Coppa con Girasoli, Rose e Altri Fiori: La Storia
Nei primi mesi del 1886, Vincent van Gogh lasciò alle spalle i marroni piatti di Nuenen e si trasferì a Parigi per vivere con suo fratello Theo. Aveva trentadue anni, era in gran parte autodidatta e convinto che la sua pittura dovesse cambiare. Poche settimane dopo il suo arrivo aveva già visto da vicino le tele di Monet, Pissarro e dei più giovani impressionisti, e la tavolozza scura e terrena che aveva costruito nella campagna olandese iniziò a sembrare un fardello più che uno stile.
Bowl with Sunflowers, Roses and Other Flowers, dipinto quello stesso anno, è uno dei risultati di quel confronto. Mostra un pittore che usa i fiori recisi come un musicista usa le scale: come un soggetto fisso e paziente su cui ricostruire un intero modo di vedere il colore.
Un esercizio di studio diventato un’abitudine
I fiori erano una scelta pratica per un artista che stava riqualificando il proprio occhio. Erano economici, venduti quasi a ogni angolo di strada di Parigi e, a differenza di una modella assunta, non dovevano essere pagati a ore. Van Gogh comprava mazzi, li disponeva da solo e dipingeva rapidamente prima che i petali cadessero.
Nel corso del 1886 lavorò a dozzine di queste nature morte, spesso diverse nella stessa settimana, trattando ciascuna come un esperimento controllato su una diversa combinazione di tinte. Questa ciotola, che mescola girasoli con rose e più piccoli fiori bianchi e lilla, è tra le più piene di quel gruppo.
Vale la pena soffermarsi sui girasoli stessi. Due anni prima di riempire la casa gialla di Arles con i vasi di girasoli che gli fecero la reputazione, compaiono già qui, stretti tra le rose in una natura morta parigina, come se il fiore avesse già catturato la sua attenzione prima che sapesse cosa sarebbe diventato.
Cosa sta sul tavolo
Il contenitore non è il vaso alto e slanciato dei successivi dipinti di Arles, ma una ciotola bassa e larga in verde opaco, più un recipiente da cucina che un pezzo da mostra. Poggia su una lastra piatta di pietra o marmo la cui superficie grigia è rotta da pennellate sciolte di ruggine e blu.
Ne esce una composizione densa, quasi troppo piena. Girasoli con teste irsute e semiaperte si alzano in cima e pendono verso destra, alcuni già afflosciati sui loro steli. Sotto di loro si trova un folto gruppo di rose in bianco e rosa incarnato, i cui petali sono costruiti con brevi tocchi di colore arricciati, circondati da una nebbia di piccoli fiori bianchi e lavanda che riempiono ogni spazio rimanente.
L’occhio cade prima su quelle rose pallide al centro, il passaggio più luminoso e più densamente lavorato del quadro, prima di essere tirato verso l’alto e verso l’esterno verso le teste gialle più pesanti dei girasoli. Nulla nella composizione è ordinato. Gli steli si incrociano, i fiori si sovrappongono e il mazzo si legge come qualcosa raccolto a bracciate piuttosto che composto con le pinzette.
Una tela divisa a metà
Lo sfondo è dove il quadro corre il suo rischio più grande. La metà sinistra è in ocra calda e marrone terra d’ombra, vicina nel tono ai colori terrosi degli anni olandesi di Van Gogh. La metà destra si rompe in un rosso striato e vibrante, steso in pennellate verticali spezzate che sembrano quasi una tenda o una superficie riflettente che cattura la luce.
Quella divisione mette il marrone contro il rosso su un’unica tela, con la ciotola e le sue foglie verdi che fungono da cerniera tra loro. Il verde della ciotola e degli steli si pone come una nota fredda e stabilizzante contro sia il marrone caldo sia il rosso acceso, impedendo a entrambi i lati dello sfondo di sopraffare i fiori davanti a esso.
È un pezzo di costruzione del colore schietto, quasi sperimentale, più vicino a uno studio che a uno sfondo risolto, e questo è proprio il punto: questa è una tela fatta per testare cosa fanno i colori l’uno accanto all’altro, non per descrivere una stanza.
La pittura stessa
Van Gogh lavorò i fiori con pennellate spesse e cariche, stese rapidamente e lasciate in gran parte non sfumate. I petali sono costruiti con singoli tratti di bianco, rosa o giallo piuttosto che con forme modellate uniformemente, così che da vicino il bouquet si dissolve in un campo di segni separati che si risolvono in rose e girasoli solo da una breve distanza.
La firma, “Vincent”, si trova in rosso in basso a sinistra, lo stesso rosso che usò per il suo nome per tutta la carriera una volta smesso di firmare con il cognome. Le dimensioni sono modeste, 61 per 50 centimetri, più vicine a uno studio che a un pezzo da mostra, il che si addice a un quadro dipinto in fretta come uno tra molti.
Nella stanza
L’originale è oggi appeso alla Kunsthalle Mannheim. Su una parete, questo è un quadro che premia la luce che cambia invece di combatterla. In una luce diurna più piatta, lo sfondo ocra e rosso si legge con un peso simile, e la ciotola di fiori si pone come un’unica massa calda.
Sotto una luce serale più calda, il lato rosso dello sfondo si fa avanti e le rose bianche sembrano sollevarsi dalla tela, schiarendosi in un modo che il lato marrone non riesce mai del tutto a eguagliare. È un dipinto costruito dagli irrequieti esperimenti con il colore di un giovane artista, e continua a comportarsi così, spostando il suo equilibrio con qualunque luce vi cada sopra.
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