Fritillaries in un vaso di rame: storia e significato
Nei primi mesi del 1887, Vincent van Gogh viveva con suo fratello Theo a Montmartre, trascorrendo le sue giornate in compagnia di pittori la cui opera aveva appena conosciuto due anni prima. Pissarro, Signac e la cerchia attorno a Seurat stavano scomponendo il colore in filamenti separati, e Van Gogh, osservando, discutendo e dipingendo al loro fianco, iniziò a usare i fiori recisi come suo laboratorio. Erano economici, non si lamentavano di stare fermi, e gli permettevano di testare una combinazione di colore contro un’altra senza la pressione di un ritratto commissionato o di un paesaggio che doveva essere trovato e raggiunto.
Un bouquet come problema di colore
Fritillaries in a Copper Vase appartiene a quella serie di nature morte floreali del 1887, dipinte in un momento in cui Van Gogh era meno interessato ai fiori in quanto fiori che a ciò che accadeva quando una tinta veniva contrapposta duramente a un’altra. Le fritillarie imperiali, con le loro pesanti teste a campana, gli fornivano una massa di arancio caldo e ocra da spingere contro qualcosa di freddo.
Non doveva viaggiare per trovare questo motivo né aspettare che il tempo collaborasse. Un vaso, un tavolo e un pomeriggio erano sufficienti, e quella libertà pratica è parte del motivo per cui tante tele di fiori recisi sopravvivono da questo singolo anno della sua vita.
Cosa sta sul tavolo
Il vaso stesso è un recipiente di rame arrotondato, largo alla base e ristretto al collo, la sua superficie metallica costruita con brevi tocchi di ocra, oliva e oro spento che catturano e perdono la luce mentre l’occhio scende lungo la sua curva. Da esso si erge un denso grappolo di fritillarie imperiali, le loro campane arancioni e giallo-arancio pendenti verso il basso su steli sottili sopra un ventaglio di lunghe foglie verdi appuntite.
Uno stelo fiorito si stacca dal mazzo principale e pende verso sinistra, quasi fuori dal vaso del tutto, i suoi pallidi fiori catturano la luce contro lo sfondo scuro. È una piccola asimmetria che impedisce al bouquet di leggersi come una disposizione ordinata ed equilibrata, e dà alla composizione un senso di una pianta che si comporta ancora come una pianta piuttosto che come una natura morta allestita.
Sotto, il tavolo è tracciato con tratti incrociati di ocra, rosa e verde, una superficie intrecciata o rigata resa rapidamente, in netto contrasto con la lavorazione più morbida del rame sopra di esso. La firma si trova nell’angolo in alto a sinistra, sopra il campo blu screziato.
Arancio contro un campo di blu
Lo sfondo è dove il quadro fa il suo vero lavoro. Van Gogh stese un fondo blu profondo e poi lo coprì con una dispersione di piccoli punti e brevi trattini in blu più chiaro e bianco, un campo che vibra invece di giacere piatto, e contro di esso l’arancio dei fiori si legge con molta più forza di quanto farebbe contro una parete semplice.
Arancio e blu si trovano opposti l’uno all’altro sulla ruota dei colori, e Van Gogh stava leggendo proprio di quel tipo di abbinamento durante questi anni parigini, testando nella pittura ciò che incontrava nella conversazione e nella sua lettura sulla teoria del colore. La lavorazione puntinata dello sfondo mostra anche che stava provando una tecnica vicina al colore diviso dei neoimpressionisti, senza adottare il loro sistema rigoroso in blocco.
Il risultato è una tela in cui i fiori sembrano avanzare e lo sfondo sembra vibrare invece di recedere silenziosamente, così l’intera superficie rimane attiva da bordo a bordo.
La pittura stessa
Da vicino, la pennellata cambia carattere da una parte all’altra della tela. I petali sono costruiti con tratti carichi e sicuri che seguono la curva di ogni fiore a campana, le foglie sono stese con rapidi tocchi lineari che guizzano verso l’esterno dagli steli, e il vaso di rame è lavorato con tocchi più brevi e deliberati che ne descrivono la forma metallica arrotondata.
Questa è pittura usata in modo descrittivo ed espressivo allo stesso tempo. I tratti non riempiono solo il colore locale, portano la direzione e la pressione della mano che li ha fatti, il che è parte del motivo per cui il quadro sembra ancora immediato più di un secolo dopo.
A 60 per 76 centimetri, la tela è abbastanza vicina alle dimensioni reali nei suoi elementi principali che il bouquet ha una presenza reale invece di sedersi come un piccolo dettaglio decorativo. Ricompensa il tipo di sguardo ravvicinato che una riproduzione su una parete invita, dove uno spettatore può avvicinarsi per vedere la pennellata e allontanarsi per vedere l’intera disposizione sistemarsi al suo posto.
Su una parete
Appeso in una stanza con luce diurna che cambia, un quadro costruito su tanto contrasto continua a spostarsi. La luce del mattino tirerà avanti il campo blu e lascerà che i fiori arancioni siedano caldi e separati contro di esso, mentre la luce della lampada la sera ammorbidisce quel contrasto e lascia che il vaso di rame brilli più dei fiori attorno ad esso.
È un quadro che chiede di essere guardato più di una volta al giorno, il che è parte di ciò che rende una buona natura morta diversa da una decorazione scelta e poi mai più realmente vista. Fritillaries in a Copper Vase è oggi conservato al Musée d’Orsay di Parigi, la città dove Van Gogh lo dipinse nel 1887, elaborando sulla tela una serie di relazioni cromatiche che avrebbe portato con sé nei dipinti più famosi ancora a venire.
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