Natura morta con ceramiche e bottiglie: La storia
Nuenen, un inverno di esercizio
Nel 1885 Vincent van Gogh viveva a Nuenen, nel presbiterio dei suoi genitori nella campagna del Brabante, dove affrontava un lungo e deliberato apprendistato sul tono e sulla forma. Si era imposto un programma rigoroso: teste, mani e oggetti semplici come modelli in una gamma ristretta di bruni, grigi e verdi, finché non fosse riuscito a rendere peso e volume senza affidarsi al colore per fare il lavoro. Natura morta con terraglie e bottiglie appartiene a quel programma, dipinta negli stessi mesi che produssero I mangiatori di patate e i suoi numerosi studi di mani e volti contadini.
Non aveva bisogno di viaggiare per trovare soggetti. Un tavolo di cucina, qualche bottiglia vuota e le stoviglie che capitavano a portata di mano erano sufficienti. La disciplina era il punto: dipingere ciò che gli stava davanti con onestà, senza abbellirlo, finché il quadro stesso non acquistasse convinzione.
Sei recipienti e un tavolo di legno
Tre bottiglie di vetro scuro stanno in fila sul fondo, i loro colli che catturano sottili punti di luce contro uno sfondo dipinto quasi di nero-verde. Davanti a loro siede una pentola di terracotta a due manici, la sua argilla bruno-rossastra riscaldata da un fascio di luce diagonale, con un cucchiaio o bastoncino di legno appoggiato dentro ad angolo, che spezza la curva della pentola.
A destra sta un vaso di gres più alto, grigio-crema pallido, la sua spalla segnata da un motivo ondulato sciolto e scuro che Van Gogh traccia con poche pennellate rapide e sicure. Accanto, una ciotola bassa in grigio-blu tenue volge il suo interno pallido verso lo spettatore, il bordo che cattura la stessa luce che cade sulla pentola.
In basso a sinistra, due piccole tazze o ciotole sono impilate una dentro l’altra, la loro smaltatura crema è la nota più chiara del dipinto dopo il vaso. Tutto poggia su un tavolo di legno nudo, le sue assi dipinte con pennellate sciolte e asciutte di ocra e bruno che corrono diagonalmente verso lo spettatore.
L’originale misura 56 per 40 centimetri, una scala modesta che si addice all’intimità del soggetto. Nulla qui è pensato per essere letto dall’altra parte di una stanza; ricompensa quel tipo di sguardo ravvicinato e senza fretta che lo stesso tavolo di cucina invita a dedicargli.
Lavorare quasi al buio
La tavolozza è deliberatamente ristretta. Van Gogh costruisce l’intero dipinto da variazioni su bruno, verde-nero e grigio, concedendosi solo il blu pallido dell’unica ciotola e il bianco osso delle tazze come sollievo. Entro quella gamma ristretta trova comunque un’intera scala di valori, dal quasi nero dello sfondo all’unico luminoso tocco di luce sul bordo del vaso di gres.
La pennellata è ampia e fisica. Stende il colore in tratti brevi e carichi che seguono la curva di ogni forma, più spessi e visibili sulla pentola e sul vaso illuminati, più sottili e sfumati nelle bottiglie in ombra e nello sfondo. Nulla è amalgamato fino a una finitura liscia; il colore conserva la traccia della mano che lo ha posato.
La luce entra dall’alto a sinistra e cade più forte sulla pentola di terracotta e sul vaso di gres, lasciando le bottiglie quasi in silhouette e il tavolo in una morbida penombra. Quella singola luce direzionale è ciò che tiene insieme sei oggetti separati come un unico gruppo anziché una fila di oggetti di scena da studio.
Uno studio che divenne un dipinto
Van Gogh dipinse molti gruppi simili a Nuenen, pochi dei quali destinati alla vendita. Erano esercizi: un modo per verificare fin dove il solo tono potesse portare peso, rotondità e distanza senza l’aiuto del contorno disegnato o del colore brillante. Natura morta con terraglie e bottiglie mostra quanto lontano quell’esercizio lo avesse già portato nel 1885, un anno prima della sua partenza per Anversa e poi Parigi, dove la sua tavolozza si sarebbe aperta completamente.
Ciò che sopravvive di quella disciplina è visibile qui nella sicurezza della modellazione: la pentola si legge come pesante e piena, le bottiglie come cave e leggere, il vaso come gres solido, tutto argomentato attraverso il solo colore anziché attraverso il dettaglio o l’ornamento. È un piccolo, semplice dipinto che chiede di essere letto lentamente anziché guardato di sfuggita.
In una stanza
Appeso in una cucina, in una sala da pranzo o in uno studio, questo dipinto si comporta meno come decorazione e più come un secondo tavolo, più silenzioso, nella stanza, abbastanza scuro da arretrare a distanza e abbastanza dettagliato da trattenere l’attenzione da vicino. Sotto una luce serale calda i bruni e i verdi si fanno ancora più profondi e la ciotola e il vaso pallidi sembrano farsi avanti; sotto una luce diurna più fredda gli stessi oggetti restano più indietro, e l’unica nota blu si legge più chiaramente.
È un dipinto che cambia con la luce stessa della stanza anziché combatterla, proprio come fa oggi l’originale nel Van Gogh Museum, dove è appeso tra gli altri studi di Nuenen che segnano l’inizio della sua carriera.
Altro da questa collezione
Porta questo quadro nella tua casa
Scegli una riproduzione a olio dipinta a mano per un vero lavoro a pennello, o una stampa artistica su tela per un'edizione fedele all'immagine del museo. Ogni dimensione conserva le proporzioni dell'originale.
Vedi quest'opera e le sue opzioni
Per approfondire
Verifica l'originale al Van Gogh Museum scheda della collezione e continua con le opere associate dal catalogo.