Fritillarie: storia, significato e tecnica pittorica
Parigi, 1886
Vincent van Gogh arrivò a Parigi all’inizio della primavera del 1886 e si trasferì da suo fratello Theo, un mercante d’arte la cui galleria lo teneva vicino ai dipinti che stavano rimodellando la pittura francese. Aveva trascorso gli anni precedenti nei Paesi Bassi lavorando con bruni, grigi e terre d’ombra, e Parigi lo mise di fronte a qualcosa di completamente diverso: tele costruite con colore spezzato, accostato invece che mescolato sulla tavolozza.
Rispose allo shock come faceva di solito, lavorando. I fiori recisi erano economici, pazienti e infinitamente disponibili, così nel corso del 1886 li dipinse in rapida successione, una composizione dopo l’altra, usando ogni tela per verificare fino a che punto si potesse spingere un colore prima che perdesse l’oggetto sottostante. Fritillaries, dipinto quell’anno a 55 per 38 centimetri, appartiene a quella serie di studi.
Era una pratica esigente e poco glamour, il tipo di esercizio che un artista impone a se stesso piuttosto che quello che un committente commissiona, e lo si vede da quanti dipinti di fiori sopravvivono da questi mesi. Pochi di essi sono densamente affollati come questo.
Una folla di teste che annuiscono
Il dipinto è dedicato quasi interamente ai fiori stessi. Le fritillarie imperiali pendono in grappoli stretti, le loro teste a forma di campana ricadono su steli curvi, ciascuna coronata da un ciuffo di foglie strette e erette che spuntano verso l’esterno come una gorgiera. Van Gogh le ha ammassate così densamente che stelo, foglia e petalo si intrecciano, lasciando a malapena uno spazio in cui l’occhio possa riposare.
Non c’è un singolo fiore messo da parte per l’ammirazione. Il soggetto è la folla, non un fiore in particolare al suo interno, e la composizione si legge più come un fitto cespuglio che come un mazzo disposto per essere esposto.
Quella densità è una scelta deliberata. Riempendo la cornice da bordo a bordo con teste sovrapposte, Van Gogh trasforma una modesta natura morta in qualcosa di più vicino a uno studio di pattern e pressione, il tipo di esercizio che avrebbe alimentato direttamente le composizioni intricate e ad alta energia dei suoi anni successivi.
Una mano che non sta ferma
La pennellata porta tanto del carattere del dipinto quanto i fiori. Ogni petalo è costruito con brevi tratti direzionali che seguono la curva e la ricurva della forma invece di levigarla, così la pittura stessa sembra irta.
Van Gogh era ancora a qualche anno dallo spesso impasto simile a una corda del suo periodo finale, ma l’istinto è già visibile qui: pittura applicata come registrazione del movimento, tratto per tratto, invece che come descrizione piatta di una superficie. Guarda da vicino e il dipinto si scompone in centinaia di piccoli segni decisivi; fai un passo indietro e si risolvono in fogliame.
È una tecnica adatta esattamente a questo soggetto. Le foglie delle fritillarie sono sottili, nervose e irrequiete, e una mano più morbida le avrebbe appiattite in qualcosa di molto più calmo.
Colore premuto da vicino
I dipinti floreali parigini di Van Gogh sono il luogo in cui si insegnò da solo, tela dopo tela, come si comportano i colori complementari quando sono accostati, e questo è costruito esattamente su quell’attrito: fiori caldi, dai toni di fiamma, tenuti contro un fondo più freddo, ogni colore acuito dall’altro invece che ammorbidito da esso.
L’effetto non è tanto decorativo quanto diagnostico. Questo è un pittore che elabora, in pubblico, una lezione che aveva appena scoperto, e il dipinto conserva qualcosa di quell’urgenza in ogni parte della superficie pittorica.
Sulla parete, durante il giorno
Appeso dove arriva la luce del giorno, questo è un dipinto che cambia di ora in ora, poiché una superficie pittorica densa e dai toni ravvicinati come questa si sposta con l’angolo e il colore della luce che la attraversa. La luce del mattino mette in evidenza i rilievi dei singoli tratti; la luce della sera appiattisce la superficie e lascia che sia il disegno dei petali a prendere il sopravvento.
Ricompensa lo sguardo ravvicinato più di un’occhiata dall’altra parte della stanza. Collocato vicino a un tavolo da pranzo o in una cucina, in un posto dove le persone si siedono abbastanza a lungo da guardare davvero, il suo groviglio di forme continua a rivelare nuovi dettagli più a lungo lo si osserva, in un modo che un dipinto di bouquet più semplice non farebbe.
Altro da questa collezione
Porta questo quadro nella tua casa
Scegli una riproduzione a olio dipinta a mano per un vero lavoro a pennello, o una stampa artistica su tela per un'edizione fedele all'immagine del museo. Ogni dimensione conserva le proporzioni dell'originale.
Vedi quest'opera e le sue opzioni
Per approfondire
Verifica l'originale al record della collezione e continua con le opere associate dal catalogo.