Cipressi con due figure: storia, significato e pennellate
Nel maggio 1889 Vincent van Gogh si fece ricoverare nell’ospedale psichiatrico di Saint-Paul-de-Mausole, ai margini di Saint-Rémy-de-Provence. All’interno del suo giardino murato, e nei campi e nei sentieri oltre esso, una forma continuava a riportare il suo sguardo su di sé: il cipresso, scuro ed eretto contro il cielo provenzale.
Aveva già dipinto cipressi quel giugno e sentiva di non averli resi bene. Scrivendo a suo fratello Theo, definì l’albero ‘bello di linea e proporzione quanto un obelisco egizio’, e si mise a padroneggiarlo come aveva fatto un tempo con il girasole, finché il soggetto non fu suo.
Cipressi con due figure, dipinto nel 1889, fu un secondo tentativo, più meditato, dello stesso motivo. Mentre le sue precedenti vedute di cipressi erano dipinte direttamente dal vero, questa è generalmente intesa come una rielaborazione in studio, costruita a partire da uno studio esistente anziché realizzata sul posto. È oggi conservato nel Kröller-Müller Museum, uno dei più grandi depositi della sua opera ovunque nel mondo.
Un secondo tentativo con il cipresso
Quando tornò al soggetto, Van Gogh aveva passato mesi dentro le mura dell’ospedale psichiatrico, dipingendo più e più volte lo stesso limitato tratto di giardino, campo di grano e pendio. Il cipresso gli offriva qualcosa che i reparti non potevano: una forma abbastanza alta da riempire una tela da bordo a bordo, e abbastanza selvaggia nel suo profilo da assorbire qualsiasi energia gli restasse da darle.
Voleva che l’albero portasse nella sua opera lo stesso peso che aveva avuto il girasole. Quell’ambizione si vede in quanto spazio gli è dato qui: gli alberi non sono uno sfondo di un paesaggio ma l’intero soggetto del paesaggio, con tutto il resto, cielo, campo, figure, disposto intorno a loro.
Due camminatrici sotto una fiamma verde
Due cipressi salgono per tutta l’altezza della tela, misurata 73 per 92 centimetri, la loro massa scura e tortuosa posta contro un cielo rotto in nastri sinuosi di bianco e turchese pallido. Van Gogh non diede agli alberi un unico profilo netto; ciascuno è costruito da brevi pennellate che spingono verso l’alto e di lato nello stesso momento, così la massa si legge come qualcosa ancora in movimento anziché fogliame fisso sul posto.
Ai piedi degli alberi, piccole rispetto alla loro scala, due donne in abiti chiari camminano insieme, viste di spalle e già per metà inghiottite dal sottobosco. Non alzano lo sguardo verso i cipressi né l’una verso l’altra. Il quadro non afferma nulla su chi siano; si limita a lasciarle passare.
A sinistra, un tratto di grano giallo corre verso una bassa fattoria e una linea di colline blu. A destra, covoni dorati e una massa di fogliame giallo chiudono la composizione. Sotto i piedi, un letto di fiori rossi, rosa e bianchi è steso in brevi tocchi di colore, che riecheggiano lo stesso ritmo irrequieto delle nuvole sopra.
Pittura trattata come il tempo
Van Gogh lavorò il colore rapidamente e bagnato, trascinando il pennello in brevi archi che cambiano direzione pennellata dopo pennellata. Lo stesso movimento sinuoso che usò per le nuvole riappare negli aghi dei cipressi e nei fiori sotto i piedi, così l’intera tela pulsa a un solo ritmo anziché a diversi.
Il verde degli alberi non è un colore unico. Passa attraverso il quasi nero, l’oliva e un tono acido brillante ovunque un ramo catturi la luce, costruito in passaggi sovrapposti anziché mescolato liscio sulla tavolozza. Contro quella densità, il cielo è trattato più liberamente, in pennellate più lunghe e ampie di bianco e blu-verde che si leggono come vento che attraversa le nuvole.
Il colore, più della linea, porta la carica del quadro. I blu e i bianchi freddi del cielo sono posti contro i rossi e i gialli caldi dell’aiuola e del campo di grano, così l’occhio continua a viaggiare tra le due temperature invece di posarsi sull’una o sull’altra.
In una stanza, mentre la luce cambia
Appeso in un luogo che riceve qualsiasi luce del giorno, il dipinto cambia nel corso della giornata. La luce del mattino mette in evidenza gli abiti chiari delle due camminatrici e i riccioli bianchi nel cielo; verso sera i verdi si approfondiscono e gli alberi si leggono quasi come un’unica sagoma scura contro un blu che sbiadisce.
Visto dall’altra parte di una stanza, i cipressi catturano per primi lo sguardo, abbastanza alti da dominare una parete così come furono dipinti per dominare un campo. Solo a uno sguardo più ravvicinato emergono le due figure e i fiori ai loro piedi, una scoperta più lenta che impedisce all’immagine di esaurirsi in un solo colpo d’occhio.
Si adatta a un punto in cui qualcuno si ferma davvero: un corridoio che cattura la luce che cambia, una parete di studio di fronte a una finestra, una camera da letto vista all’ultimo momento prima del buio. Il dipinto non si offre tutto in una volta. Chiede di essere guardato di nuovo la prossima volta che la luce è diversa.
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