Kołysanka (Madame Roulin): historia, znaczenie i technika malarska
Pod koniec grudnia 1888 roku Vincent van Gogh właśnie przetrwał najcięższe załamanie w swoim życiu. Boże Narodzenie spędził w szpitalu w Arles, dochodząc do siebie po kryzysie, który zakończył jego miesiące wspólnej pracy z Paulem Gauguinem, a wśród nielicznych osób, którym ufał przez tę zimę, byli miejscowy pracownik poczty Joseph Roulin i jego żona Augustine. Roulin siedział przy nim w najgorszych chwilach; para miała w domu nowo narodzoną córkę. Gdy Van Gogh był już na tyle zdrowy, by znów trzymać pędzel, zwrócił się ku twarzy Augustine i wciąż do niej wracał.
Wynik nazwał La Berceuse, kobieta, która kołysze kolebkę, i przez kolejne miesiące namalował pięć blisko spokrewnionych wersji Augustine Roulin, 1851 do 1930, siedzącej ze sznurem niewidocznej kolebki w dłoniach. To płótno jest datowane na 1889 rok i mierzy 73,7 na 92,7 centymetra. Obecnie znajduje się w Metropolitan Museum of Art.
Augustine Roulin, w bezruchu
Siedzi niemal zwrócona wprost do widza, dłonie złożone na kolanach wokół plecionego białego sznura, który biegnie w dół poza ramy obrazu, do kolebki, której nigdy nie widzimy. Jej zielona kurtka jest wysoko zapięta i ciemna przy kołnierzu, a spódnica w jaśniejszej, niebieskawej zieleni układa się wokół niej w luźnych fałdach. Jej rude włosy są ciasno spięte z tyłu, a twarz, oświetlona ciepłą żółcią i złotem, przechyla się lekko w dół, oczy opuszczone, zamiast spotykać nasze.
W obrazie nie ma ruchu, a jednak jego sednem jest kołyszący rytm, który musimy sobie wyobrazić, pociągnięcie tego sznura powtarzane gdzieś poniżej ramy, raz po raz, w ciemności. Van Gogh daje jej zamiast tego bezruch: ciężki, osiadły spokój, dłonie w spoczynku, usta zamknięte. Czyta się to jako portret kogoś, kto utrzymuje pokój w uciszeniu.
Ściana farby za nią
Za Augustine Van Gogh wypełnił górne dwie trzecie płótna wymyśloną przez siebie tapetą kwiatową, ciemna butelkowa zieleń usiana małymi pomarańczowymi kropkami i wijącymi się pnączami w jaśniejszej żółtozielonej barwie. Z tego tła wyrastają duże, swobodnie malowane dalie i chryzantemy w bieli, różu i łososiowym odcieniu, każda położona kilkoma grubymi, zdecydowanymi pociągnięciami, a nie jako studium botaniczne.
Kwiaty nie układają się tak, jak powtarza się prawdziwa tapeta. Gromadzą się mocniej po lewej stronie, przerzedzają wokół jej ramion i pojawiają się ponownie w prawym górnym rogu w ostatniej luźnej wiązce, tak że wzór wydaje się wyrastać, a nie być drukowany, żywy, a nie dekoracyjnym wypełnieniem.
Poniżej tło gwałtownie opada do płaskiej, gorącej czerwieni pomarańczowej, barwy kafelkowej podłogi i drewnianego fotela, w którym siedzi. Poręcz fotela, rzeźbiona i prosta, nosi podpis Van Gogha i datę, namalowane bezpośrednio na drewnie, jak gdyby podpisywał mebel, a nie obraz.
Zieleń przeciw czerwieni, pomarańcz przeciw bieli
Van Gogh pracował tej pierwszej zimy po Arles w spłaszczonym, wysokim stylu, do którego dążył pod wpływem japońskich drzeworytów, kładąc każdy obszar obrazu jako jedną śmiałą barwę ograniczoną ciemnym konturem, a nie modelowaną stopniowym światłem i cieniem.
Całe płótno zbudowane jest z par dopełniających, mocno zderzanych ze sobą: zieleń jej kurtki przeciw czerwieni podłogi, pomarańcz jej włosów przeciw chłodnej zieleni tapety, białe kwiaty przeciw niemal czarnemu cieniowi. Nic nie jest zmieszane do kompromisu; każda barwa pozostaje czysta i zostaje pozostawiona, by spierać się z sąsiadką.
Sama farba jest gęsta i zróżnicowana w prowadzeniu pędzla od jednego fragmentu do drugiego. Jej twarz zbudowana jest z mniejszych, staranniejszych pociągnięć, które podążają za strukturą policzka i brwi, podczas gdy suknia wypełniona jest szerszymi, niemal płytowymi pociągnięciami zieleni, a kwiaty tapety są nakreślone szybkimi, naładowanymi muśnięciami, które pozostawiają widoczne grzbiety farby na powierzchni.
Kołysanka przeznaczona dla żeglarzy
Van Gogh wyobrażał sobie ten obraz wiszący w centrum tryptyku, flankowany dwoma jego obrazami słoneczników, tak aby cała grupa czytała się, jego własnymi słowami, jak kołysanka w kolorze. Myślał konkretnie o rybakach i żeglarzach samotnych na morzu, daleko od jakiejkolwiek kobiety, która mogłaby ich pocieszyć, i chciał, aby ten wizerunek stałej obecności matki dotarł do nich tak, jak mogłaby dotrzeć pieśń lub pieśń ludowa.
Ta ambicja mówi tyle samo o stanie Van Gogha tej zimy, co o samej Augustine Roulin. Malował pocieszenie dla nieznajomych, których nigdy nie spotka, używając jednego domu, który okazał mu życzliwość, jako swojego wzoru tego, jak pocieszenie powinno wyglądać.
Więcej niż jedną wersję obrazu podarował bezpośrednio rodzinie Roulin, gest podziękowania wpisany w samą metodę pracy: ten sam obraz, powtórzony, oddany ludziom, którzy go zainspirowali.
Na ścianie, w zmieniającym się świetle
Odtworzone w dużej skali i zawieszone w pokoju, La Berceuse działa tak, jak Van Gogh zamierzył. W świetle dziennym czerwona podłoga i zielona suknia czytają się jako jeden głośny, ciepły akord; pod wieczór, w świetle lampy, ta sama czerwień pogłębia się ku brązowi, a ciemne tło tapety pochłania więcej szczegółów, pozostawiając oświetloną twarz Augustine i blade kwiaty, które przyciągają wzrok.
Zasługuje na to, by patrzeć na nie dwa razy: raz z drugiego końca pokoju, gdzie czyta się po prostu jako siedząca kobieta w zieleni na tle ogrodu kwiatów, i raz z bliska, gdzie sznur w jej dłoniach, prowadzenie pędzla w jej włosach i luźne, wyglądające na niedokończone kwiaty za nią wysuwają się na pierwszy plan jako zapis pracy konkretnej, trudnej zimy.
Więcej z tej kolekcji
Zabierz ten obraz do siebie
Wybierz ręcznie malowaną reprodukcję olejną, jeśli zależy Ci na prawdziwej fakturze pędzla, albo archiwalny wydruk na płótnie – ostrą edycję z muzealnego zdjęcia. Każdy format zachowuje oryginalne proporcje.
Zobacz to dzieło i opcje
Dalsza lektura
Zweryfikuj oryginał w źródle: Metropolitan Museum of Art rekord kolekcji, a potem przejdź do powiązanych dzieł w katalogu.