultimi blu e l’intero quadro appare più caldo, più vicino all’ocra e al marrone della sua precedente opera olandese.
L’originale è appeso oggi al Van Gogh Museum di Amsterdam, accanto a molti degli altri autoritratti di questi anni parigini, dove si legge come un fotogramma in una sequenza molto più lunga di autoesame. Visto da solo, lontano da quella sequenza, regge ancora come un singolo, nitido atto di osservazione: il resoconto che un uomo fa del proprio volto, raggiunto una pennellata alla volta.
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