Autoportret w słomkowym kapeluszu: historia i znaczenie
W 1887 roku Vincent van Gogh przebywał w Paryżu nieco ponad rok, dzieląc mieszkanie z bratem Theo przy Rue Lepic, a pieniądze na wynajmowanych modeli rzadko wystarczały na więcej niż bochenek chleba. Problem ten rozwiązał tak, jak często robił: ustawił lustro i namalował siebie. Autoportret w słomkowym kapeluszu, datowany na 1887 rok, jest jednym z efektów tego nawyku, niewielkim płótnem, które ukazuje go w trakcie eksperymentu, a nie pozującego dla potomności.
Lata paryskie miały znaczenie, ponieważ niemal z dnia na dzień zetknęły go z malarzami, których ledwie znał w Holandii, od Pissarra po krąg wokół Seurata. Ten obraz, obecnie w kolekcji Muzeum Van Gogha, ukazuje malarza wciąż ustalającego, co ich przykład oznaczał dla jego własnej ręki.
Twarz odwrócona w bok, nie ku widzowi
Głowa wypełnia większość niewielkiego płótna o wymiarach 31 na 41 centymetrów i odwraca się nieco od środka, tak że oczy spotykają widza pod kątem, a nie na wprost. Ten lekki obrót sprawia, że obraz nie czyta się jak zwykłe sprawdzenie w lustrze.
Szeroki słomkowy kapelusz osadzony jest nisko na głowie, a jego korona i rondo zbudowane są z krótkich, zakrzywionych pociągnięć żółci, ochry i jaśniejszej kremowej barwy tam, gdzie światło pada na splot. Rondo rzuca miękki cień na górną połowę twarzy, tak że czoło pozostaje w chłodniejszej barwie, podczas gdy policzki i nos niosą ciepło bezpośredniego światła.
Pod kapeluszem czerwono-złota broda i wąsy, kładzione luźnymi pociągnięciami skierowanymi ku górze, otaczają usta utrzymane w płaskiej, zamkniętej linii. Oczy, w bladym niebiesko-szarym odcieniu, są jedynym obszarem prawdziwego bezruchu na płótnie, utkwione w czymś tuż za ramieniem widza, a nie w samym widzu.
Błękit odpowiadający żółci
Van Gogh zbudował cały obraz na jednym kontraście barwnym: ciepłej żółci kapelusza przeciw tłu wykonanemu w całości w błękitach, kładzionych krótkimi ukośnymi pociągnięciami, które biegną niemal jak linie grzebienia przez płótno. Ciemniejsze akcenty morskiej zieleni i zieleni rozbijają to błękitne pole, tak że nigdy nie osiada w płaskiej plamie.
Jego marynarka należy do tej samej rodziny błękitów co tło, tak że płaszcz niemal się w nim rozpuszcza, a jedynie blada zielonkawa krawatka u szyi i wąski pasek białego kołnierzyka oddzielają postać od gruntu. Ta bliskość odcieni wygląda na zamierzoną, to rodzaj zestawienia żółci z błękitem, którego paryscy malarze, od których się uczył, używali, by płótno zdawało się wibrować, a nie stać w miejscu.
Nigdzie na powierzchni kolor nie jest wygładzony. Każde pociągnięcie pozostaje widocznie sobą, ustawione obok sąsiada, a nie z nim zlane, tak że farba zachowuje delikatne migotanie nawet wtedy, gdy obraz ogląda się z drugiego końca pokoju.
Farba jako zapis szybkości
Pociągnięcia pędzla są krótkie i powtarzalne, a nie długie i opisowe, i van Gogh nie stara się ich ukryć. Pociągnięcia w kapeluszu biegną w jednym kierunku, pociągnięcia w tle w innym, pociągnięcia w brodzie w trzecim, tak że obraz czyta się niemal jak diagram ręki, która go stworzyła.
Ta bezpośredniość wynikała tyleż z konieczności, co z ambicji. Praca z własnego odbicia oznaczała pracę szybką, zanim poza lub światło się zmieniły, a szybkie, osobne ślady farby są po części zapisem tej pilności.
W 1887 roku była to już także ustalona metoda, a nie przypadek. W całej serii paryskich autoportretów, których ten jest jednym z wielu, van Gogh używał własnej twarzy raz po raz, by sprawdzić, jak daleko mogą posunąć się rozbity kolor i krótkie, kierunkowe pociągnięcia, zanim podobieństwo ustąpi miejsca samej farbie.
Niewielkie płótno, które wypełnia pokój
Przy 31 na 41 centymetrów oryginał jest skalą zbliżony do dużej książki, stworzony do spotkania z bliska, a nie do czytania z drugiego końca sali. Odtworzony w tym rozmiarze lub większym, zachowuje tę samą bliskość: kapelusz i oczy pozostają pierwszym, co zauważa pokój.
Poranne światło zwykle spłaszcza błękity w jedno ciche pole, tak że żółty kapelusz czyta się niemal samotnie na tle ściany za nim. Wieczorne światło lub światło lampy ociepla te same błękity w stronę fioletu i wydobywa zieleń z krawatki, tak że obraz zmienia nastrój, choć ani jedno pociągnięcie się nie zmienia.
Stały pozostaje kąt spojrzenia. Gdziekolwiek obraz wisi, to spojrzenie w bok wciąż spotyka każdego, kto wchodzi do pokoju, pod kątem, nigdy całkiem na wprost, co jest częścią tego, dlaczego nagradza drugie i trzecie spojrzenie, zamiast osiadać po pierwszym.
Więcej z tej kolekcji
Zabierz ten obraz do siebie
Wybierz ręcznie malowaną reprodukcję olejną, jeśli zależy Ci na prawdziwej fakturze pędzla, albo archiwalny wydruk na płótnie – ostrą edycję z muzealnego zdjęcia. Każdy format zachowuje oryginalne proporcje.
Zobacz to dzieło i opcje
Dalsza lektura
Zweryfikuj oryginał w źródle: Van Gogh Museum rekord kolekcji, a potem przejdź do powiązanych dzieł w katalogu.