Ritratto di un Contadino (Patience Escalier): La Storia
Nell’estate del 1888, Vincent van Gogh si trovava ad Arles già da diversi mesi, inseguendo una luce che non aveva mai trovato a Parigi e un soggetto che non aveva ancora trovato da nessuna parte. Scrisse a suo fratello Theo del desiderio di dipingere la gente comune che lavora così come i pittori precedenti avevano un tempo dipinto i santi, non idealizzata ma elevata dal colore e dalla direttezza dell’attenzione dell’artista. Patience Escalier, un vecchio di campagna nei pressi di Arles, posò per lui quell’estate, e Van Gogh lo dipinse due volte.
Questo è il secondo dei due, la versione oggi conservata al Norton Simon Museum, ed è il più audace della coppia. Mentre il primo resta vicino alle ocre e ai rossi del suolo provenzale, questo spinge il dipinto verso il violetto e il blu, così che l’intera tela si legga come un unico contrasto deliberato: un volto bruciato e rubicondo posto contro un fondo freddo e irrequieto.
Un volto che l’artista scelse di trovare
Van Gogh non si limitò a registrare i lineamenti di Escalier. Cercava un tipo, il contadino come figura di resistenza, un uomo il cui volto era stato plasmato da decenni all’aperto piuttosto che da una singola seduta in studio. Quell’ambizione plasma ogni scelta del dipinto, dalla posa alla tavolozza.
Il modello riempie la tela vicino al piano del quadro, spalle larghe, testa leggermente chinata, occhi che incontrano lo spettatore senza addolcirsi. Non c’è paesaggio, non c’è attrezzo, non c’è indizio di un mestiere oltre al volto stesso dell’uomo, segnato dalle intemperie. Van Gogh elimina il dettaglio narrativo perché sia il carattere a sostenere l’intero dipinto.
Il cappello di paglia è la prima cosa che l’occhio incontra, la sua tesa curva verso il basso in ampie pennellate illuminate dal sole di giallo e ocra. Si posa come un secondo orizzonte sopra un volto che è il suo opposto in ogni modo: rosso profondo sugli zigomi, verdastro nelle cavità, una barba grigio-bianca che cattura la poca luce rimasta.
Fondo violetto, volto arancione
Lo sfondo è lavorato in pennellate brevi e spezzate di blu e violetto, stese in una trama incrociata che non si assesta mai in un colore piatto. Da lontano si legge come crepuscolo in ombra, anche se da vicino è costruito da decine di segni separati, ciascuno visibile e nessuno sfumato via.
Contro quel campo freddo, il volto e il collo portano il calore del dipinto: arancione, vermiglio, striature di verde nelle ombre sotto gli occhi. Van Gogh qui lavorava con i colori complementari nel senso più letterale, ponendo il blu contro l’arancione così che ciascuno intensifichi l’altro invece di annullarlo.
La giacca completa lo schema in un terzo registro, un turchese-verde consunto segnato da pennellate più chiare e più scure che seguono la caduta del tessuto sulle spalle. Una sciarpa annodata senza cura, a strisce di violetto, ocra e bianco, spezza la linea tra colletto e mento e dà alla metà inferiore del dipinto un punto su cui posarsi.
Pittura stesa come il tempo
Nulla in questa tela è levigato. La pennellata nel cappello corre in lunghi tratti paralleli che seguono la curva della paglia. Nella giacca i tratti diventano diagonali, quasi come pioggia, dando al tessuto un senso di peso e movimento che una tecnica più piatta non potrebbe mai ottenere.
Il volto è costruito più lentamente, in tocchi più brevi e sovrapposti che lasciano trasparire un colore attraverso l’altro. È questa stratificazione, rosso sotto verde sotto ocra, a dare alla pelle la sua qualità bruciata dal sole, quasi infiammata, come se la pittura stessa fosse stata lasciata troppo a lungo al sole.
Van Gogh firmò la tela semplicemente “Vincent” in arancione in alto a sinistra, un’abitudine di questi mesi ad Arles in cui dipingeva a un ritmo che lasciava poco tempo per qualsiasi cosa di più formale. La firma si posa leggera sul fondo violetto, quasi persa nella pennellata che la circonda.
Viverci insieme
Con le sue dimensioni di 54,6 per 64,1 centimetri, questo è un dipinto fatto per essere incontrato da vicino, non guardato attraverso una grande stanza. La scala mantiene il volto a grandezza naturale e vicino, così che lo sguardo del modello resti diretto ovunque la tela sia appesa.
La luce del giorno lo cambia considerevolmente. Sotto una luce morbida e indiretta il fondo violetto si approfondisce e l’arancione del volto sembra sollevarsi in avanti, i due colori che si tirano l’uno contro l’altro esattamente come Van Gogh intendeva. Sotto una lampada più calda la sera, il contrasto si addolcisce e l’intero dipinto si legge più vicino a un unico tono luminoso.
Premia una parete dove qualcuno starà davvero vicino, un corridoio, uno studio, un angolo di lettura, un luogo dove un volto così diretto possa essere incontrato invece che sbirciato dall’altra parte di una stanza. Il dipinto non si addolcisce con la familiarità. Lo sguardo di Escalier conserva lo stesso peso alla centesima visione come alla prima, che è precisamente l’effetto che Van Gogh cercava quando scelse di dipingere un contadino come se fosse un santo.
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