Il Seminatore (da Millet): Storia, Significato e Tecnica Pittorica
Nella primavera del 1889 Vincent van Gogh si era fatto ricoverare nell’ospedale psichiatrico di Saint-Paul-de-Mausole a Saint-Rémy-de-Provence, e per lunghi periodi non gli era permesso uscire dalle sue mura per dipingere dal vero. Senza campi né contadini davanti a sé, si rivolse all’unico pittore che non aveva mai smesso di ammirare: Jean-François Millet. Van Gogh conservava stampe in bianco e nero dei soggetti contadini di Millet e si mise a rielaborarle a olio, trattando le composizioni dell’artista più anziano come una sorta di impalcatura presa in prestito su cui costruire il proprio colore.
Il seminatore (da Millet), dipinto nel 1889 e oggi nella collezione del Kröller-Müller Museum, è uno dei risultati di quel lavoro. Misura appena 55 per 64 centimetri, dimensioni vicine a quelle di uno studio più che di una grande dichiarazione, e mostra quanto completamente Van Gogh potesse rifare il disegno di un altro artista pur non cambiandone quasi nulla della struttura.
Lavorare da Millet, non copiarlo
Van Gogh non considerava questi quadri delle copie. Li chiamava traduzioni, paragonando il proprio ruolo a quello di un musicista che suona la partitura di un altro compositore nella propria tonalità. Il disegno, la posa, la caduta del passo della figura vengono tutti da Millet.
Tutto il resto è di Van Gogh. Dove la stampa di Millet offriva solo tono e linea, Van Gogh forniva colore, texture e un pennello nervoso e irrequieto che nessuna incisione avrebbe potuto suggerire.
Non era un esercizio passeggero. Millet era il suo modello da anni, l’artista a cui si rifaceva quando voleva spiegare cosa intendesse per dipingere la vita contadina con dignità anziché sentimentalismo. Rielaborarlo a Saint-Rémy permise a Van Gogh di restare fedele a quel soggetto in un momento in cui la malattia lo aveva tagliato fuori dal lavoro all’aperto.
La figura nel campo
Un giovane avanza a grandi passi lungo un campo in pendenza, collocato in basso nel quadro e tale da occuparne gran parte. Il braccio destro oscilla indietro attraverso il corpo, le dita leggermente curve attorno all’ultimo seme, mentre la gamba sinistra spinge in avanti nel passo successivo.
Indossa un cappello ampio a tesa rotonda, una giacca scura sopra una camicia chiara con un tocco di verde al colletto, e un sacco di tela per i semi portato di traverso sul fianco, le cui pieghe sono rese in ocra e ruggine. Pantaloni pesanti e stivali spessi e rigonfi lo radicano nei solchi che sta percorrendo.
Dietro di lui il campo si estende fino a un orizzonte basso. Un piccolo edificio o un carro di fieno brilla in arancione-rosso, e una sola figura in lontananza gli sta accanto, abbastanza piccola da misurare quanta terra il seminatore debba ancora coprire.
Un campo fatto di pennellate, non di campiture di colore
Ciò che colpisce l’occhio per primo non è tanto il colore quanto la texture. Van Gogh ha steso l’intera superficie, cielo, campo e figura allo stesso modo, in brevi pennellate direzionali che corrono come fibre pettinate, così che la pittura stessa sembra descrivere i solchi e il tempo.
La tavolozza è più fredda e più contenuta rispetto al Seminatore assolato, in zafferano e viola, che aveva dipinto l’anno prima. Qui terreno e cielo si tengono in grigi ravvicinati, verdi-blu e ardesia, rotti dall’oliva e dal marrone più caldi dei vestiti del seminatore e da quel solo passaggio caldo di arancione in lontananza.
Niente nel quadro è piatto. Persino il cielo è tratteggiato in brevi segni diagonali, così che luce e nuvole si leggono come movimento anziché come una stesura uniforme sopra la testa. L’effetto è più vicino a un tessuto intrecciato che a un paesaggio dipinto in modo convenzionale.
Un lavoro che si ripete ogni anno
Il seminatore originale di Millet portava già con sé un peso di significato: il contadino come figura di resistenza, che semina con lo stesso gesto che avevano usato suo padre e suo nonno, indifferente a chi lo guarda. Van Gogh mantenne intatta quella lettura.
Per Van Gogh il soggetto aveva anche una carica privata. Scriveva spesso del seminatore e del mietitore come figure che operavano nel volgere delle stagioni, e del desiderio che il proprio lavoro conservasse qualcosa di quella stessa costante ripetizione, realizzata a Saint-Rémy durante un anno in cui la costanza era esattamente ciò che la sua salute gli negava.
La luce più fredda di questa versione, così diversa dal sole ardente dei suoi altri seminatore, dà alla scena un’atmosfera più quieta e più coperta, meno un inno al raccolto che una testimonianza di un lavoro che semplicemente continua.
Vivere con il dipinto
Appeso dove arriva la luce del giorno, il quadro cambia più di quanto non facciano i più. In luce piatta le pennellate tratteggiate si leggono come texture e la figura cattura l’occhio; in luce radente, mattutina o di lampada di lato, i rilievi della pittura catturano e proiettano piccole ombre su tutta la superficie, e il campo sembra spostarsi sotto i piedi.
Da un capo all’altro di una stanza sono il passo del seminatore e l’unica macchia calda di arancione in lontananza a farsi portatori. Da vicino, il quadro si scompone in migliaia di brevi segni separati, ed è solo a un passo o due indietro che si ricompongono di nuovo in campo, cielo e figura.
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