Veduta di un Fiume con Barche a Remi: La Storia
Parigi, 1887, e il richiamo del fiume
Nel 1887 Vincent van Gogh era a Parigi da quasi un anno, condivideva le stanze con il fratello Theo e stava elaborando lo shock di tutto ciò che la città gli aveva mostrato. Era arrivato dipingendo ancora nella tavolozza scura e terrosa di Nuenen e Anversa. Nel giro di pochi mesi si trovò accanto a Signac e Bernard davanti ai cavalletti allestiti sulla riva del fiume, a osservare cosa poteva fare il colore spezzato alla luce del giorno.
La Senna a nord-ovest della città, intorno a Asnières e Clichy, era diventata un ritrovo del fine settimana per rematori, gitanti e pittori. Van Gogh vi si recò più volte quell’anno, attratto meno dalla folla del tempo libero che dall’acqua stessa, dalle barche ormeggiate, dalla luce piatta sul terreno aperto. Veduta di un fiume con barche a remi, dipinta nel 1887 e misurante 65 per 52 centimetri, appartiene a quella serie di tele fluviali.
Segna un metodo di lavoro oltre che un soggetto. Anziché comporre una scena a memoria in studio, si sistemava vicino alla riva e dipingeva ciò che aveva direttamente davanti, l’ormeggio, l’alzaia, il cielo che premeva su entrambi. Il quadro si legge come un resoconto dello sguardo, realizzato rapidamente, in una sola seduta prolungata.
Una riva che taglia la tela in due
La composizione ruota attorno a un’unica diagonale: una pallida alzaia sabbiosa che corre dall’angolo inferiore destro verso il centro della tela, separando l’acqua grigio-blu sulla sinistra da una striscia d’erba e alberi sulla destra. Nient’altro nel quadro è decisivo quanto questa linea. È ciò che l’occhio segue per primo, prima di posarsi altrove.
Lungo quella riva, una fila di barche sta ormeggiata una dopo l’altra, i loro scafi dipinti in arancione caldo e rosso contro l’acqua più fredda. Un’imbarcazione più grande, con lo scafo scuro e un albero nudo che si innalza verso il cielo, ancora il piano intermedio e dà alla fila di piccole imbarcazioni qualcosa attorno a cui raccogliersi.
In primo piano, in basso a sinistra, altre due barche a remi sono state tirate sulla sabbia, le loro poppe tagliate dal bordo della tela. Sono vuote. Nessun rematore, nessun passeggero, nessuna figura turba la quiete dell’ormeggio, il che dà alla scena la sensazione di un luogo colto tra un uso e l’altro piuttosto che di un luogo in uso.
Luce senza sole
Il cielo occupa quasi metà della tela, dipinto in morbidi passaggi di grigio, azzurro pallido e bianco sporco, lavorati con brevi pennellate spezzate che suggeriscono nuvole alla deriva senza mai descrivere precisamente la forma di una singola nuvola. Non c’è sole visibile, nessuna ombra proiettata a fissare l’ora. La luce è uniforme, coperta, del tipo che appiattisce un paesaggio e lascia che sia il colore a fare il lavoro che altrimenti farebbe il contrasto.
L’acqua risponde al cielo allo stesso modo. È costruita dalla stessa famiglia di blu e grigi, spezzata da strascichi di verde e tocchi di pigmento più scuro dove la corrente o un riflesso passeggero disturba la superficie. Nulla nell’acqua è fermo; il pennello continua a muoversi anche dove il soggetto non lo fa.
Sull’altra sponda del fiume, la riva lontana si dissolve nella foschia, una bassa linea di alberi, un agglomerato di tetti e quello che potrebbe essere un campanile, tutto ridotto a tocchi morbidi e asciutti di pittura che non si risolvono mai in dettaglio architettonico. La distanza qui è gestita come perdita di definizione piuttosto che come cambiamento di scala, il che è più vicino a come l’occhio sperimenta realmente un fiume ampio in una giornata grigia.
Pittura trattata come colore, non come descrizione
Il pennello di Van Gogh è più attivo lungo la riva vicina, dove brevi trattini verticali di verde, rosa e ocra sostituiscono l’erba e i bassi fiori selvatici che crescono sul bordo dell’acqua. Queste pennellate non descrivono singoli steli quanto piuttosto si accumulano nella texture di una riva incolta all’inizio dell’estate.
La tavolozza sull’intera tela resta vicina a una gamma ristretta e meditata: rosa tenui e ocra sabbiosi nel sentiero, grigi-blu nel cielo e nell’acqua, rossi e arancioni spenti concentrati nelle barche. Nulla è saturo o forzato. Il colore tiene insieme perché si ripete in piccole quantità su tutta la superficie piuttosto che perché un singolo passaggio sia luminoso.
Non c’è alcun aneddoto dipinto nella scena, nessuna figura che rema, ripara reti o passeggia sul sentiero. Il soggetto è l’ormeggio stesso, vuoto e quieto, e il quadro chiede di essere letto attraverso la sua lavorazione della pittura piuttosto che attraverso qualsiasi storia che vi accada dentro.
Su una parete, in luce mutevole
Appeso in una stanza che riceve luce naturale ordinaria, questo è un quadro che cambia con l’ora senza mai richiedere attenzione. I suoi grigi e i blu tenui si posano tranquilli sotto una luce coperta e si scaldano leggermente sotto la luce di una lampada la sera, il sentiero ocra raccoglie qualunque calore offra la stanza.
Ciò che resta costante è il richiamo di quella riva diagonale, che riporta l’occhio verso l’acqua ogni volta che la si guarda di sfuggita invece che pienamente. È un dipinto costruito esattamente per quel tipo di attenzione, breve e ripetuta, il modo in cui un fiume visto da una finestra viene guardato nel corso degli anni piuttosto che studiato una volta sola.
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