Maki: historia, znaczenie i technika malarska
Paryż, nie Arles
Vincent van Gogh dotarł do Paryża wczesną wiosną 1886 roku i zamieszkał u swojego brata Theo, handlarza dzieł sztuki, który go karmił, dawał mu dach nad głową i utrzymywał go na bieżąco ze wszystkim, co nowe w paryskich pracowniach. Do 1887 roku był już głęboko w towarzystwie malarzy, którzy przepracowywali impresjonistyczną barwę i surowszą, punktową metodę Georges’a Seurata i Paula Signaca. Jego własna paleta, w holenderskich latach matowa i przyziemna, zmieniała się szybko.
Nie czekał na pejzaż ani na chętnego modela, żeby sprawdzić to, czego się uczył. Kupował lub zrywał kwiaty, stawiał je w tym wazonie, który miał pod ręką, i malował je za jednym posiedzeniem, raz po raz, przez cały ten rok w Paryżu.
Maki, jego pierwotny i właściwy tytuł, jest jednym z efektów tego nawyku. Namalowany w 1887 roku i mierzący 54 na 65 centymetrów, to niewielkie, szybkie, skoncentrowane dzieło raczej niż wykończona kompozycja, rodzaj płótna, które artysta tworzy, aby przekonać się, co robi dany kolor, zanim zaufa mu w czymś większym.
Co wypełnia wazon
Ciemny, gliniany dzban, przysadzisty i o okrągłym brzuścu, stoi tuż obok środka na nagim blacie stołu. Wyrasta z niego gęsta, niemal przerosła masa małych żółtych kwiatów, stłoczonych tak ciasno, że poszczególne kwiaty zlewają się w jeden świecący klaster na tle otaczającej ciemności.
Dwa czerwone maki przerywają to żółte pole. Zwisają nisko po lewej stronie bukietu, jeden niemal wyprostowany, drugi wygięty tak mocno, że jego główka opada poniżej krawędzi wazonu, a ich płaska, nasycona czerwień to jedyna ciepła nuta, która nie jest żółta, w całym obrazie.
Tło nie daje kwiatom z czym się ścigać. Jest namalowane w niemal czarnych brązach i głębokich bordach, płaskie i bez detali, tak że całe życie w obrazie, każdy pyłek koloru i każdy grzbiet farby, musi dziać się wewnątrz samego bukietu.
Blat stołu poniżej ma ciepły, suchy ochrowy odcień, usiany kilkoma luźnymi żółtymi płatkami, które odpadły od kompozycji. To drobny, prosty detal, ale osadza wazon i daje oku miejsce na odpoczynek, zanim wspina się z powrotem w kwiaty.
Gdzie Van Gogh pozostawił widoczny pędzel
Przyjrzyj się żółtym główkom, a farba staje dumnie ponad płótnem. Van Gogh zbudował każdy klaster płatków z krótkich, naładowanych pociągnięć, kładzionych jedno przy drugim bez większego mieszania, tak że sama powierzchnia ma fakturę bliską fakturze kwiatów, które przedstawia.
Łodygi i liście są zrobione szybciej, w ciemniejszej, rzadszej zieleni, która czyta się jak skrót, a nie opis. Nie próbował zarejestrować każdego liścia; próbował utrzymać kształt całego bukietu razem, podczas gdy żółć wykonywała prawdziwą pracę.
Dwa maki są potraktowane jeszcze inaczej, luźniejszymi, bardziej płynnymi pociągnięciami, które pozwalają czerwieni leżeć cienko i nieco przejrzyście nad podłożem pod spodem. Ta różnica w dotyku, ciasnym i grubym dla żółci, luźnym i cienkim dla czerwieni, łatwo umyka w reprodukcji i jest jedną z rzeczy wartych zobaczenia w oryginalnym malarstwie.
W lewym dolnym rogu, na wpół zgubiony na tle ciemności, znajduje się jego podpis, Vincent, jedyne imię, którego używał na swoich obrazach od tego okresu wzwyż.
Żółć przed Arles
W następnym roku Van Gogh opuściłby Paryż dla Arles i namalowałby słoneczniki, które uczyniły żółć jego znakiem firmowym w świadomości publicznej. Maki pokazują go, jak dociera do tego koloru rok wcześniej, w paryskim dziele kwiatowym raczej niż w południowym polu, sprawdzając, jak daleko żółć może sama nieść obraz.
Zwisające maki powstrzymują obraz przed byciem jedynie studium jednego koloru. Zestawione z tak dużą ilością wyprostowanej, ciasno upakowanej żółci, ich wygięte łodygi i cięższa czerwień czytają się jako mała nuta ciężaru i schyłku w obrazie, który poza tym pcha się w górę i na zewnątrz.
Obraz znajduje się obecnie w kolekcji Muzeum Mohameda Mahmouda Khalila, którego zbiory łączą francuskie dzieła impresjonistyczne i postimpresjonistyczne zgromadzone w Kairze. To jeden z relatywnie nielicznych obrazów Van Gogha przechowywanych poza Europą i Ameryką Północną.
Na ścianie w domu
Niemal czarne tło wokół kwiatów sprawia, że ten obraz działa z bliska, w pokoju, a nie przez galeryjną salę. W słabym lub wieczornym świetle ciemność niemal zanika do zera, a żółty bukiet zdaje się trzymać własne światło, świecąc, a nie tylko będąc oświetlonym.
W świetle dziennym to samo płótno czyta się inaczej: ochrowy blat stołu i bordowe podtony w tle wysuwają się naprzód, a czerwone maki przestają być małym akcentem i zaczynają pierwsze przyciągać wzrok.
Przy 54 na 65 centymetrów to obraz zbudowany dla pokoju, w którym naprawdę spędzasz czas i patrzysz z bliska, sypialni lub cichego kąta, a nie holu przeznaczonego do oglądania w przelocie. Nagradza patrzenie więcej niż raz, w różnym świetle, o różnych porach, tak jak sam Van Gogh musiał na niego patrzeć, gdy wciąż sprawdzał, co potrafi żółć.
Więcej z tej kolekcji
Zabierz ten obraz do siebie
Wybierz ręcznie malowaną reprodukcję olejną, jeśli zależy Ci na prawdziwej fakturze pędzla, albo archiwalny wydruk na płótnie – ostrą edycję z muzealnego zdjęcia. Każdy format zachowuje oryginalne proporcje.
Zobacz to dzieło i opcje
Dalsza lektura
Zweryfikuj oryginał w źródle: Mohamed Mahmoud Khalil Museum rekord kolekcji, a potem przejdź do powiązanych dzieł w katalogu.