Misa ze słonecznikami, różami i innymi kwiatami: historia obrazu
Na początku 1886 roku Vincent van Gogh zostawił za sobą płaskie brązy Nuenen i przeniósł się do Paryża, by zamieszkać z bratem Theo. Miał trzydzieści dwa lata, był w dużej mierze samoukiem i był przekonany, że jego malarstwo musi się zmienić. W ciągu kilku tygodni od przyjazdu zobaczył na własne oczy płótna Moneta, Pissarra i młodszych impresjonistów, a ciemna, przyziemna paleta, którą zbudował na holenderskiej wsi, zaczęła wyglądać jak obciążenie, a nie styl.
Misza ze słonecznikami, różami i innymi kwiatami, namalowana w tym samym roku, jest jednym z efektów tego rozrachunku. Pokazuje malarza używającego ciętych kwiatów tak, jak muzyk używa gam: jako stałego, cierpliwego tematu, na którym można odbudować cały sposób widzenia koloru.
Ćwiczenie studyjne, które stało się nawykiem
Kwiaty były praktycznym wyborem dla artysty przekuwającego swój zmysł obserwacji. Były tanie, sprzedawane na niemal każdym paryskim rogu ulicy, i w przeciwieństwie do wynajętego modela nie wymagały opłaty za godzinę. Van Gogh kupował bukiety, sam je układał i malował szybko, zanim płatki opadły.
Przez cały 1886 rok przerobił dziesiątki takich martwych natur, często kilka w tym samym tygodniu, traktując każdą jako kontrolowany eksperyment z inną kombinacją barw. Ta misa, łącząca słoneczniki z różami i mniejszymi białymi i liliowymi kwiatami, należy do najpełniejszych w tej grupie.
Same słoneczniki warte są chwili uwagi. Dwa lata przed tym, jak zapełnił żółty dom w Arles wazonami słoneczników, które przyniosły mu sławę, pojawiają się już tutaj, wciśnięte między róże w paryskiej martwej naturze, jakby kwiat ten przyciągnął jego uwagę, zanim jeszcze wiedział, czym się stanie.
Co stoi na stole
Naczynie to nie wysoki, smukły wazon z późniejszych arleskich obrazów, lecz niska, szeroka misa w matowej zieleni, bardziej kuchenny garnek niż ozdoba. Stoi na płaskiej kamiennej lub marmurowej płycie, której szara powierzchnia jest przełamana luźnymi pociągnięciami rdzy i błękitu.
Wyrasta z niej gęsta, niemal przepełniona kompozycja. Słoneczniki o kudłatych, na wpół otwartych głowach wznoszą się na górze i przechylają w prawo, niektóre już pochylają się na łodygach. Pod nimi siedzi gęsty klaster róż w bieli i bladoróżowym odcieniu, których płatki są zbudowane z krótkich, zwijających się muśnięć farby, otoczony mgłą drobnych białych i lawendowych kwiatów wypełniających każdą pozostałą szczelinę.
Wzrok pada najpierw na te blade róże w centrum, najjaśniejszy i najbardziej dopracowany fragment obrazu, zanim zostanie pociągnięty w górę i na zewnątrz ku cięższym żółtym głowom słoneczników. Nic w tej kompozycji nie jest uporządkowane. Łodygi się krzyżują, kwiaty nachodzą na siebie, a bukiet czyta się jak coś zebranego naręczami, a nie ułożonego pęsetą.
Płótno rozdzielone na pół
Tło jest miejscem, w którym obraz podejmuje największe ryzyko. Lewa połowa tkwi w ciepłej ochrze i brązie umbry, bliskim tonem ziemistym kolorom holenderskich lat Van Gogha. Prawa połowa rozbija się na prążkowaną, wibrującą czerwień, nałożoną w szarpanych pionowych pociągnięciach, które czytają się niemal jak kurtyna lub odbijająca światło powierzchnia.
Ten podział stawia brąz naprzeciw czerwieni na jednym płótnie, a misa i jej zielone liście działają jak zawias między nimi. Zieleń misy i łodyg jest chłodną, stabilizującą nutą zarówno wobec ciepłego brązu, jak i gorącej czerwieni, powstrzymując każdą stronę tła przed przytłoczeniem kwiatów przed nimi.
To tępa, niemal eksperymentalna konstrukcja koloru, bliższa studium niż dopracowanemu tłu, i dokładnie o to chodzi: to płótno stworzone, by testować, co kolory robią obok siebie, a nie opisywać pokój.
Sama farba
Van Gogh opracował kwiaty grubymi, nałożonymi pociągnięciami, kładzionymi szybko i w dużej mierze niezmieszanymi. Płatki są zbudowane z pojedynczych kresek bieli, różu lub żółci, a nie gładko modelowanych form, tak że z bliska bukiet rozpływa się w pole oddzielnych śladów, które dopiero z niewielkiej odległości układają się w róże i słoneczniki.
Sygnatura, „Vincent”, widnieje czerwienią w lewym dolnym rogu, tą samą czerwienią, której używał do swojego imienia przez całą karierę, odkąd przestał podpisywać się nazwiskiem. Wymiary są skromne, 61 na 50 centymetrów, bliższe studium niż popisowemu dziełu, co pasuje do obrazu namalowanego w pośpiechu jako jeden z wielu.
W pomieszczeniu
Oryginał wisi dziś w Kunsthalle Mannheim. Na ścianie to obraz, który nagradza zmieniające się światło, zamiast z nim walczyć. W bardziej płaskim świetle dziennym tło ochrowe i czerwone czytają się jako zbliżone wagą, a misa kwiatów siedzi jako jedna ciepła masa.
W cieplejszym świetle wieczornym czerwona strona tła wysuwa się do przodu, a białe róże zdają się unosić z płótna, jaśniejąc w sposób, którego brązowa strona nigdy do końca nie dorównuje. To obraz zbudowany z niespokojnych eksperymentów młodego artysty z kolorem i wciąż zachowuje się w ten sposób, zmieniając swoją równowagę zależnie od światła, które na nie pada.
Więcej z tej kolekcji
Zabierz ten obraz do siebie
Wybierz ręcznie malowaną reprodukcję olejną, jeśli zależy Ci na prawdziwej fakturze pędzla, albo archiwalny wydruk na płótnie – ostrą edycję z muzealnego zdjęcia. Każdy format zachowuje oryginalne proporcje.
Zobacz to dzieło i opcje
Dalsza lektura
Zweryfikuj oryginał w źródle: Kunsthalle Mannheim rekord kolekcji, a potem przejdź do powiązanych dzieł w katalogu.