Girasoli (versione di Monaco): storia, significato e tecnica pittorica
Arles, agosto 1888
Nell’estate del 1888 Vincent van Gogh viveva da diversi mesi nella Casa Gialla ad Arles, lavorando a un’idea che gli stava a cuore più di quasi qualsiasi altra cosa: una casa di artisti, uno studio condiviso nel sud, costruita attorno alla promessa che Paul Gauguin sarebbe presto venuto a raggiungerlo.
I girasoli erano di stagione lungo le strade fuori dalla città, e van Gogh cominciò a comprarli a bracciate, portandoli indietro per dipingerli prima che appassissero. Lavorava a un ritmo che quell’estate descrisse come l’entusiasmo di un marsigliese che mangia la bouillabaisse, e ad agosto aveva già diversi dipinti di girasoli in lavorazione contemporaneamente.
Li intendeva come decorazione nel senso più semplice, quadri per le pareti della stanza che stava preparando per Gauguin, abbastanza luminosi da reggere la luce forte e abbastanza allegri da dire qualcosa sull’accoglienza che intendeva riservargli. Questa tela, nota oggi come versione di Monaco, fa parte di quel gruppo di agosto, dipinta nel 1888 e misurante 73 per 92 centimetri.
Dodici fiori, ogni fase di una vita
Il bouquet riempie quasi tutta la tela, una dozzina di corolle di girasole stipate in un semplice vaso di terracotta con appena un po’ di spazio attorno. Van Gogh non stava dipingendo una singola, ordinata composizione quanto piuttosto un intero ciclo vitale dispiegato in una volta.
Alcune corolle guardano direttamente lo spettatore, i petali completamente aperti e i centri di un marrone profondo, quasi nero, orlati di ruggine e oro. Altre si girano di profilo o pendono in avanti su steli ricurvi, pesanti e passate dal loro momento migliore, i petali diradati e i centri scuri e densi.
Qualche fiore vicino alla sommità porta ancora la energia sciolta e scomposta della nuova fioritura, i petali divaricati ad angoli irregolari come colti nel movimento. La variazione è il punto: in un solo vaso, van Gogh mise fianco a fianco giovinezza, pienezza e decadenza, e dipinse ciascuna con uguale attenzione.
Una stretta fascia di blu, un campo di giallo
L’ambientazione è ridotta a quasi nulla. Dietro i fiori, van Gogh stese un azzurro-verde pallido e gessoso, steso a brevi pennellate incrociate che lasciano la parete scabra e leggermente inquieta, mai un colore piatto e morto.
Sotto, una fascia di giallo ocra sostituisce un tavolo o una mensola, vicina nel tono ai fiori stessi, così che il confine tra bouquet e superficie si legge più come un cambiamento nella pennellata che nel colore. Il vaso si trova nel punto d’incontro dei due, un ocra crema pallido che coglie la luce più diretta dell’intero quadro.
Van Gogh firmò il vaso stesso, con lettere rosse lungo il suo punto più largo, semplicemente Vincent, come firmava la maggior parte delle sue opere mature. Si trova in basso nella composizione, quasi parte della decorazione del vaso stesso piuttosto che un’etichetta aggiunta dopo.
Pittura spessa abbastanza da proiettare la propria ombra
Da vicino, i fiori sono costruiti con pittura stesa spessa, a brevi pennellate cariche che si sollevano dalla tela. I petali sono singole pennellate di colore puro, giallo su giallo su ocra, con appena qualche fusione tra l’una e l’altra.
Attorno a ogni corolla van Gogh tracciò un contorno fermo e scuro, una linea più che un’ombra, ed è ciò che permette al bouquet stipato di restare leggibile da una stanza all’altra anche se la gamma cromatica è così stretta. Senza quei contorni le corolle si fonderebbero in un’unica massa d’oro.
Il vaso e il tavolo sono trattati con più calma, con pennellate più lunghe e piatte, così che l’occhio abbia un posto dove riposare prima di tornare alla turbolenza dei fiori sopra. È un quadro costruito quasi interamente su variazioni di un solo colore, eppure non risulta mai monotono, perché la pittura stessa continua a cambiare direzione, spessore e ritmo.
Su una parete, nel corso della giornata
L’originale è oggi conservato nella collezione delle Collezioni Statuali di Pittura Bavaresi a Monaco, ma le qualità che lo fanno funzionare erano adatte fin dall’inizio proprio al tipo di parete domestica che van Gogh aveva in mente quando lo dipinse: una stanza con luce che cambia, non un punto fisso in galleria.
In luce diretta l’impasto proietta le proprie piccole ombre sui petali, e i gialli si acuiscono. Più tardi nella giornata, in luce più morbida, il fondo azzurro-verde emerge e i fiori si assestano in un registro più caldo e quieto.
È in parte per questo che il quadro è rimasto così riconoscibile per ben oltre un secolo: non fu mai dipinto per essere guardato una volta sola. Fu dipinto per essere vissuto, su una parete che una persona attraversa ogni giorno, cambiando leggermente ogni volta che cambia la luce.
Altro da questa collezione
Porta questo quadro nella tua casa
Scegli una riproduzione a olio dipinta a mano per un vero lavoro a pennello, o una stampa artistica su tela per un'edizione fedele all'immagine del museo. Ogni dimensione conserva le proporzioni dell'originale.
Vedi quest'opera e le sue opzioni
Per approfondire
Verifica l'originale al Bavarian State Painting Collections scheda della collezione e continua con le opere associate dal catalogo.