Vaso Giapponese con Rose e Anemoni: La Storia
All’inizio dell’estate del 1890 Vincent van Gogh si era stabilito nel piccolo villaggio di Auvers-sur-Oise, a nord di Parigi, sotto la cura informale del dottor Paul Gachet. Aveva lasciato il manicomio di Saint-Remy solo poche settimane prima, e dipingeva a un ritmo che ancora stupisce: una tela quasi ogni giorno, a volte due. Tra i campi e i tetti di paglia che dominano quest’ultima esplosione di lavoro, si voltò anche, più di una volta, verso qualcosa di più a portata di mano e molto più modesto: fiori recisi posti in un vaso su un tavolo in interno.
Natura morta: vaso giapponese con rose e anemoni, dipinta quell’estate e ora nella collezione del Musée d’Orsay, è una di queste immagini d’interno. Misura solo 52 per 51,7 centimetri, quasi quadrata, abbastanza piccola da essere stata finita in una sola seduta continuata.
Un’ultima estate trascorsa vicino a casa
Le lettere di Van Gogh da Auvers descrivono lunghe giornate di lavoro e un irrequietezza che non si placava mai del tutto, anche mentre trovava il villaggio e i suoi dintorni genuinamente coinvolgenti. I fiori gli offrivano qualcosa che i campi di grano non potevano: il controllo totale sulla disposizione, sulla luce e sui rapporti di colore nell’arco di un solo pomeriggio.
Aveva dipinto fiori prima, a Parigi e ad Arles, sempre come un modo per testare colore contro colore senza le complicazioni di una scena più ampia. Ad Auvers questa abitudine riemerge in una manciata di dipinti, di cui questo è uno dei più compiutamente elaborati.
Non c’è prova di un’occasione speciale dietro questo particolare bouquet. Si legge invece come una sessione di lavoro: rose e anemoni comprati o recisi, disposti rapidamente e dipinti prima che appassissero.
Un vaso portato da un’altra tradizione
Il contenitore stesso non è incidentale. È alto, sfaccettato e verde pallido, i suoi lati angolari segnati da un motivo scuro e sinuoso che richiama le ceramiche decorate che Van Gogh aveva collezionato e copiato fin dai suoi anni a Parigi, dove studiò a fondo le stampe giapponesi su blocchi di legno.
Non viaggiò mai in Giappone, ma descriveva la luce e la chiarezza che associava all’arte giapponese come qualcosa che inseguiva nel sud della Francia. Qui quel debito emerge direttamente, in un oggetto più che in un paesaggio: un bouquet europeo che sta in un recipiente plasmato da una tradizione che ammirava da lontano.
Il vaso è posto in basso nella composizione, il suo verde scuro è un saldo ancoraggio sotto una massa di colore più pallido sopra. Tutto ciò che l’occhio fa dopo è governato da ciò che ne emerge.
Colore ammassato e colore lasciato libero
Il bouquet stesso è denso: anemoni azzurri e bianchi con centri quasi neri si affollano contro rose bordeaux profondo, fiori giallo burroso e rose color avorio e rosa blush. Van Gogh ha stipato i fiori stretti insieme, così che il colore incontra il colore con quasi nessun fogliame verde a separare un fiore dal successivo.
Contro questo, la parete dietro è mantenuta quasi neutra, un grigio-bianco pallido lavorato in pennellate brevi e irrequiete che si leggono come texture più che come sfondo piatto. Il tavolo sotto è un arancione caldo e ininterrotto, ed è questo singolo colore forte, più dei fiori stessi, che trascina l’intero quadro in equilibrio.
A destra del vaso un singolo fiore sciolto giace separato dal resto, una rosa pallida posata piatta sul piano del tavolo con alcune foglie verdi sparse vicino. È una piccola, deliberata interruzione in una disposizione altrimenti strettamente raccolta, e dà all’occhio un luogo dove riposare una volta che ha viaggiato attraverso la folla di colore sopra.
Come fu trattata la pittura stessa
Van Gogh lavorò questa tela in pennellate brevi e cariche, ogni petalo costruito da due o tre tocchi decisi del pennello piuttosto che da sfumature fuse. Da vicino gli anemoni in particolare si risolvono in segni distinti di blu, bianco e nero, posti fianco a fianco e lasciati mescolare nell’occhio piuttosto che sulla tavolozza.
Anche lo sfondo non è una superficie di riposo. Il suo tratteggio diagonale mantiene l’intera metà superiore della tela in un quieto movimento, così che persino la parte più vuota del dipinto ha un battito.
Niente qui sembra faticoso o corretto. Il quadro ha la direttezza di qualcosa dipinto in fretta, nelle ore in cui un fiore reciso mantiene ancora la sua forma, e quell’urgenza è visibile in ogni pennellata.
Cosa dà il dipinto a una stanza
Appeso all’altezza degli occhi, questo è un quadro che ricompensa sia la distanza che la vicinanza. Da un capo all’altro di una stanza il tavolo arancione e il bouquet stipato si leggono come un’unica massa calda; avvicinandosi, lo stesso passaggio si scompone in dozzine di pennellate individuali e non fuse di colore.
La luce del mattino fa emergere il calore del tavolo e delle rose gialle; nella luce bassa della sera vengono invece avanti i blu e i centri quasi neri degli anemoni, e l’intero equilibrio della composizione cambia. Pochi still lifes cambiano così visibilmente con l’ora.
Chiede di essere guardato più di una volta, e raramente appare due volte allo stesso modo.
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