Autoportret w szarym filcowym kapeluszu: historia i znaczenie
Zimą 1887 roku Vincent van Gogh mieszkał w Paryżu od blisko dwóch lat, dzieląc ciasne mieszkanie przy Rue Lepic ze swoim bratem Theo. Pieniędzy było mało, a zawodowe modelki kosztowały więcej, niż mógł sobie pozwolić, więc zrobił to, co już zaczął robić w tym roku: ustawił małe płótno, przysunął lustro i namalował własną twarz.
Do miasta przybył, wciąż pracując w ciemnej, ziemistej palecie lat holenderskich. W ciągu kilku miesięcy, dzięki kontaktom Theo oraz pracowniom i kawiarniom Montmartre’u, poznał Signaca, Bernarda i Toulouse-Lautreca, zobaczył kropkowane płótna Seurata i zaczął sam testować nowe teorie koloru, na jedynym modelu, który nigdy nie przysłał rachunku.
Głowa otoczona błękitem i oranżem
Tło tego małego płótna nie stoi w miejscu. Wiruje w ciasnych koncentrycznych łukach kobaltu i turkusowego błękitu, nakrapianych kreskami przypalonego oranżu, które zdają się wirować na zewnątrz zza głowy portretowanego jak aureola uchwycona w połowie obrotu.
Van Gogh zbudował to pole z krótkich, przecinkowatych pociągnięć pędzla układanych obok siebie, a nie mieszanych, więc oranż i błękit wciąż działają przeciw sobie nawet z odległości. Błękit i oranż leżą naprzeciw siebie na kole barw, a umieszczone tak krawędź przy krawędzi nie chcą się ułożyć: efektem jest tło, które brzęczy, zamiast się cofać.
Twarz nosi ten sam niepokój. Ochra, blada żółć, zielona szałwia i rdza są nakładane krótkimi ukośnymi pociągnięciami, które podążają za strukturą kości policzkowej, brwi i szczęki, więc sama farba zdaje się modelować kość pod sobą. Nic na tej powierzchni nie jest wygładzone; każda płaszczyzna twarzy jest zbudowana z widocznych, kierunkowych śladów.
Szary filc na tle kobaltu
Nad tą niespokojną twarzą osadzony jest szary filcowy kapelusz, który daje obrazowi jego nazwę, a jego rondo malowane jest pociągnięciami bladej szałwii, lawendy i matowej bieli, które łapią chłodniejsze światło niż ciepłe kolory poniżej. To zwyczajny kapelusz, taki, jaki pracujący paryżanin mógłby nosić bez zastanowienia, lekko odsunięty do tyłu, tak że cała twarz pozostaje otwarta dla widza.
Poniżej kołnierza niebieska kurtka z ciemniejszymi pasami zamyka się nad białą koszulą i luźno zawiązaną chustą, malowanymi tymi samymi szybkimi, równoległymi pociągnięciami, które wypełniają tło, tak że postać i otoczenie dzielą jeden ciągły rytm śladów. Ubranie czyta się jako skromne i przyzwoite, a nie modne, strój człowieka z niewielkimi pieniędzmi, który jednak dbał o to, by wyglądać porządnie.
Jednak to, co jako pierwsze przyciąga wzrok, to spojrzenie. Oczy są chłodne, szarozielone, osadzone pod ciężkimi brwiami, i patrzą prosto z płótna z równą, nieustępliwą bezpośredniością, której otaczający kolor niczym nie łagodzi.
Twarz zastępująca modela
Van Gogh namalował ponad dwadzieścia autoportretów podczas swoich dwóch lat w Paryżu, a praktyczna potrzeba była częścią powodu: lustro i płótno nie kosztowały nic poza jego własną cierpliwością, w czasach gdy wynajęcie modela choćby na popołudnie było luksusem. Ale te sesje stały się także laboratorium, sposobem na wypróbowanie rozbitego, rozdzielonego sposobu malowania neoimpresjonistów na temacie, który znał lepiej niż jakikolwiek inny.
Seurat i Signac pracowali z drobnymi, równymi kropkami nakładanymi z niemal naukowym dystansem, budując formę poprzez optyczne mieszanie z ostrożnym oddaleniem od tematu. Van Gogh pożyczył ten słownik, rozdzielone dotknięcia kolorów dopełniających, ale popchnął sam ślad dalej: dłuższy, bardziej naglący, podążający za emocją twarzy, a nie za ustalonym systemem. Rezultat czyta się jako osobisty tam, gdzie neoimpresjonistyczne obrazy, które go zainspirowały, czytają się jako wyliczone.
W tym momencie swojego pobytu malował szybko i nieustannie, chłonąc nowy sposób widzenia koloru niemal w czasie rzeczywistym. Ten portret sytuuje się blisko końca tej paryskiej nauki, tuż przed tym, jak opuścił miasto dla Arles na początku 1888 roku w poszukiwaniu silniejszego światła i tańszego życia.
Przechowywany w Muzeum Van Gogha w Amsterdamie
Oryginał mierzy 37,5 na 44 centymetry, dość mały, by powstać podczas jednej wytrwałej sesji przed lustrem w tym mieszkaniu na Montmartrze. Obecnie należy do Muzeum Van Gogha w Amsterdamie, będąc częścią głębokiej kolekcji jego autoportretów z tych paryskich lat.
Ta skromna skala ma znaczenie przed płótnem. Nie ma dystansu, w który można się cofnąć; twarz wypełnia ramę w rozmiarze bliskim naturalnemu, a otoczone tło napiera wokół niej, więc spotkanie wydaje się bezpośrednie, a nie wyreżyserowane.
Zawieszony na ścianie w domu, obraz zachowuje ten sam niepokój. Poranne światło wydobywa chłodne błękity tła i kapelusza; cieplejsze światło lampy wieczorem wysuwa na przód oranże i ochry twarzy, więc to samo płótno zdaje się zmieniać swoją temperaturę w ciągu dnia. Oczy, gdziekolwiek pada światło, wciąż patrzą prosto w pokój.
Więcej z tej kolekcji
Zabierz ten obraz do siebie
Wybierz ręcznie malowaną reprodukcję olejną, jeśli zależy Ci na prawdziwej fakturze pędzla, albo archiwalny wydruk na płótnie – ostrą edycję z muzealnego zdjęcia. Każdy format zachowuje oryginalne proporcje.
Zobacz to dzieło i opcje
Dalsza lektura
Zweryfikuj oryginał w źródle: Van Gogh Museum rekord kolekcji, a potem przejdź do powiązanych dzieł w katalogu.