Cesarzowe korony w miedzianym wazonie: historia i znaczenie
Na początku 1887 roku Vincent van Gogh mieszkał ze swoim bratem Theo na Montmartre, spędzając dni w towarzystwie malarzy, których twórczość ledwie znał dwa lata wcześniej. Pissarro, Signac i krąg wokół Seurata rozkładali kolor na osobne nici, a Van Gogh, obserwując, dyskutując i malując razem z nimi, zaczął używać ściętych kwiatów jako swojego laboratorium. Były tanie, nie narzekały, że muszą siedzieć nieruchomo, i pozwalały mu testować jedną kombinację kolorów przeciw drugiej bez presji portretu na zamówienie czy pejzażu, który trzeba było znaleźć i do którego trzeba było podróżować.
Bukiet jako problem koloru
Szachownice w miedzianym wazonie należy do tego ciągu martwych natur z kwiatami z 1887 roku, namalowanych w momencie, gdy Van Gogh był mniej zainteresowany kwiatami jako kwiatami niż tym, co się działo, gdy jeden odcień został mocno zestawiony z innym. Szachownice cesarskie, z ich ciężkimi, dzwonkowatymi głowami, dały mu masę ciepłego pomarańczu i ochry, którą mógł przeciwstawić czemuś chłodnemu.
Nie musiał podróżować, aby znaleźć ten motyw, ani czekać, aż pogoda będzie sprzyjać. Wazon, stół i popołudnie wystarczyły, a ta praktyczna swoboda jest częścią tego, dlaczego z tego jednego roku jego życia zachowało się tak wiele płócien ze ściętymi kwiatami.
Co stoi na stole
Sam wazon to zaokrąglony miedziany garnek, szeroki u podstawy i zwężony przy szyjce, jego metalowa powierzchnia zbudowana z krótkich muśnięć ochry, oliwki i matowego złota, które chwytają i tracą światło, gdy oko przesuwa się w dół jego krzywej. Wyrasta z niego gęsty pęk szachownic cesarskich, ich pomarańczowe i żółto-pomarańczowe dzwonki zwisają w dół na cienkich łodygach ponad wachlarzem długich, kolczastych zielonych liści.
Jedna kwitnąca łodyga odrywa się od głównego pęku i opada w lewo, prawie całkowicie poza wazon, jej blade kwiaty chwytają światło na tle ciemnego gruntu. To niewielka asymetria, która powstrzymuje bukiet przed czytaniem się jako schludny, zrównoważony układ, i nadaje kompozycji poczucie rośliny wciąż zachowującej się jak roślina, a nie jak ustawiona martwa natura.
Poniżej stół jest pokryty krzyżującymi się pociągnięciami ochry, różu i zieleni, tkaną lub prążkowaną powierzchnią oddaną szybko, w wyraźnym kontraście do gładszego opracowania miedzi powyżej. Sygnatura znajduje się w lewym górnym rogu, na cętkowanym niebieskim polu.
Pomarańcz na tle błękitu
Tło jest miejscem, gdzie obraz wykonuje swoją prawdziwą pracę. Van Gogh nałożył głęboki niebieski grunt, a następnie pokrył go rozsypanymi małymi kropkami i krótkimi kreskami w jaśniejszym błękicie i bieli, polem, które raczej brzęczy niż leży płasko, a na jego tle pomarańcz kwiatów czyta się z o wiele większą siłą, niż gdyby był na zwykłej ścianie.
Pomarańcz i błękit leżą naprzeciwko siebie na kole barw, a Van Gogh czytał dokładnie o tego rodzaju zestawieniu w tych paryskich latach, testując w farbie to, z czym spotykał się w rozmowie i w swojej lekturze teorii koloru. Kropkowane opracowanie tła pokazuje również, jak wypróbowywał technikę bliską łamanemu kolorowi neoimpresjonistów, nie przyjmując jednak ich ścisłego systemu w całości.
Rezultatem jest płótno, na którym kwiaty zdają się wysuwać do przodu, a tło zdaje się wibrować, zamiast spokojnie się cofać, dzięki czemu cała powierzchnia pozostaje aktywna od krawędzi do krawędzi.
Sama farba
Z bliska pociągnięcia pędzla zmieniają charakter z jednej części płótna na drugą. Płatki są zbudowane z naładowanych, pewnych pociągnięć, które podążają za krzywą każdego dzwonkowatego kwiatu, liście są nałożone szybkimi liniowymi muśnięciami, które strzelają na zewnątrz od łodyg, a miedziany wazon jest opracowany krótszymi, bardziej zamierzonymi muśnięciami, które opisują jego zaokrągloną metalową formę.
To farba używana jednocześnie opisowo i ekspresyjnie. Pociągnięcia nie tylko wypełniają lokalny kolor, niosą kierunek i nacisk ręki, która je wykonała, co jest częścią tego, dlaczego obraz wciąż wydaje się bezpośredni ponad sto lat później.
Przy 60 na 76 centymetrów płótno jest wystarczająco bliskie rozmiarów rzeczywistych w swoich głównych elementach, że bukiet ma prawdziwą obecność, zamiast być małym dekoracyjnym detalem. Nagradza taki rodzaj bliskiego patrzenia, do jakiego zaprasza reprodukcja na ścianie, gdzie widz może podejść, aby zobaczyć pociągnięcia pędzla, i odsunąć się, aby zobaczyć, jak cały układ osiada na swoim miejscu.
Na ścianie
Zawieszony w pokoju ze zmieniającym się światłem dziennym, obraz zbudowany na tak dużym kontraście wciąż się przesuwa. Poranne światło wyciągnie niebieskie pole do przodu i pozwoli pomarańczowym kwiatom pozostać ciepłymi i osobnymi na jego tle, podczas gdy światło lampy wieczorem złagodzi ten kontrast i pozwoli miedzianemu wazonowi świecić bardziej niż otaczającym go kwiatom.
To obraz, który prosi, by patrzeć na niego więcej niż raz dziennie, co jest częścią tego, co odróżnia dobrą martwą naturę od dekoracji wybranej, a potem już nigdy naprawdę nieoglądanej. Szachownice w miedzianym wazonie są dziś przechowywane w Musée d’Orsay w Paryżu, mieście, w którym Van Gogh namalował go w 1887 roku, opracowując na płótnie zestaw relacji kolorów, które miał ze sobą zabrać do słynniejszych obrazów, które jeszcze miały powstać.
Więcej z tej kolekcji
Zabierz ten obraz do siebie
Wybierz ręcznie malowaną reprodukcję olejną, jeśli zależy Ci na prawdziwej fakturze pędzla, albo archiwalny wydruk na płótnie – ostrą edycję z muzealnego zdjęcia. Każdy format zachowuje oryginalne proporcje.
Zobacz to dzieło i opcje
Dalsza lektura
Zweryfikuj oryginał w źródle: Musée d'Orsay rekord kolekcji, a potem przejdź do powiązanych dzieł w katalogu.