Un paio di scarpe (1887): storia, significato e pennellate
Parigi, e un cambio di soggetto
Nel 1887 Vincent van Gogh viveva a Parigi da circa un anno, condivideva un appartamento con il fratello Theo e lavorava sulle idee che aveva trovato tra gli Impressionisti e i pittori più giovani che incontrava nello studio di Fernand Cormon. La sua tavolozza si schiariva e la sua pennellata diventava più corta e più frammentata, e sperimentava ciò che aveva imparato su qualunque cosa gli stesse davanti.
Le scarpe furono uno di quei soggetti. Tornò più volte in questo periodo su stivali consumati e zoccoli, posandoli su un tavolo o sul pavimento dello studio e dipingendoli come se fossero modelli piuttosto che oggetti di scena. Un paio di scarpe, datato 1887 e firmato in basso a destra, appartiene a quel piccolo gruppo.
Non c’è nulla di costruito nella disposizione. Gli stivali sembrano posati più che composti, uno appoggiato su un fianco, l’altro in posizione verticale con i lacci allentati, come se qualcuno li avesse appena tolti.
Uno stivale in piedi, uno aperto
Lo stivale in posizione verticale è rivolto quasi direttamente verso lo spettatore, il cuoio consumato fino a una lucentezza opaca sulla punta e profondamente piegato sul collo del piede. I lacci pendono sciolti, con le estremità della corda che ricadono verso il bordo inferiore della tela.
Accanto, il secondo stivale giace su un fianco, con la suola rivolta verso l’esterno, così che una fila di chiodi di ferro conficcati nel cuoio cattura la luce in piccoli e separati tocchi di bianco e ocra. La fodera esposta si mostra in ruggine caldo e marrone chiaro, in contrasto con il nero-bruno delle tomale.
Dietro entrambi, la linguetta di una terza apertura si solleva rigidamente, un triangolo di pelle chiara che si legge quasi come una piccola bandiera contro il cuoio più scuro che lo circonda. Van Gogh dedica a questo dettaglio la stessa attenzione che riserva agli stivali stessi, dipingendone il bordo sfilacciato con gli stessi tratti brevi e indagatori che usa dovunque.
L’ambientazione è lasciata deliberatamente sobria. Una superficie scura e maculata, a metà tra parete e pavimento, chiude la metà superiore della tela, mentre gli stivali poggiano su un passaggio di blu profondo che potrebbe essere assi del pavimento o ombra.
Cuoio in blu e ruggine
Il dipinto lavora su una gamma ristretta e sobria: blu-nero, terra d’ombra e un ruggine caldo che si accende nella suola esposta e nella fodera strappata. Contro una combinazione così contenuta, anche una piccola macchia di arancione si legge come un evento.
Van Gogh costruì il cuoio con tratti brevi e trascinati che seguono le pieghe degli stivali invece di levigarle, così che la pittura stessa sembra incrinarsi e piegarsi come fa il cuoio vecchio. I chiodi sulla suola sollevata sono posati come tocchi separati di pigmento, quasi contabili, ciascuno che cattura la luce in modo diverso dai vicini.
Lo sfondo è trattato più liberamente, con un’applicazione strofinata e tratteggiata che gli impedisce di competere con gli stivali pur dando alla tela una superficie irrequieta. Nulla nel dipinto è liscio; persino il fondo blu porta creste di pittura visibili.
Con 41,5 per 34 centimetri, la tela è abbastanza piccola perché questa condotta si legga come uno studio ravvicinato fatto a distanza ravvicinata, non come una grande dichiarazione.
Un piccolo dipinto con una lunga vita successiva
Van Gogh non spiegò mai cosa significassero per lui questi stivali, e nessuna lettera sopravvive che nomini questa particolare tela. Ciò che è certo è che continuò a tornare sul motivo, e che scrittori successivi, tra cui filosofi, avrebbero trattato i suoi dipinti di scarpe come un caso di studio su quanta emozione possa portare un oggetto semplice.
Qualunque cosa gli stivali abbiano un tempo portato, camminando o lavorando, è lasciato allo spettatore da fornire. Van Gogh dà solo l’oggetto, osservato da vicino, e si fida che sia sufficiente.
Il Baltimore Museum of Art conserva ora il dipinto, catalogato lì con il suo titolo originale, Pair of Shoes, A, una formulazione invertita tipica dell’indicizzazione museale più che un cambiamento all’oggetto semplice e consumato che nomina.
Su una parete
Appeso all’altezza degli occhi, il dipinto ricompensa il tipo di sguardo con cui è stato fatto: lento e ravvicinato, disposto a seguire una singola piega o una fila di chiodi invece di cogliere tutto lo stivale in una volta. La luce del mattino evidenzia le creste di pittura sul fondo blu; alla luce di una lampada la stessa superficie si appiattisce e la fodera color ruggine invece brilla.
Si inserisce facilmente tra altre nature morte da cucina e da sala da pranzo, ma chiede a una stanza qualcosa di diverso da quello che fa una ciotola di frutta. È un dipinto sul lavoro e sull’usura, e custodisce quell’atmosfera con discrezione, senza insistere su di essa.
Altro da questa collezione
Porta questo quadro nella tua casa
Scegli una riproduzione a olio dipinta a mano per un vero lavoro a pennello, o una stampa artistica su tela per un'edizione fedele all'immagine del museo. Ogni dimensione conserva le proporzioni dell'originale.
Vedi quest'opera e le sue opzioni
Per approfondire
Verifica l'originale al Baltimore Museum of Art scheda della collezione e continua con le opere associate dal catalogo.