Ulivi su una collina: storia, significato e pennellate
Nel maggio 1889 Vincent van Gogh si fece ricoverare nell’ospedale psichiatrico di Saint-Paul-de-Mausole, ai margini di Saint-Rémy-de-Provence, sperando che un periodo di quiete e sorveglianza lo stabilizzasse dopo la crisi ad Arles. Per le prime settimane gli fu consentito l’accesso solo al giardino recintato e ai campi immediatamente intorno all’edificio, e fu lì, tra i boschetti terrazzati che salgono lungo i pendii dietro l’ospedale, che trovò il soggetto che lo avrebbe occupato per il resto di quell’anno.
Gli ulivi erano ovunque in quel paesaggio, e van Gogh vi tornò più e più volte nell’estate e nell’autunno del 1889, dipingendoli a ore diverse e con climi diversi finché il boschetto divenne quasi un motivo privato, come il cipresso lo era già diventato. Uliveto su una collina, dipinto quell’anno, è una tela di questo sforzo continuo, un piccolo olio di 40 per 33,5 centimetri che concentra l’intero soggetto in un’unica veduta ripida e ravvicinata.
Una collina senza cielo
In questo quadro non c’è orizzonte e non c’è cielo. Van Gogh ha inclinato l’intera scena verso l’alto e verso l’interno, così che lo spettatore guarda verso il basso e di traverso un pendio di terrazze invece che verso un paesaggio lontano. L’effetto è più vicino a una parete di terra striata che a una veduta convenzionale, con le terrazze che si sovrappongono in fasce di rosso ruggine, ocra e verde dal bordo inferiore a quello superiore.
Un sentiero in verde pallido e ocra taglia in diagonale la metà inferiore della tela, curvando verso destra come se il terreno stesso si stesse piegando. Nell’angolo in basso a destra, un gruppo di fogliame verde alto e appuntito ancora la composizione e dà un senso di scala rispetto agli ulivi più piccoli sparsi sul pendio sovrastante.
Due arbusti si staccano completamente dal motivo, con il fogliame reso in giallo brillante invece che nei verdi-blu degli ulivi intorno a loro, uno vicino all’angolo in alto a sinistra e uno in basso nel primo piano centrale. Che siano ginestre, scope o un’altra pianta fiorita, si leggono come punti deliberati di calore contro un pendio altrimenti costruito con verdi e rossi più freddi.
Dove si posa prima lo sguardo
Poiché quasi tutto il resto del quadro si colloca in una ristretta gamma di verde, verde-blu e rosso mattone, quei due arbusti gialli sono ciò che l’occhio incontra per primo. Attirano l’attenzione verso il basso attraverso la composizione, dall’angolo in alto a sinistra al primo piano inferiore, prima che il resto del boschetto si imponga.
Superato il giallo, l’occhio si posa sugli ulivi stessi, dipinti non come esemplari individuali con tronchi e rami definiti ma come gruppi compatti di pennellate ricurve, virgole di colore verde scuro e grigio-blu raccolte in chiome arrotondate. Sono disposti liberamente lungo ogni terrazza, più ritmo che registrazione, ripetendosi a dimensioni leggermente diverse mentre il pendio si allontana.
La terra tra gli alberi porta tanta vivacità quanto il fogliame. Van Gogh la lavorò con brevi pennellate direzionali di bordeaux, ruggine e ocra che seguono l’inclinazione di ogni terrazza, così che il terreno stesso sembra arato dal pennello invece che semplicemente colorato.
Colore steso come il tempo
La stesura è ovunque rapida e fisica. Le pennellate di pigmento stanno vicine, a volte sovrapponendosi bagnato su bagnato, e linee di contorno scure in blu-nero delineano il bordo di una chioma o la curva di un sentiero senza mai fissarsi in contorno fine a se stesso.
Il colore fa il lavoro che altrimenti farebbe la modellazione. I rossi ruggine della terra esposta avanzano, i verdi-blu del fogliame arretrano, e i sentieri ocra infilano una nota più chiara tra i due, dando al pendio un senso di profondità anche senza un orizzonte con cui misurarla.
Nulla nella superficie pittorica è liscio. I rilievi di olio denso catturano la luce in modo diverso a seconda di dove si trova lo spettatore, così lo stesso passaggio di terreno può apparire secco e screpolato da un’angolazione e quasi liquido da un’altra.
Un soggetto a cui tornava continuamente
Van Gogh considerava gli uliveti un contraltare ai cipressi che aveva dipinto da quando era arrivato in Provenza, un’altra forma che stava al posto del sentimento invece di descrivere semplicemente un luogo. In una lettera scritta quell’anno descrisse il suono degli alberi come qualcosa che gli era rimasto: ‘il fruscio di un uliveto,’ scrisse, ‘ha qualcosa di molto segreto, e immensamente antico.’
Fu attratto dall’ulivo come soggetto in parte per la sua lunga associazione con la storia della regione e con le Scritture, senza mai dipingerlo come illustrazione. Il carattere nodoso e antico degli alberi, e il modo in cui interi uliveti erano rimasti su questi pendii per generazioni, diedero al soggetto un peso che un singolo albero non avrebbe potuto portare da solo.
Uliveto su una collina è oggi conservato nel Van Gogh Museum, insieme ad altri dipinti di questa stessa campagna di lavoro continuativa a Saint-Rémy, un corpus di quadri che insieme traccia quanto diversamente potesse dipingere gli stessi pendii a seconda della luce e del suo stato d’animo quel giorno.
Su una parete, nel corso della giornata
Riprodotto in grande formato e appeso in una stanza, il dipinto si comporta diversamente a seconda della luce che vi cade sopra. La luce del mattino fa emergere i rossi ruggine delle terrazze, facendo sembrare la terra quasi calda contro il fogliame più freddo. Più tardi nella giornata, quando la luce si appiattisce, i verdi-blu delle chiome degli ulivi vengono invece in avanti e il quadro si acquieta in qualcosa di più silenzioso.
Merita di essere guardato da vicino tanto quanto attraverso una stanza. Da vicino, la superficie si scompone nelle singole pennellate che hanno costruito gli alberi e il terreno; facendo un passo indietro, quelle stesse pennellate si risolvono in un pendio che sembra, come voleva van Gogh, muoversi ancora.
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