Ippocastano in Fiore: La Storia
Nella primavera del 1887 Vincent van Gogh era a Parigi da quasi un anno, viveva con il fratello Theo e stava attraversando un cambiamento nella sua pittura che non aveva nulla di gentile. Era arrivato da Anversa con una tavolozza di marroni e grigi costruita sulla tradizione olandese, e nel giro di pochi mesi stava raschiando via gran parte di tutto ciò, guardando invece a ciò che Pissarro, Signac e i pittori più giovani attorno a Montmartre facevano con il colore steso in tocchi brevi e separati. Portava il cavalletto nei parchi e ai margini della città, ad Asnières e nei giardini vicino al suo alloggio, e dipingeva ciò che aveva davanti con pochissimi incidenti aggiunti.
Horse Chestnut Tree in Blossom, dipinto quell’anno, appartiene a questa serie di quadri primaverili. Non c’è un sentiero, non c’è una panchina, non c’è una figura che cammina. È un singolo albero, visto da vicino e osservato intensamente, che è proprio il punto.
Parigi, e un nuovo modo di vedere il colore
Il cambiamento nella pittura di Van Gogh nel corso del 1886 e nel 1887 non fu una questione di soggetto ma di metodo. Le scene contadine olandesi lasciarono il posto alle cose a distanza di cammino da Montmartre: tetti, rive dei fiumi, alberi in fiore lungo i boulevard e nei parchi. Leggeva gli Impressionisti e i più giovani Neo-Impressionisti da vicino, prendendo in prestito il loro colore spezzato senza adottare in blocco il punto rigoroso del metodo di Seurat.
Gli ippocastani erano, e sono ancora, una vista familiare nei parchi e nei viali parigini, con i loro fiori che appaiono in rigidi grappoli eretti che giardinieri e pittori hanno a lungo chiamato candele. Per un artista che sperimentava un nuovo modo di costruire la forma interamente con il colore e il tocco, un albero in piena fioritura gli dava esattamente ciò di cui aveva bisogno: masse dense e irregolari di verde e bianco che non potevano essere rese con un contorno e dovevano invece essere costruite tratto per tratto.
Un albero che riempie tutta la tela
La composizione è quasi provocatoriamente semplice. Un singolo ippocastano, di forma grosso modo conica, occupa quasi tutta la superficie dipinta, la sua chioma spinge verso l’alto e verso l’esterno fino ai bordi finché il cielo è ridotto a una stretta fascia azzurro-verde pallido su entrambi i lati.
Tocchi di crema pallido e bianco segnano la fioritura, raccolti più densamente nelle porzioni superiori e sinistre della chioma, dove la pittura si presenta notevolmente più chiara contro il verde circostante. Più in basso e verso la base, l’albero diventa più scuro e più denso, i singoli grappoli più difficili da separare l’uno dall’altro.
Un tronco è appena visibile attraverso il centro della volta, individuato da pennellate marrone rossastro che appaiono e scompaiono dietro le foglie invece di formare una linea continua. Nell’angolo in alto a sinistra una piccola forma scura, un singolo uccello in volo, è l’unica altra cosa vivente nel quadro, ed è facile da non notare.
Sotto l’albero, un basso tratto di muro di pietra pallida corre lungo la parte inferiore sinistra, e il primo piano si apre in erba resa con pennellate sciolte e orizzontali di verde e ocra. A 46,5 per 56 centimetri, la tela non è grande, il che si addice a un quadro costruito attorno a un singolo atto di osservazione ravvicinato e sostenuto piuttosto che a una veduta ampia.
Pittura stesa in tocchi brevi e deliberati
Niente nel fogliame è sfumato o levigato. Van Gogh costruì la chioma da centinaia di pennellate brevi e separate di verde, che vanno da una tonalità scura, quasi blu-nera, attraverso l’oliva e la salvia fino a un verde-giallo brillante dove la luce colpisce la cima dell’albero.
Ogni pennellata segue la direzione di una foglia o di un grappolo di foglie, così la pennellata stessa descrive la struttura dell’albero invece di farlo un contorno. Visto da vicino, la superficie si legge quasi come un mosaico; osservata da lontano, si risolve nella massa riconoscibile di un ippocastano in fiore.
La fioritura è trattata allo stesso modo, con piccoli tocchi di quasi bianco e crema rosato pallido messi direttamente contro il verde invece di essere velati sopra di esso, così i fiori sembrano stare in avanti sulla superficie della chioma. È un modo di dipingere veloce e fisico, e il quadro conserva quel senso di un albero osservato in una sola seduta sostenuta piuttosto che costruito in molte.
Come il quadro si colloca in una stanza
Un quadro fatto quasi interamente di verde e luce spezzata si comporta diversamente a seconda di ciò che gli sta attorno. In una stanza con luce diurna morbida e mutevole, la chioma dell’albero si sposta con l’ora, i verdi-blu più freddi del cielo e dell’ombra emergono al mattino, i verdi-gialli più caldi catturano più luce più tardi nella giornata.
Appeso in una stanza con piante, o semplicemente con molta luce diurna, il quadro tiene compagnia a ciò che è già lì invece di competere con esso. Ricompensa il tipo di osservazione che Van Gogh dedicò all’albero stesso: non uno sguardo fugace, ma qualche minuto speso a lasciare che le pennellate si separino e si ricompongano.
Il quadro oggi conservato al Van Gogh Museum mostra un artista a metà del cambiamento, che mette alla prova colore contro colore su un soggetto che non gli chiedeva altro che attenzione. Rimane uno dei quadri più diretti e schietti dei suoi anni parigini, un albero in fiore e pochissimo altro.
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