Natura morta, Piatto con pane: storia, significato e pennellata
Parigi, 1887, e un cambio di dieta
Vincent van Gogh arrivò a Parigi all’inizio del 1886 per vivere con suo fratello Theo, un mercante d’arte i cui contatti con appartamenti e gallerie lo misero per la prima volta in contatto quotidiano con la pittura impressionista e neoimpressionista. Nel 1887 aveva trascorso un anno ad assorbire lezioni che non avrebbe potuto raggiungere nei Paesi Bassi.
Tra queste, la principale fu la scoperta che il colore stesso, non l’ombra bruna, poteva sostenere un quadro. Osservava Pissarro, Signac e altri scomporre la loro pittura in pennellate separate e visibili, e voleva provare la stessa cosa per sé, su qualunque cosa riuscisse a trovare.
I soldi scarseggiavano e i modelli disposti erano ancora più rari, così Van Gogh si rivolse a ciò che era già nell’appartamento: frutta comprata a poco prezzo, fiori recisi e pane. Natura morta, piatto con pane, dipinto nel 1887, appartiene a questa serie di quadri, realizzati non perché il pane portasse con sé una qualche grande simbologia, ma perché era lì, paziente, e libero da dipingere tutte le volte che voleva.
Una pagnotta non si stanca, non si lamenta e non chiede un compenso a ore. Gli permetteva di lavorare in fretta, verificando fino a che punto poteva spingere una ristretta serie di colori l’uno contro l’altro senza l’ulteriore pressione di dover azzeccare una somiglianza.
Pane su un piatto bianco
Il dipinto, registrato nel catalogo stesso del museo semplicemente come Natura morta, piatto con pane, è piccolo, 40 per 31,5 centimetri, e il suo soggetto entra facilmente in quella cornice. Un piatto porta due pezzi di pane: uno lungo e curvo, che si assottiglia fino a un’estremità imbiondata, l’altro tagliato corto così che il suo interno pallido e strappato sia rivolto verso lo spettatore.
Il piatto è bianco e ovale, leggermente inclinato così che il suo bordo lontano salga in vista, e poggia su un tavolo nudo dipinto in ocra calda con una sparsa di pennellate pallide, simili a graffi, in basso a sinistra, come se un panno o un pennello asciutto fosse stato trascinato sulla pittura fresca. Dietro, la parete è di un grigio-verde macchiato, pennellata in modo irregolare così che chiazze più scure si raccolgono come ombra senza descrivere nulla di specifico.
Non c’è tovaglia stesa, né coltello, né briciole sparse aggiunte per amore di una storia. Sono solo piatto e pane, isolati così che il quadro si legga come uno studio di una piccola, affine famiglia di toni piuttosto che come il resoconto di un pasto.
La grana del pennello
Guardata da vicino, la crosta del pane si rivela costruita con pennellate brevi e trascinate di ocra, arancio bruciato e bianco gessoso, stese una sopra l’altra così che i rilievi delle pieghe della pagnotta catturano la luce esattamente dove una crosta reale si creperebbe e si solleverebbe.
Van Gogh non fonde queste pennellate in una superficie liscia. Le lascia separate, quasi tratteggiate, così che la crosta si legga come luce spezzata piuttosto che come un oggetto descritto. Dove la pagnotta più lunga si arriccia su se stessa, un’ombra profonda di terra d’ombra e grigio-violetto si raccoglie nella piega.
Il piatto bianco non è trattato diversamente. Non è bianco piatto ma un misto di grigio freddo, ombra venata di blu e ocra calda riflessa dal tavolo, così che la porcellana non diventa mai spenta o gessosa.
Questa palette calda e ravvicinata è ciò che stava verificando quell’anno: una ristretta famiglia di ocre e bianchi neutri contrapposta a grigi più freddi, lavorata a fondo per vedere quanta vita si potesse trarre da una manciata di pigmenti senza ricorrere a un solo colore squillante.
Una piccola tela che regge il confronto
Appesa oggi, il dipinto resta vicino alla parete per dimensioni. A 40 per 31,5 centimetri, chiede di essere letto da pochi passi di distanza, la distanza alla quale le pennellate separate si risolvono nella lucentezza di una crosta e nella morbida cedevolezza di una pagnotta tagliata.
In luce diretta, le ocre e i bianchi caldi del pane si sollevano in avanti e la parete grigio-verde recede dietro di loro. In luce più opaca, il quadro si appiattisce verso un’unica foschia calda e le singole pennellate diventano più difficili da distinguere, forse più vicine a come Van Gogh stesso lo vedeva a lume di lampada nelle stanze di Theo.
Ricompensa quel tipo di sguardo che una cucina o una sala da pranzo invitano naturalmente: un’occhiata prima di sedersi, uno sguardo più lungo una volta che la stanza si è svuotata. Nulla in esso esige attenzione dall’altra parte di uno spazio: tutto in esso trattiene l’attenzione una volta che si è vicini.
L’originale rimane al Van Gogh Museum, piccolo, poco appariscente testimone di un anno in cui un pittore in gran parte autodidatta usò il cibo già sulla tavola per insegnare a se stesso come si comporta davvero il colore.
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