Il Raccolto a La Crau (Il Carro Blu): Storia e Significato
Un Van Gogh semplice che voleva dipingere intero
Nel giugno 1888, Vincent van Gogh salì sul terreno elevato vicino all’abbazia in rovina di Montmajour, a breve distanza a piedi da Arles, per guardare la pianura della Crau distesa sotto di lui. Da quell’altura poteva abbracciare l’intero raccolto in una volta sola, dai solchi più vicini alle colline all’orizzonte, una vista che il terreno più pianeggiante nelle vicinanze non gli avrebbe potuto offrire.
Arles gli aveva dato ciò che Parigi non gli aveva dato: una luce forte e costante, un orizzonte che non si chiudeva, e soggetti che restavano fermi abbastanza a lungo da poterli studiare da vicino. Quel giugno la Crau, una pianura sassosa a sud e a est della città, si trovava sotto il grano che maturava e quello appena mietuto. Van Gogh realizzò più di un dipinto da questa stessa altura quell’estate, ma questa tela, il suo titolo originale completo Raccolto alla Crau, con Montmajour sullo sfondo, è la veduta più completa che ne trasse.
La annoverava tra i dipinti più forti che avesse realizzato fino ad allora. Vale la pena notarlo di per sé, poiché raramente era soddisfatto del proprio lavoro, e questo resistette al suo stesso esame in un momento in cui lavorava a velocità sostenuta e produceva tele più in fretta di quanto riuscisse sempre a inviarle a Parigi.
Campi, carri e una rovina all’orizzonte
La tela si muove a fasce, da un primo piano di orti e staccionate, su attraverso il grano mietuto, fino a una fila di edifici rurali, e infine a colline pallide sotto un cielo alto e sottile. Un covone di fieno con una scala appoggiata contro vi fa da perno sul lato sinistro, la sua paglia costruita a brevi pennellate diagonali. Oltre esso, i campi mietuti si stendono in giallo e verde pallido, lavorati a macchie che si leggono come appezzamenti separati anziché come un unico campo continuo.
Un carro a due ruote con telaio blu e ruote rosse sta vuoto a media distanza, lasciato dove è stato tolto l’ultimo carico. Più indietro, un secondo carro trainato da un cavallo si muove lungo un sentiero tra bassi edifici dai tetti di tegole arancioni. A destra una casa bianca più alta prende la luce del sole direttamente, la sua parete è il passaggio più luminoso dell’intero dipinto.
Verso l’orizzonte, basse colline si levano grigio azzurre contro il cielo, e le rovine di Montmajour vi si trovano tra esse, facili da non notare se non si sa già dove guardare. Una singola figura in abiti scuri percorre un sentiero tra gli appezzamenti in primo piano, piccola rispetto alla scala della pianura. Il cielo sopra è pallido, più vicino al verde che al blu, e occupa quasi un terzo della tela.
Come il colore si posa sulla tela
Van Gogh costruì questo dipinto con pennellate brevi e direzionali anziché con colore sfumato. Nel grano corrono in diagonale, seguendo la giacitura dei gambi tagliati; nel cielo giacciono più piatte e sottili, lasciando trasparire in alcuni punti il fondo pallido. Le staccionate in primo piano sono tracciate quasi come scrittura, rapide marcite verticali che danno alla recinzione il suo ritmo senza descrivere ogni palo.
Lavorò con giallo e blu contrapposti l’uno all’altro lungo tutta la composizione: grano dorato contro un orizzonte grigio azzurro, un carro blu contro le stoppie gialle. Le tegole arancioni dei tetti stanno contro persiane verdi e pareti grigie più indietro. L’effetto è un dipinto che da lontano si legge come luminoso e ordinato, e da vicino come un denso registro di decisioni individuali.
C’è pochissimo nero o grigio mescolato nella tavolozza. Le ombre sono costruite da versioni più fredde del colore circostante anziché da pigmento scuro aggiunto, il che mantiene l’intera superficie di tonalità alta anche nelle parti più lontane dal sole.
Cosa cattura l’occhio per primo
La maggior parte degli occhi si posa sul carro blu prima di ogni altra cosa, in parte perché si trova nel punto in cui gli appezzamenti in primo piano lasciano il posto al campo aperto, e in parte perché il suo blu è la nota più fredda in una tela altrimenti calda. Da lì l’occhio tende a seguire la linea della staccionata dentro il dipinto, oltre la figura che cammina, verso la casa bianca sulla destra.
Il covone di fieno fa il lavoro opposto sulla sinistra, attirando l’attenzione in basso e vicino anziché verso l’orizzonte. Tra questi due perni la media distanza è piena di episodi, un secondo carro, un cavallo, bassi edifici rurali, senza mai risultare affollata, perché Van Gogh mantenne la pennellata coerente su tutta la superficie anziché nitidire il dettaglio in una sola zona.
In una stanza
Appeso dove arriva la luce del giorno, questo dipinto cambia nel corso della giornata in un modo che le riproduzioni piatte di paesaggio aperto raramente riescono a fare, perché gran parte della superficie è costruita con pennellate direzionali che catturano la luce radente in modo diverso a seconda di dove arriva la luce. La luce del mattino mette in risalto i rilievi nel grano; la luce della sera li appiattisce e lascia che sia il colore a portare più peso.
È un dipinto che ripaga lo stare vicini tanto quanto lo stare indietro. Da un capo all’altro di una stanza si legge come una veduta ampia e calma di campagna aperta sotto un cielo pallido. Da vicino, si risolve in centinaia di segni individuali, il registro di un’unica, sostenuta sessione di osservazione.
L’originale, dipinto ad Arles nel giugno 1888 e misurante 92 per 73 centimetri, è conservato nel Van Gogh Museum di Amsterdam.
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