Natura morta con fiori di prato e rose: storia
Nei primi mesi del 1886 Vincent van Gogh lasciò Anversa per Parigi e si trasferì nell’appartamento di suo fratello Theo. Aveva trentatré anni, era in gran parte autodidatta e dipingeva ancora con la tavolozza scura e terrosa che aveva usato per le scene contadine di Nuenen. Parigi cambiò tutto questo nel giro di poche settimane.
Non aveva soldi per pagare modelle e aveva poca pazienza per chiedere agli sconosciuti di restare immobili, così si rivolse a ciò che era economico, paziente e sempre disponibile: i fiori recisi dal mercato. Nel corso del 1886 dipinse decine di nature morte floreali, usandole come un musicista usa le scale, per rieducare l’occhio e la mano a colori che prima aveva appena toccato.
Un bouquet troppo grande per il suo vaso
Natura morta con fiori di campo e rose, dipinto nel 1886, è uno dei più grandi e affollati studi floreali di quell’anno, misura 79 per 99 centimetri. La tela è quasi riempita da bordo a bordo da un’unica densa massa di fiori, così che il vaso che li contiene sembra quasi accessorio.
Un semplice vaso cilindrico verde pallido si trova appena a destra del centro, appena visibile sotto il peso di ciò che sostiene. Van Gogh non era interessato al contenitore. Voleva i fiori stessi, ammassati e sovrapposti, per occupare quasi tutta la superficie del quadro.
Cosa è stipato nel quadro
Papaveri rossi, con petali liberi e cartacei, si raggruppano nella metà superiore insieme a margherite bianche con centri giallo brillante e fiori più piccoli arancioni e gialli simili a calendule. Fili di piccoli fiordalisi blu attraversano la massa, spezzando i colori più caldi con accenti freddi e netti.
Vicino alla base del vaso il bouquet sembra traboccare. Rose rosa, pesanti e rotonde, si riversano in avanti con più margherite e fiori rossi sparsi, come se la composizione fosse diventata troppo piena per rimanere contenuta e si fosse espansa sulla superficie sottostante.
Gli steli e le foglie sono appena descritti. Van Gogh dà solo enough tocchi di verde e marrone per tenere insieme i fiori, mantenendo l’occhio sul colore e sulla massa piuttosto che sul dettaglio botanico.
Una tela divisa dalla luce
Lo sfondo è diviso in due. A sinistra, verdi pallidi e gialli si avvolgono e si schiariscono, quasi come un alone disegnato attorno al bouquet. A destra, il terreno diventa scuro, quasi nero, così i rossi e i bianchi dei fiori sembrano bruciare contro di esso.
Questo non è uno sfondo neutro. La metà scura spinge i fiori in avanti e dà ai rossi un peso extra, mentre la metà chiara lascia che le margherite bianche e i petali pallidi si dissolvano leggermente nel terreno dietro di loro. Lo stesso bouquet si legge in due modi diversi a seconda di quale lato l’occhio coglie per primo.
È un primo esempio del pensiero sul colore che Van Gogh avrebbe portato oltre entro un anno, una volta lasciata Parigi per il sud: caldo contro freddo, colore contrapposto al suo opposto per rendere entrambi più intensi.
Pittura stesa spessa e veloce
I fiori sono costruiti con pennellate cariche e visibili, non levigate o sfumate. Un singolo tocco di bianco con un po’ di giallo diventa una margherita; una torsione di rosso stesa su verde scuro diventa un papavero che cattura la luce. La pittura si deposita sulla tela con vero spessore, soprattutto nei petali pallidi e nelle rose rosa alla base.
Lavorare in questo modo a velocità si adattava al temperamento di Van Gogh e al suo soggetto. I fiori recisi appassiscono in pochi giorni, quindi un bouquet doveva essere dipinto rapidamente, e l’urgenza si mostra nella direttezza di ogni pennellata.
Su una parete, nella luce che cambia
Appeso in una stanza che riceve luce diurna, il quadro pende verso il suo lato sinistro pallido: i verdi e i gialli si sollevano, le margherite bianche restano nitide e il bouquet appare fresco e aperto. Sotto la luce di una lampada la sera, il lato destro scuro della tela si approfondisce e i rossi e i rosa brillano più come braci che come petali.
Visto da vicino, la superficie si rompe in macchie di colore libere, quasi astratte. Fai un passo indietro e quelle stesse macchie si risolvono in un riconoscibile, traboccante mazzo di fiori di campo e rose, come l’occhio effettivamente assembla un bouquet dall’altra parte di una stanza.
L’originale è appeso oggi al Kröller-Müller Museum, immerso nei boschi e nella brughiera dell’Hoge Veluwe nei Paesi Bassi, una casa adatta per un dipinto costruito interamente da ciò che cresce in un campo e da ciò che riempie un banco del mercato.
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