Autoritratto con pipa e cappello di paglia: la storia
Nella primavera del 1887, Vincent van Gogh viveva a Parigi da oltre un anno e stava esaurendo i modelli che poteva permettersi. Suo fratello Theo mandava avanti la casa con il modesto reddito di un mercante d’arte, e i modelli costavano denaro che Vincent non poteva permettersi. Così girò lo specchio verso se stesso, ancora e ancora, usando il proprio volto per elaborare tutto ciò che stava imparando dai pittori che lo circondavano. Questa piccola tela, trenta per quarantadue centimetri, è uno dei risultati di quell’apprendistato autoimposto.
Un volto usato come laboratorio
Van Gogh era arrivato a Parigi dipingendo ancora nella maniera scura e terrosa di Nuenen e Anversa. Nel giro di pochi mesi stava studiando con attenzione l’Impressionismo, il colore frammentato di Pissarro e Signac, i piani piatti e i contorni audaci che venivano dalle stampe giapponesi, che venivano commerciate e collezionate in tutta la città.
Non poteva permettersi di assumere i modelli di cui aveva bisogno per sperimentare adeguatamente queste idee, così posò per se stesso. In circa due anni a Parigi dipinse più di venti autoritratti, ognuno un test diverso di colore, pennellata o umore, e questo è tra i più diretti del gruppo.
Il cappello di paglia non è un oggetto di scena scelto per l’effetto. Era il copricapo ordinario del contadino, lo stesso che aveva indossato e dipinto sui contadini in Brabante, e qui siede in modo strano, quasi sprezzante, su un volto che per il resto è tutto Parigi: vigile, attento, lavorato nel colore più che nell’ombra.
Cosa contiene davvero la tela
Il cappello riempie quasi tutta la metà superiore del quadro, con la tesa larga inclinata verso il basso ad angolo, così che metà del volto cade nella sua ombra. Van Gogh lo ha costruito con lunghi tratti raggianti di giallo e ocra, con un grigio-blu più freddo inserito nella trama dove la paglia cattura l’ombra, così che il cappello appaia intrecciato e tridimensionale anziché piatto.
Sotto di esso, il volto si gira leggermente lontano dallo spettatore mentre gli occhi restano fissi su di lui, una piccola tensione che dà al ritratto la sua vigilanza. La pelle non è dipinta come di solito si dipinge la pelle: il verde corre lungo lo zigomo e attorno all’orbita dell’occhio, il rosa ravviva il naso, e ocra e bianco stanno fianco a fianco in tocchi brevi e separati anziché in toni fusi.
Una pipa rossastra è stretta tra i denti nella barba, il suo cannello si protende verso destra della tela e rompe la simmetria della composizione. La barba stessa è un intrico di tratti rapidi, rosso e marrone attraversati da bianco e nero, costruita con la stessa economia di mezzi del cappello sopra di essa.
Le spalle cadono in tratti sciolti e graffiati di blu-verde, una giacca o camice resa quasi come un campo di tratteggio anziché come un indumento descritto. Dietro la figura lo sfondo è lasciato sottile e pallido, un bianco sporco caldo lavorato con deboli tratti diagonali che lasciano trasparire la trama della tela, più schizzo che ambientazione finita.
Il colore che fa il lavoro della luce
Qui nulla è modellato con la luce e l’ombra tradizionali. Al contrario Van Gogh mette colore contro colore: l’oro del cappello contro il fondo pallido, il verde della guancia in ombra contro l’ocra caldo del lato illuminato, il blu-verde della giacca contro l’arancio della barba.
Questa è la lezione che aveva assorbito dai Neo-Impressionisti quella primavera, che un volto poteva essere costruito da tocchi complementari posti fianco a fianco anziché levigati in un unico tono di carnagione. Non adottò mai il loro metodo puntinista rigoroso in blocco, ma l’abitudine di lasciare che piccoli tratti di colore contrastante facessero il modellato rimase con lui per il resto della sua vita.
Il risultato è un volto che sembra vibrare leggermente anche nell’immobilità, tenuto insieme meno dall’anatomia che dall’equilibrio di macchie calde e fredde su di esso. È un quadro dall’aspetto incompiuto in alcuni punti, e quella ruvidezza è parte di ciò che lo fa sembrare un documento di lavoro anziché una somiglianza formale.
Una piccola tela che tiene la sua posizione
Di trenta per quarantadue centimetri, questo è un oggetto modesto, più vicino a uno studio che a un grande ritratto, e quella scala si adatta a ciò che è: un esercizio privato, dipinto rapidamente, non una dichiarazione commissionata. Visto da vicino, nel tipo di luce che uno studio o un corridoio gli dà, i singoli tratti si separano, oro accanto a grigio, verde accanto a rosa, e il quadro diventa quasi astratto.
Fate un passo indietro, o lasciate che la luce in una stanza si sposti verso sera, e quegli stessi tratti si risolvono di nuovo in un volto, uno che incontra il vostro sguardo da sotto la tesa di un cappello con una directness che pochi ritratti formali riescono a raggiungere. L’originale è appeso oggi allo Stedelijk Museum Amsterdam, dove si erge come una delle voci più semplici e più indagatrici nella lunga serie di autoritratti parigini di Van Gogh, meno sulla vanità che su un pittore che insegna a se stesso a vedere nel colore.
Altro da questa collezione
Porta questo quadro nella tua casa
Scegli una riproduzione a olio dipinta a mano per un vero lavoro a pennello, o una stampa artistica su tela per un'edizione fedele all'immagine del museo. Ogni dimensione conserva le proporzioni dell'originale.
Vedi quest'opera e le sue opzioni
Per approfondire
Verifica l'originale al Stedelijk Museum Amsterdam scheda della collezione e continua con le opere associate dal catalogo.