Siewca o zachodzie słońca: historia, znaczenie i technika malarska
W czerwcu 1888 roku Vincent van Gogh przebywał w Arles od czterech miesięcy, pracując przy żniwach pszenicy w tempie, które alarmowało nawet jego samego. Pisał do swojego brata Theo, że maluje jak człowiek opętany, ścigając światło, zanim zmieni się pora roku. Siewca, znany również jako Siewca o zachodzie słońca, należy do tego okresu twórczości, płótno zbudowane wokół tematu, do którego powracał raz po raz od swoich najwcześniejszych dni jako artysta w Holandii.
Dług wobec Milleta, spłacony kolorem
Siewca nie był wynalazkiem Van Gogha. Kopiował i reinterpretował chłopskie postacie Jean-Francois Milleta przez lata, pociągany ideą godnej pracy przedstawionej bez sentymentalizmu. W Arles uwolnił tę zapożyczoną postać w kolorze, jakiego Millet nigdy nie użył.
Tam, gdzie Millet pracował w ziemistych szarościach i brązach, Van Gogh dał temu samemu motywowi niebo w kolorze kutego mosiądzu i pole fioletu i błękitu. Pisał o pragnieniu namalowania siewcy jako symbolu wieczności, siew i żniwo reprezentujące cały czas trwania życia.
Gest przetrwał od Milleta: szeroki krok, ramię wyrzucone w połowie ruchu. Wszystko wokół należy wyłącznie do Van Gogha.
Pole zbudowane z własnego przeciwieństwa
Spójrz, gdzie znajduje się słońce. Jest ogromne, nisko, i niemal białe w swoim rdzeniu, otoczone aureolą żółtych pociągnięć, które promieniują na zewnątrz jak szprychy. Wąski pas dojrzewającej pszenicy biegnie wzdłuż horyzontu pod nim, a małe gospodarstwo z niebiesko-szarym dachem stoi po lewej stronie, przyćmione przez niebo za nim.
Zaorane pole, które wypełnia dolne dwie trzecie płótna, nie jest wcale brązowe. Jest zbudowane z fioletu i błękitu, nałożonych krótkimi, poszarpanymi pociągnięciami, z pomarańczem i złotem wplecionymi z powrotem wszędzie tam, gdzie niskie słońce pada na grzbiet odwróconej ziemi.
To zestawienie żółtego z fioletem jest całym silnikiem obrazu. Oba kolory leżą naprzeciwko siebie na kole barw, a Van Gogh doskonale wiedział, co da umieszczenie ich obok siebie: każdy kolor sprawia, że drugi brzmi głośniej, niż brzmiałby sam.
Para wron pracuje w bruzdach na pierwszym planie, małe ciemne nuty na tle całego tego rozbitego koloru. Ścieżka przecina pole po przekątnej w kierunku słońca, przyciągając wzrok, by je spotkał.
Postać zepchnięta na krawędź
Sam siewca nie jest wyśrodkowany. Van Gogh umieścił go daleko po prawej stronie, kroczącego spoza ramy z ramieniem uchwyconym w połowie rzutu, torbą z ziarnem przewieszoną przez ciało i słomkowym kapeluszem osłaniającym twarz. Jego stopy są osadzone w błękicie i szarości, na wpół zatopione w tej samej rozbitej farbie co pole wokół niego.
To dziwna, niemal chwiejna kompozycja, i wydaje się to celowe. Słońce, nie człowiek, zajmuje środek płótna. Postać jest obecna, ale nie dominująca, pracujący szczegół wewnątrz czegoś znacznie większego niż ona sama.
Ta nierównowaga jest częścią tego, co sprawia, że obraz przytrzymuje uwagę. Wzrok najpierw ląduje na wielkim żółtym dysku, okrąża promieniujące niebo, i dopiero potem wędruje w dół, by znaleźć człowieka wykonującego właściwą pracę.
Farba prowadzona jak temat, który przedstawia
Van Gogh pracował szybko tego lata, i powierzchnia to pokazuje. Niebo jest nałożone długimi, kierunkowymi pociągnięciami, które rozchodzą się od słońca jak własne rozsypywane ziarno siewcy. Pole pod nim jest jeszcze grubsze, nakładane i przeciągane w sposób, który nadaje całej dolnej połowie płótna prawdziwą fizyczną fakturę.
Nic tutaj nie jest wygładzone. Kolor leży obok koloru, pociągnięcie obok pociągnięcia, tak że obraz zachowuje rodzaj wibracji nawet z odległości. To technika zbudowana, by była widziana, nie tylko pomijana wzrokiem.
Obraz mierzy 80,3 na 64,2 centymetra, rozmiar, który utrzymuje słońce i pole w bliskiej, niemal napierającej bliskości z widzem. Van Gogh namalował go w 1888 roku, a obecnie należy do Muzeum Kröller-Müller, które posiada jedną z największych koncentracji jego twórczości na świecie.
Co robi na ścianie
Zawieszony tam, gdzie dociera poranne lub wieczorne światło, obraz zmienia się wraz z pomieszczeniem. Ciepłe światło lampy wydobywa złoto i bursztyn na polu; światło dzienne wyostrza fiolet i pozwala wronom oraz ciemnemu ubraniu siewcy rejestrować się wyraźniej na tle całej tej jasności.
To nie jest cichy obraz i nie prosi o ciszę. Słońce w jego centrum nie przestaje działać na oko tak, jak działało na Van Gogha, natarczywe, bliżej krawędzi tego, co farba może pomieścić, niż większość pejzaży próbuje.
To, co pozostaje z widzem przy wielokrotnym patrzeniu, to napięcie między spokojnym tematem a niespokojną powierzchnią. Człowiek siejący pole to scena tak stara i stała, jak to tylko możliwe. Van Gogh namalował ją, jakby całe niebo płonęło wokół niego.
Więcej z tej kolekcji
Zabierz ten obraz do siebie
Wybierz ręcznie malowaną reprodukcję olejną, jeśli zależy Ci na prawdziwej fakturze pędzla, albo archiwalny wydruk na płótnie – ostrą edycję z muzealnego zdjęcia. Każdy format zachowuje oryginalne proporcje.
Zobacz to dzieło i opcje
Dalsza lektura
Zweryfikuj oryginał w źródle: Kröller-Müller Museum rekord kolekcji, a potem przejdź do powiązanych dzieł w katalogu.