Tre paia di scarpe: storia, significato e pennellate
Vincent van Gogh arrivò a Parigi nei primi mesi del 1886 senza avere ancora le idee chiare su come volesse dipingere. Si trasferì da suo fratello Theo, un mercante d’arte con un alloggio vicino a Montmartre, e trascorse i due anni successivi assorbendo ciò che i pittori della città facevano con il colore e la luce. Il modo pesante e legato alla terra che aveva usato a Nuenen, il modo de I mangiatori di patate, era ancora vicino, ma stava iniziando ad allentarsi.
Nel mezzo di quella transizione continuava a tornare su un soggetto che non aveva nulla di alla moda: scarpe vecchie. Diversi dipinti di calzature consumate sopravvivono dal 1886, dipinti nel suo studio parigino anziché all’aperto, e Tre paia di scarpe è uno di questi. Misura 72,5 per 49,8 centimetri e ora appartiene agli Harvard Art Museums.
Scegliere gli stivali come soggetto, in un momento in cui avrebbe potuto inseguire i boulevard e i café-concert che attiravano altri pittori, dice qualcosa su dove fosse davvero la sua attenzione. Non era ancora pronto a lasciare andare il mondo del lavoro che aveva dipinto nella campagna olandese. Il cuoio vecchio gli dava un modo per restare fedele a quel mondo mentre sperimentava una mano più libera.
Sei stivali, un panno, un pavimento
Il dipinto contiene tre paia di scarpe, sei stivali in tutto, posati insieme su un panno pallido gettato su un pavimento di legno. Non sono disposti con alcuna formalità. Sembrano come se qualcuno li avesse appena tolti, o li avesse allineati per farli asciugare.
In primo piano una scarpa bassa marrone giace rovesciata su un lato, il laccio slacciato e penzolante sul panno. La sua linguetta consumata e la punta graffiata catturano la luce più diretta dell’intero quadro, ed è per questo che l’occhio tende a posarsi lì per primo.
Dietro di essa sta un paio più chiaro, il cui cuoio è diventato grigio e gessoso sulla punta dove la finitura si è consumata del tutto. Quella macchia pallida di cuoio consumato è uno dei passaggi osservati più da vicino nel quadro, costruito con piccoli tocchi anziché con un’unica pennellata.
A destra, un paio più alto di stivali stringati sale più in alto sulla tela rispetto agli altri, il loro cuoio quasi nero, uno stivale appoggiato all’indietro contro il suo compagno. La loro altezza e la loro oscurità ancorano la composizione e impediscono che la fila di scarpe si legga come una linea piatta.
Dietro tutti e sei, la parete è un campo grezzo di grigio, marrone e bianco striato, steso con gli stessi tocchi carichi del panno del pavimento. Non c’è finestra, non c’è porta, non c’è altro oggetto. Nulla nella stanza può competere con gli stivali per l’attenzione.
Il peso del colore
Van Gogh lavorò qui con una tavolozza ristretta: terra d’ombra e nero per il cuoio, ocra e grigio per la parete, un bianco sporco gessoso per il panno sotto tutto. È una gamma deliberatamente limitata, più vicina alla pittura tonale con cui era cresciuto che al colore più brillante che stava iniziando a vedere intorno a lui a Parigi.
Ciò che è già cambiato è la stesura. Il cuoio è costruito con brevi pennellate cariche che seguono le pieghe e le grinze reali del materiale anziché levigarle, e in alcuni punti il colore sporge dalla tela abbastanza da catturare ombre reali sulla sua superficie.
La luce proviene dall’alto a sinistra e cade in modo irregolare lungo la fila, mettendo in evidenza la punta consumata dello stivale centrale e il laccio sciolto in primo piano mentre lascia gli stivali a destra quasi nell’oscurità. Quella caduta irregolare della luce è ciò che dà alla fila il suo senso di profondità, poiché i sei stivali sono altrimenti vicini per tono e dimensione.
Cosa si chiede alle scarpe vecchie di contenere
Van Gogh tornò alle scarpe consumate abbastanza spesso nel corso del 1886 che il soggetto significava chiaramente qualcosa al di là della convenienza. Il cuoio vecchio porta la forma di un piede e il segno di anni di cammino in un modo che pochi altri oggetti quotidiani fanno, ed egli dipinse quel segno con la stessa serietà che aveva un tempo riservato ai volti dei contadini di Nuenen.
Nessuna figura appare nel dipinto, eppure gli stivali sono inconfondibilmente segnati dall’uso. Ogni paio ha la sua usura, il suo modo di posarsi sul panno, così che l’assenza di chi li indossa diventa parte di ciò che il quadro rappresenta anziché un vuoto in esso.
Su una parete, nella luce che cambia
Appeso in una stanza con luce diurna che muta, questo è un dipinto che continua a rivelare sempre di più della sua superficie. In luce piatta gli stivali si leggono per lo più come forme scure e vicine per tono; quando la luce radente attraversa la tela in diagonale, l’impasto nel cuoio e la parete striata dietro di esso si sollevano in rilievo, e la pennellata diventa tanto il soggetto quanto le scarpe stesse.
Ricompensa quel tipo di sguardo che una visita rapida a una galleria raramente consente: stare abbastanza vicino da vedere come la punta consumata di uno stivale sia stata costruita pennellata dopo pennellata, poi fare un passo indietro per osservare sei oggetti ordinari ricomporsi in un’unica, silenziosa natura morta.
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