Lo Zuavo di Van Gogh: storia, significato e tecnica
Arles, inizio estate 1888
Nel giugno del 1888 Vincent van Gogh si trovava ad Arles da diversi mesi, ancora intento a verificare se la luce del sud potesse dargli il colore che inseguiva da quando aveva lasciato Parigi. Aveva affittato delle stanze, lavorava a un ritmo massacrante e aveva iniziato a rivolgere quell’energia verso la ritrattistica, convinto che un volto reso con colori forti potesse racchiudere più di una persona di quanto potesse mai fare una somiglianza accurata.
I reggimenti di zuavi, fanteria francese le cui uniformi e origini erano in parte nordafricane, quella estate mantenevano una guarnigione in città. Van Gogh, sempre attento al costume e ai colori che non poteva inventare, trovò in un giovane soldato esattamente il soggetto che cercava: pelle indurita dal servizio all’aperto e un’uniforme costruita di rosso, blu e oro.
Lavorò in fretta, secondo il modo di quella stagione, spingendosi a finire un ritratto in una seduta o due invece di affaticarsi per settimane. L’urgenza si mostra in ogni pennellata del quadro che ne risultò.
Un volto costruito con quattro colori
Dipinta ad Arles nel 1888, la tela misura 54 per 65 centimetri, una dimensione modesta che avvicina il modello invece di tenerlo a distanza. Lo zuavo è tagliato all’altezza del petto, la testa e le spalle riempiono quasi tutto il quadro, e guarda oltre la spalla dello spettatore invece di incontrare lo sguardo direttamente.
Il suo fez, inclinato all’indietro su capelli scuri e corti, è una lastra di rosso che domina la metà superiore della tela, con il lato inferiore in ombra che scivola verso il nero. Il suo volto è costruito con ocra, giallo-verde e tocchi di terra di Siena bruciata, l’abbronzatura registrata come uno spostamento di temperatura cromatica invece che come ombreggiatura convenzionale.
La sua giacca è di un blu denso, quasi nero, ravvivato da trecce dorate a spirale e due chiusure rotonde con nappe che pendono come bottoni su cordoncino. Sotto di essa si scorge una fascia azzurro pallido, l’unico passaggio di colore freddo nella parte bassa del quadro, che stabilizza i rossi e i gialli ammassati sopra.
Dietro di lui il muro si divide in due campi: una porta o pannello verde piatto a sinistra, e un muro di mattoni rosso-arancio con pallide linee di malta a destra. Nessuno dei due si legge come descrizione quanto piuttosto come contrappeso, un verde e un arancio messi lì perché ciascuno intensifica il rosso del berretto e l’ocra della pelle tra loro.
Colore contro colore
Quell’estate Van Gogh lavorava secondo una teoria del colore complementare che aveva assorbito da Delacroix e dalle sue stesse letture, contrapponendo rosso a verde e blu a arancio così che ciascuno spingesse l’altro verso la sua massima forza. Lo zuavo si legge quasi come una dimostrazione dell’idea.
Il colore è steso in ampie campiture piatte invece che sfumato gradualmente, ogni area di colore è chiusa da un contorno fermo, spesso scuro, che deve qualcosa alle stampe colorate che Van Gogh studiava attentamente. C’è poco modellato convenzionale: il volto è un piano, il berretto un piano, i mattoni un piano.
Quella piattezza è una decisione, non una scorciatoia. Rifiutandosi di ammorbidire le transizioni tra i colori, Van Gogh mantiene ogni tonalità al massimo grado, così il quadro si legge attraverso una stanza come si legge una vetrata, a blocchi di colore invece che con sfumature graduali.
Aspra e non facile da gestire
Scrivendo a suo fratello Theo di questo ritratto, Van Gogh descrisse la combinazione di toni che stava tentando come aspra, persino selvaggia, e non facile da tenere sotto controllo. Osservò anche i lineamenti del modello in termini che mostrano quanto l’incontro stesso lo entusiasmasse, ben oltre il normale lavoro di trovare un modello.
Quell’ammissione conta, perché mostra che il quadro non fu un successo facile consegnatogli da un modello disponibile. Fu un rischio deliberato, una prova di quanto il solo colore potesse sostenere un ritratto prima di scivolare nella dissonanza, e Van Gogh non era del tutto sicuro, mentre lo scriveva, di essere rimasto dal lato giusto di quella linea.
Lo zuavo appartiene a una breve serie di ritratti di quell’estate arlesiana, tra cui gente del posto che Van Gogh trattò con la stessa serietà che riservava al paesaggio, parte di uno sforzo più ampio di rifare la ritrattistica attraverso il colore puro invece che attraverso la descrizione.
Su una parete, con luce che cambia
L’originale è conservato oggi dal Van Gogh Museum di Amsterdam, tra il gruppo di dipinti di quell’estate arlesiana lì custoditi. Visto in una stanza, il quadro si comporta meno come un documento di un volto e più come una massa di colore ordinato che si risolve in un volto quando l’occhio vi si posa.
La luce del mattino o quella artificiale tende a far emergere il rosso del berretto e i mattoni arancio; una luce serale più morbida lascia invece salire il verde del muro e il blu della fascia. Ricompensa un secondo sguardo, una volta da across a room, dove si legge come un blocco caldo e ordinato di rosso, verde e oro, e di nuovo da vicino, dove i contorni, le chiazze di colore non sfumate e la velocità del pennello diventano chiaramente visibili.
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