Autoportret w słomkowym kapeluszu i z fajką: historia
Wiosną 1887 roku Vincent van Gogh mieszkał w Paryżu już od ponad roku, dzieląc mieszkanie z bratem Theo przy Rue Lepic na Montmartre. Przybył z Antwerpii, malując w ciemnej, ziemistej palecie tradycji holenderskiej; w ciągu kilku miesięcy pracował u boku artystów pochłoniętych impresjonizmem i pointylistycznymi eksperymentami Georges’a Seurata i Paula Signaca. Autoportret w słomkowym kapeluszu z fajką, namalowany w tym roku i mierzący skromne 31,5 na 41,5 centymetra, jest jednym z najwyraźniejszych zapisów utrwalania się tej zmiany.
Malowanie siebie, by oszczędzić pieniądze
Van Gogha nie było stać na regularne opłacanie zawodowych modeli, więc uczynił lustro najpewniejszym modelem swojej pracowni. W ciągu dwóch lat w Paryżu namalował siebie ponad dwadzieścia razy, wykorzystując każde płótno jako miejsce testowania koloru, techniki pędzla i nastroju bez kosztu i komplikacji związanych z zatrudnieniem obcego człowieka, by siedział nieruchomo.
Słomkowy kapelusz, który tu nosi, nie był rekwizytem pracowni, lecz częścią jego własnej garderoby, takim kapeluszem, jaki robotnik lub wieśniak mógłby nosić dla ochrony przed słońcem. W zestawieniu z modnym niebieskim płaszczem i fajką zaciśniętą między zębami przedstawia siebie gdzieś pomiędzy wiejskim malarzem, którym był w Nuenen, a miejskim nowoczesnym artystą, którym stawał się w Paryżu.
Twarz pod słomkowym kapeluszem
Kapelusz wypełnia znaczną część górnej połowy płótna, a jego rondo zbudowane jest z krótkich, suchych pociągnięć bladej żółci i kremu, które chwytają resztki światła. Pod nim twarz van Gogha odwraca się lekko na bok, podczas gdy jego blade niebieskie oczy patrzą prosto na widza, nadając portretowi bezpośredniość graniczącą z konfrontacją.
Jego broda i wąsy są położone ochrą i rdzą, poprzetykane pociągnięciami różu i bieli, które podążają za wzrostem włosów, zamiast wygładzać je w płaską masę. Blada gliniana fajka spoczywa między jego wargami, jej cybuch przecina jasną ukośną linię przez dolną połowę twarzy, a mała ciemna główka wisi tuż pod brodą.
Jego ramiona okrywa luźny płaszcz, zbudowany z długich, łamanych pociągnięć kobaltu i łupku, które ciemnieją do niemal czerni przy kołnierzu. Za nim tło nie oferuje żadnego pejzażu ani mebli, jedynie zmienny obszar ciemnoniebiesko-brązowy i ślady zielono-czarne, które nie dają mu przestrzeni do stania poza samym płótnem.
Kolor wydobyty z ciemnego podłoża
To, co sprawia, że obraz działa, to kontrast, który van Gogh buduje między tym niemal czarnym tłem a bladą żółcią kapelusza, zestawienie przeciwieństw, które studiował w teorii koloru krążącej wśród jego paryskich przyjaciół. Zamiast gładko mieszać farbę, kładzie ją osobno, widocznymi pociągnięciami, pozwalając żółci sąsiadować z zielenią, a błękitowi z brązem, tak że powierzchnia nigdy do końca się nie uspokaja.
To nie jest nałożona, rzeźbiarska farba jego późniejszych prac z Arles, lecz coś bardziej badawczego, płótno, na którym można obserwować, jak testuje, jak daleko może posunąć kolor, zanim podobieństwo się rozpadnie. Skóra jego twarzy nosi ślady zieleni i fioletu w cieniach, obserwację zapożyczoną od impresjonistów, a nie od jakiegokolwiek holenderskiego nauczyciela.
Przyjrzyj się uważnie splotowi płótna pod farbą, a zobaczysz, jak cienko niektóre fragmenty są położone, w miejscach prześwituje podłoże. To metoda pracy, nie wykończone przedstawienie, zapis malarza uczącego się nowego języka pociągnięcie po pociągnięciu.
Małe płótno na długie patrzenie
Mając zaledwie 31,5 na 41,5 centymetra, obraz jest wystarczająco mały, by stać na sztaludze w ciasnym pokoju na Montmartre, i ta intymność nigdy go nie opuściła. Zawieszony na wysokości oczu w gabinecie lub przedpokoju, domaga się czytania z bliska, z mniej więcej tej samej odległości, z jakiej sam van Gogh sprawdzałby swoje odbicie podczas malowania.
W świetle dziennym żółć kapelusza wysuwa się do przodu, a płaszcz cofa się w ciemne tło za nim, tak że twarz zdaje się unosić. W świetle lampy wieczorem ten kontrast łagodnieje, tło traci ostatnie błękity, a cały obraz czyta się cieplej, bliżej ochry i brązu jego wcześniejszych prac holenderskich.
Oryginał wisi dziś w Van Gogh Museum w Amsterdamie, obok wielu innych autoportretów z tych paryskich lat, gdzie czyta się go jako jedną klatkę znacznie dłuższego ciągu samobadania. Oglądany osobno, z dala od tego ciągu, wciąż broni się jako pojedynczy, ostry akt patrzenia: relacja jednego człowieka o własnej twarzy, osiągnięta pociągnięcie po pociągnięciu.
Więcej z tej kolekcji
Zabierz ten obraz do siebie
Wybierz ręcznie malowaną reprodukcję olejną, jeśli zależy Ci na prawdziwej fakturze pędzla, albo archiwalny wydruk na płótnie – ostrą edycję z muzealnego zdjęcia. Każdy format zachowuje oryginalne proporcje.
Zobacz to dzieło i opcje
Dalsza lektura
Zweryfikuj oryginał w źródle: Van Gogh Museum rekord kolekcji, a potem przejdź do powiązanych dzieł w katalogu.