Natura morta con mazzo di margherite: La storia
Vincent van Gogh arrivò a Parigi nei primi mesi del 1886 senza avere quasi nulla di definito su come voleva dipingere. Si trasferì nell’appartamento di suo fratello Theo, abbandonò gli interni dai bruni torbidi su cui aveva costruito la sua reputazione a Nuenen e si mise a imparare il colore da zero. Natura morta con un mazzo di margherite, dipinta quello stesso anno, è uno dei risultati: una tela fatta non per essere venduta o mostrata, ma per essere elaborata, pennello in mano, finché qualcosa nel modo di vedere non fosse cambiato.
I fiori erano il soggetto più economico e più paziente a sua disposizione. Un mazzo comprato o raccolto manteneva la sua posa per qualche giorno, abbastanza a lungo per provare la stessa brocca e gli stessi fiori ancora e ancora, cercando come un verde si disponeva accanto a un altro. Decine di questi studi sopravvivono dal suo primo anno in città, e questa tela è tra essi, non firmata, non datata di mano dell’artista, appunti di lavoro più che una dichiarazione compiuta.
Ciò che distingue questo particolare dipinto è quanto poco prenda dalla Parigi più luminosa che presto avrebbe scoperto. Il colore è ancora vicino, ancora legato alla terra. Si legge come un quadro cardine, realizzato appena prima che la luce della città entrasse del tutto nel suo lavoro.
Una brocca affollata su un tavolo spoglio
Una singola brocca in gres, con fasce in verde più scuro, si erge leggermente a destra del centro su un piano del tavolo semplice. Dal suo collo stretto sale una massa densa e pesante di fiori, così piena che la brocca quasi scompare sotto il peso di ciò che sostiene.
Il mazzo mescola diversi tipi di fiori di fine estate. Margherite bianche e crema pallido si aprono con il viso piatto verso lo spettatore, piccole aster violacee e lilla si raggruppano a sinistra, e alcune corolle marrone scuro stanno semi-inghiottite nell’ombra verso il fondo della composizione.
In basso a sinistra, due o tre fiori giallo brillante simili a denti di leone sono caduti o sono stati posati sciolti sul piano del tavolo, del tutto separati dalla brocca. Sono la prima cosa che l’occhio cattura, prima di risalire nel groviglio di corolle più pallide sopra.
Dipingere quasi interamente in verde
Van Gogh colloca l’intera scena contro uno sfondo piatto verde oliva scuro, con un tavolo verde leggermente più chiaro sotto. Brocca, foglie, steli e sfondo stanno tutti dentro una stretta fascia della stessa famiglia di colore, così il quadro si tiene insieme come un unico spazio scuro e avvolgente, piuttosto che una stanza dai bordi definiti.
Contro quel tono basso, le corolle portano quasi tutta la luce del quadro. Ogni petalo è steso come una pennellata breve e carica, tamponata più che sfumata, che si irradia verso l’esterno da un centro più scuro in giallo, crema o rosa pallido.
Foglie e steli sono trattati più liberamente, trascinati e agganciati in segni più lunghi che descrivono la massa più che la forma individuale. Van Gogh non disegna tanto ogni stelo quanto la forma che l’intero mazzo crea contro la parete dietro di esso.
La tela stessa è piccola, 57,2 per 41,6 centimetri, vicina alle dimensioni del mazzo che mostra. Quella scala conta: questo è un quadro pensato per essere studiato a distanza di braccio, su un tavolo o un cavalletto, non guardato attraverso il pavimento di una galleria.
Un passo prima dei quadri parigini più luminosi
Entro circa un anno dalla realizzazione di questa brocca di margherite, Van Gogh avrebbe steso gialli cadmio puri e blu cobalto appresi dalle tele impressioniste e neo-impressioniste che vedeva nelle vetrine dei mercanti d’arte parigini. Quel cambiamento qui non è ancora avvenuto.
Ciò che questa natura morta mostra invece è il terreno preparatorio: un artista che restringe deliberatamente il suo soggetto a una singola brocca di fiori per potersi concentrare su nient’altro che le relazioni di colore, senza un paesaggio o una figura a distrarlo. L’oscurità della tavolozza non è timidezza, è controllo, un modo per verificare fin dove petali pallidi potessero essere spinti a brillare contro un campo di verde prima che il quadro smettesse del tutto di leggersi come un mazzo.
Il dipinto è oggi conservato dal Philadelphia Museum of Art, parte di una collezione pubblica dove può ancora essere visto e studiato di persona.
Come si legge su una parete
Con luce bassa o serale, il quadro si avvicina al monocromo, e le corolle sembrano emergere dal verde più che stargli davanti. Poco a poco, mentre l’occhio si adatta, i fiori marrone scuro e mauve sepolti nell’ombra diventano visibili.
Sotto una luce diurna più forte, la stessa tela si apre. La varietà che Van Gogh ha costruito dentro una gamma cromatica ristretta, i rosa, i lilla e i crema nascosti tra il giallo, diventa più facile da separare e seguire, e i due fiori sciolti sul piano del tavolo si fanno avanti rispetto al resto.
In entrambi i casi, ricompensa un secondo e un terzo sguardo più che una sola occhiata. Del resto, è per questo che è stato fatto: non un pezzo da esposizione finito, ma uno studio su quanto un pittore possa trovare in una comune brocca di fiori se continua a guardare.
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