Vaso con oleandri: storia, significato e tecnica pittorica
Nell’estate del 1888 Vincent van Gogh viveva ad Arles da diversi mesi, lavorando a un ritmo che allarmava persino lui. Era venuto nel Sud inseguendo una luce e un colore che non riusciva a trovare a Parigi, e i fiori gli offrivano un soggetto a cui poteva tornare più e più volte senza aspettare un modello o una stagione. Natura morta: Vaso con oleandri, dipinto quell’anno, appartiene a questa serie di opere, un quadro realizzato rapidamente, da una pianta che poteva tagliare in giardino e mettere su un tavolo prima che i fiori appassissero.
Un ramo reciso portato in casa
L’oleandro fiorisce nei mesi più caldi e continua a fiorire quando piante più delicate si arrendono, e van Gogh vi tornò più di una volta quell’estate. Era attratto da soggetti che andavano avanti nonostante tutto, e un arbusto che fioriva nel caldo che lui trovava opprimente si adattava all’umore delle sue lettere di quel periodo, piene di urgenza e con poca pazienza per qualsiasi cosa che non reggesse sotto pressione.
Non c’è qui alcun apparato da natura morta oltre alla brocca e ai fiori stessi. Nessuna frutta, nessun drappeggio, nulla preso in prestito da un armadio di oggetti da studio. Si legge come il lavoro di un singolo pomeriggio, tagliato, disposto e dipinto prima che la luce cambiasse.
Questa immediatezza è parte di ciò che rende il quadro, di 36 per 56 centimetri, più grande di quanto le sue dimensioni suggeriscano. La composizione percorre tutta l’altezza della tela, con i fiori che arrivano quasi al bordo superiore, così l’occhio sale lungo il quadro come salirebbe lungo una pianta reale lasciata in piedi in una stanza.
Cosa sta sul tavolo
Una brocca di gres contiene la composizione, il suo corpo invetriato di un blu-nero profondo e fasciato da volute ocra disinvolte, quel tipo di terraglia quotidiana che van Gogh continuava a usare perché gli piacevano il suo peso e il suo colore contro i fiori. Lo smalto si assottiglia verso un verde pallido vicino alla base, e un manico ricurvo si protende da un lato, cogliendo una linea di luce calda lungo il suo bordo.
Dal collo della brocca l’oleandro sale in un grappolo aperto, leggermente disordinato. Grappoli di fiori rosa e rosso corallo affollano la metà superiore della tela, alcuni completamente aperti, altri ancora chiusi come boccioli, con un rametto sciolto di fiori che si stacca verso destra come se la composizione fosse semplicemente stata posata invece che composta.
Foglie scure a forma di lancia si intrecciano lungo gli steli in un verde profondo, quasi nero in alcuni punti, dando ai fiori rosa qualcosa contro cui spingere. Alcuni steli nudi attraversano il collo della brocca ad angoli strani, quel tipo di dettaglio che sopravvive solo quando un pittore lavora dall’oggetto che ha davanti invece di riordinarlo.
Van Gogh firmò la tela in basso a sinistra, solo il suo nome di battesimo, con la stessa mano disinvolta che usava in tutti i quadri di Arles.
Il colore che porta il peso
Lo sfondo è di un blu piatto, leggermente grigiastro, vicino nel tono alla brocca stessa, ed è questa vicinanza che permette ai rosa e ai rossi dei fiori di avanzare così nettamente. In basso, il tavolo è reso in un crema caldo e gessoso, così l’intera tela si divide in due ampi campi di colore con la natura morta in equilibrio sulla giuntura.
Van Gogh in questi anni leggeva attentamente la teoria del colore, e il quadro lo mostra nella pratica più che in qualsiasi diagramma. Rosso e verde stanno agli estremi opposti della ruota, e qui sono spinti l’uno contro l’altro a piena intensità, i fiori e le foglie che si contendono la stessa attenzione invece che uno semplicemente decorare l’altro.
Nulla nel quadro è mescolato a un tono intermedio neutro. Persino il lato in ombra della brocca porta un blu saturo invece di un grigio, il che mantiene l’intera superficie vibrante invece di acquietarsi.
La mano dietro il colore
Il colore stesso è carico e lavorato fresco, steso in pennellate brevi e decise che seguono la direzione di ogni petalo e foglia invece di riempire un contorno. Guardando da vicino la brocca, la pennellata diventa quasi calligrafica, linee ocra trascinate sul fondo blu per suggerire il motivo dello smalto senza descriverlo in alcun dettaglio reale.
I fiori sono costruiti allo stesso modo, ogni corolla è una manciata di pennellate cariche invece di una forma sfumata, così il quadro conserva la sua energia anche da vicino. Van Gogh non era interessato a levigare la superficie fino a renderla liscia. Voleva i segni visibili, prova di una mano che si muoveva veloce mentre la luce e i fiori tenevano ancora.
Fai un passo indietro e le pennellate si risolvono in petali e foglie; avvicinati e si separano di nuovo in gesti grezzi e individuali. Questo slittamento è parte di ciò che mantiene il quadro attivo invece che acquietato, ed è una delle qualità più difficili da rendere in una riproduzione, poiché dipende da colore reale che sporge da una superficie reale.
Su una parete, nel corso della giornata
Un quadro costruito con così tanto colore saturo si comporta diversamente a seconda della luce che vi cade sopra. Alla luce diretta del giorno i rosa e i rossi avanzano quasi aggressivamente, con lo sfondo blu che si ritira dietro di essi. Sotto la luce di una lampada la sera la stessa tela si ammorbidisce, il contrasto tra fiore e sfondo si restringe finché la brocca e i suoi fiori sembrano più una singola massa calda.
È un quadro adatto a una stanza dove succede qualcosa nelle vicinanze, una cucina, un tavolo da pranzo, un angolo vicino a una finestra, piuttosto che a uno spazio destinato alla contemplazione silenziosa dall’altra parte della stanza. La scala della pennellata premia la vicinanza, e il soggetto, una brocca di fiori recisi su un tavolo, è abbastanza domestico da stare comodamente in uno spazio realmente usato per mangiare e riunirsi piuttosto che in uno messo da parte puramente per guardare.
Ciò che offre, ovunque sia appeso, è il senso di una pianta colta in un momento particolare invece che di una composizione pensata per la permanenza. I fiori furono tagliati, messi in acqua e dipinti prima che potessero appassire, e quell’urgenza è ancora lì nel colore più di un secolo dopo.
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