Autoritratto con pipa: storia, significato e tecnica pittorica
Arrivo a Parigi
Vincent van Gogh raggiunse Parigi nel marzo 1886, trasferendosi nell’appartamento di suo fratello Theo quasi senza preavviso. Aveva trentatré anni, in gran parte autodidatta, e aveva trascorso gli anni precedenti dipingendo tessitori e mangiatori di patate nella luce piatta e bruna di Nuenen. Parigi era un clima del tutto diverso, denso delle dispute dei pittori impressionisti e neoimpressionisti di cui aveva solo letto nelle lettere.
Non arrivò padroneggiando la nuova lingua visiva che lo circondava. Questo autoritratto, dipinto nel 1886, appartiene ai suoi primi mesi in città, prima che il colore spezzato e la pennellata accelerata delle sue successive tele parigine prendessero il sopravvento. La tavolozza è ancora in gran parte quella che aveva portato con sé dai Paesi Bassi.
Un volto mezzo in ombra
Il dipinto è piccolo, appena 38 per 46 centimetri, e chiede di essere guardato da vicino. Van Gogh si presenta dal petto in su, indossando un cappotto scuro con un colletto chiaro e una cravatta appena visibile sotto la barba. Una pipa di argilla è stretta tra i denti, il cannello inclinato verso il basso, un filo di colore che sale dal fornello.
La luce cade dall’alto a sinistra, cogliendo la sommità del capo e il lato sinistro del viso mentre il lato destro affonda in un’ombra calda e rossastra. I capelli e la barba sono di un rosso rame, dipinti con tratti brevi e asciutti che catturano la luce in modo diverso dalla modellatura più levigata della pelle. I suoi occhi non incontrano direttamente lo spettatore; sono rivolti leggermente di lato, vigili piuttosto che provocatori.
Dietro di lui il fondo è un rosso-bruno scuro e maculato, steso a velature e lavorato con segni di pennello visibili anziché steso piatto. Non dà alcun senso di una stanza o di una finestra, solo una atmosfera superficiale e ravvicinata che preme intorno al soggetto. Contro quella oscurità la fronte pallida diventa l’unica nota più luminosa del dipinto, il punto su cui l’occhio ritorna per primo.
Posare per se stesso
Van Gogh non poteva permettersi modelli professionisti con regolarità, e a Parigi si rivolse all’unico volto che non gli costava nulla: il proprio. Nei suoi due anni in città dipinse se stesso più di venti volte, usando un piccolo specchio appoggiato nella sua stanza.
Ogni tentativo gli permetteva di sperimentare qualcosa senza dover negoziare il compenso per una posa o la pazienza di uno sconosciuto. Un autoritratto poteva essere iniziato e abbandonato in un pomeriggio, poi ripreso il giorno dopo con la pittura ancora lavorabile. Quella ripetizione divenne, di fatto, il suo apprendistato privato nella nuova pittura che incontrava alle mostre e negli studi degli artisti intorno a Montmartre.
Confrontato con gli autoritratti che dipinse solo un anno o due dopo, con i loro tratti spezzati di colore e la luminosità quasi scioccante, questo appare reticente. La pipa e lo sguardo livellato appartengono a un uomo che si presenta ancora in qualcosa di vicino alla sua vecchia maniera olandese, anche mentre la città intorno a lui attirava il suo sguardo altrove.
Una mano ancora fedele a Nuenen
La pennellata qui è ferma e costruita a chiazze rather than i tratti rapidi e direzionali che presto avrebbero definito il suo stile maturo. Sulla fronte e sulla guancia la pittura è sfumata con una certa cura, modellando l’osso sotto la pelle in grigi, ocra e tocchi di verde. La barba e i capelli sono trattati più liberamente, con segni brevi ed elastici che suggeriscono la texture senza descrivere ogni singolo filo.
Il cappotto e lo sfondo sono dipinti ancora più liberamente, quasi come contraltare alla trattazione più serrata del volto. Van Gogh voleva chiaramente che l’attenzione si posasse sulla testa, e usò sia la luce sia la pennellata per assicurarsene. C’è poco dell’impasto che in seguito avrebbe accumulato sulla tela; la superficie resta relativamente contenuta in tutto il dipinto.
Ciò che rende l’opera degna di una sosta è esattamente questa tensione tra una mano vecchia e attenta e un nuovo insieme di idee che preme ai suoi margini. Nulla qui è appariscente, ma la scelta di dipingere il proprio volto non protetto e stanco, anziché uno lusinghiero o composto, porta già quell’onestà che avrebbe segnato i suoi autoritratti successivi.
Dove si trova ora
Il dipinto è conservato nel Van Gogh Museum di Amsterdam, parte di una collezione che traccia il suo sviluppo anno per anno. Collocato tra le sue altre tele parigine del 1886, si legge chiaramente come un punto di cerniera, il momento prima che il suo colore si aprisse.
Su una parete di una casa, lontano da quella sequenza, si comporta diversamente. In luce bassa i bruni e i quasi-neri del cappotto e dello sfondo si ritirano quasi del tutto, lasciando il lato illuminato del volto sospeso da solo. Sotto una lampada più forte o alla luce del giorno, i sottotoni rossastri nell’ombra e il rosso rame della barba emergono, e il dipinto si scalda considerevolmente.
Ricompensa il tipo di sguardo che Van Gogh stesso rivolgeva allo specchio: lento, ravvicinato e ripetuto. Un ritratto così silenzioso non si annuncia attraverso una stanza, ma trattiene l’attenzione una volta trovato, nel modo in cui un volto intravisto inaspettatamente in un corridoio in penombra trattiene l’attenzione.
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