Girasoli appassiti: storia, significato e pennellate
Nel 1887 Vincent van Gogh era a Parigi da quasi un anno, condivideva un appartamento a Montmartre con il fratello Theo e si confrontava con le idee contrastanti sulla pittura che animavano la città. Aveva conosciuto Signac, aveva visto le tele punteggiate di Seurat e aveva studiato a fondo le stampe giapponesi che la galleria di Theo teneva in deposito. Nulla di tutto ciò si era ancora consolidato come uno stile definito. Si manifestava invece come una serie di piccoli esercizi deliberatamente circoscritti: nature morte di fiori recisi posate su un tavolo, studiate da vicino, con accanimento, per ciò che il loro colore poteva insegnargli.
Un esercizio scelto per sé
Girasoli appassiti, dipinto nel 1887, appartiene a quella serie di esercizi. È un pannello modesto, appena 27 x 21 centimetri, e nulla del suo soggetto chiede di essere ammirato. I fiori non sono freschi. I petali si sono arricciati e disseccati, i capolini sono andati a seme, e Van Gogh si impose il problema più difficile di trovare il colore in una pianta ormai oltre il suo momento, invece che nel suo momento migliore.
Non era un soggetto sentimentale. Era materiale, scelto perché un capolino sfiorito offre a un occhio educato alla teoria del colore più elementi su cui lavorare rispetto a uno fresco: bruni invece di giallo puro, la trama del disco dei semi invece di un bordo di petalo netto, verdi che virano verso il nero invece del verde piatto di uno stelo.
Sarebbe tornato ai girasoli un anno più tardi ad Arles, nei vasi che resero il soggetto definitivamente suo. Questo piccolo studio senza pretese è parte del percorso che lo condusse fin lì.
Due capolini, visti da vicino
La tela è riempita quasi da bordo a bordo da due capolini di girasole. Uno si volge completamente verso lo spettatore, i petali disseccati aperti a raggiera in un cerchio irregolare. Un secondo capolino, più pallido, è visibile appena dietro e a destra, colto di scorcio, i petali arricciati che si leggono come una massa più chiara, più olivastra, contro il fondo scuro.
Non c’è vaso, non c’è tavolo, non c’è stanza. Un viluppo scuro e pennellato riempie la parte superiore del pannello, più ombra che spazio descritto, e una linea orizzontale di colore bruno attraversa il bordo inferiore come uno stelo o un ramo lasciato lì. I fiori sembrano posarsi nel loro proprio alone di penombra, piuttosto che in un ambiente identificabile.
Al centro del capolino principale, il disco dei semi è costruito con pennellate brevi e fitte, ruggine, rosa polveroso e verde-azzurro pallido accostati, con segni più scuri che si irradiano dove i fiorellini si sono disseccati e caduti. È il passaggio più denso e più elaborato del pannello, e il primo punto su cui si posa lo sguardo.
Colore steso a trattini
I petali di Van Gogh non sono sfumati. Sono stesi come pennellate separate di giallo paglia, oliva e cachi, ognuna delle quali segue l’arricciatura di un petalo reale, così che la pittura stessa sembra piegarsi e seccarsi come ha fatto il fiore. Toccature di rosa polveroso e turchese pallido si inseriscono in questa gamma di giallo-verde, abbastanza piccole da leggersi come trama prima ancora che come colore.
Lo sfondo è trattato con la stessa immediatezza, ma con una gamma più stretta e più scura: verdi e bruni quasi neri, stesi in lunghe pennellate diagonali che danno l’impressione di fogliame o di ombra senza descrivere con precisione né l’uno né l’altra. Contro quel campo scuro, i gialli dei capolini portano gran parte della luce del dipinto.
Il colore è steso in spessore, soprattutto nel disco dei semi e lungo i bordi dei petali, così che i rilievi lasciati dal pennello catturano la luce reale e proiettano le loro piccole ombre sulla superficie. Van Gogh non levigava il colore al suo posto. Lo costruiva, pennellata su pennellata, come si costruisce la struttura di un fiore.
Cosa fa su una parete
In piena luce diurna i gialli paglia e gli olive emergono e lo spessore della materia si legge chiaramente, ogni rilievo di colore cattura la luce e getta accanto a sé una sottile linea d’ombra. Il dipinto appare denso, quasi irrequieto, come i capolini stessi colti nel momento del collasso.
In una luce più tenue, luce serale o di una stanza illuminata da una lampada, i verdi scuri e i quasi neri dello sfondo prendono il sopravvento e i due capolini si leggono come un’unica forma densa e aggrovigliata, piuttosto che come due forme distinte. Il dipinto si acquieta notevolmente, più vicino a uno studio del disfacimento che a una celebrazione della fioritura.
Poiché l’originale è così piccolo e osservato così da vicino, una sua riproduzione premia una stanza in cui lo si possa avvicinare, invece che guardare di sfuggita a distanza: un angolo di lettura o la parete di una camera da letto, piuttosto che un atrio d’ingresso. L’originale è oggi conservato al Van Gogh Museum e resta una delle testimonianze più chiare di quello sguardo ravvicinato e paziente che avrebbe prodotto, alla fine, i girasoli per cui Van Gogh divenne celebre.
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