Siewca (Studium, 1883): historia, znaczenie i technika malarska
Chłopski temat zakorzeniony w Drenthe
We wrześniu 1883 roku Vincent van Gogh opuścił Hagę i udał się do Drenthe, odległej prowincji torfowisk i rozproszonych gospodarstw w północno-wschodniej Holandii. Pojechał tam częściowo po to, by oszczędzać pieniądze, a częściowo dlatego, że chciał tematów, które nie zostały już opracowane przez innych malarzy: kopaczy, tkaczy, kobiety pochylone nad polami ziemniaków, mężczyzn idących za pługami. Było to tanie zakwaterowanie i ciężka pogoda, i nie został tam długo.
W grudniu przeniósł się ponownie, tym razem do Nuenen, gdzie jego ojciec miał plebanię i gdzie Vincent miał żyć i pracować przez następne dwa lata. Siewca (studium) należy do tego niespokojnego okresu 1883 roku, namalowany mały i szybko, o wymiarach 27,5 na 19 centymetrów, rozmiar, który człowiek mógł nosić w torbie przez pole.
Nie był jeszcze malarzem Arles. Kolor, po który sięgał w tych latach, był kolorem samej holenderskiej ziemi: bistr, umbra, szarość, która nigdy nie staje się zielona. Chodziło mu nie o jasność, ale o przekonanie, poczucie, że chłop przy pracy jest równie odpowiednim tematem dla poważnego malarstwa jak każdy portret czy scena historyczna.
Długi cień Milleta
Siewca miał konkretnego przodka. Jean-François Millet namalował mężczyznę kroczącego przez zaorane pole, z ramieniem zamachniętym w akcie rzucania ziarna, i obraz ten stał się czymś bliskim Pismu dla Van Gogha. Posiadał odbitki według Milleta, wielokrotnie je kopiował i mówił o starszym malarzu jako o swego rodzaju nauczycielu moralnym, a nie tylko wzorze stylistycznym.
Dla Van Gogha siewca nigdy nie był tylko postacią do studium. Niósł ideę pracy jako formy wiary, ziarna rzuconego na ziemię, która nie odpowie przez miesiące, aktu dokonanego bez dowodu, że się powiedzie. Zanim kształcił się jako malarz, przygotowywał się do posługi kapłańskiej, i coś z tego nieudowodnionego, wyprzedzającego przekonania pozostało w nim, gdy zamiast głosić, zaczął malować.
To studium z 1883 roku jest wczesną próbą tematu, do którego będzie wracał przez resztę swojego twórczego życia. Pięć lat później, w Arles, ten sam gest pojawi się ponownie pod ogromnym żółtym słońcem, pole stanie się fioletowe, sam siewca niemal otoczony aureolą. Żadnego z tych kolorów jeszcze tu nie ma. Jest natomiast poza, już ustalona, już jego własna.
Postać zbudowana z niemal niczego
Kompozycja jest oszczędna do granicy surowości. Pojedynczy mężczyzna idzie przez dolną trzecią część podobrazia, ciało obrócone w profilu, jedno ramię wyrzucone w połowie rzutu, drugie cofnięte dla równowagi. Za nim ziemia ciemnieje w pasmo rozbitej, ziarnistej farby, która czyta się mniej jako bruzdy, a bardziej jako surowy ciężar, ziemia napierająca na dolny brzeg obrazu.
Nad tym pasmem niebo zajmuje większość powierzchni, blade i niespokojne, przeciągnięte chmurami, które zostały wtopione mokre w mokre, a nie narysowane. Horyzont leży nisko, co było już nawykiem Van Gogha w tych holenderskich studiach: pozwól ziemi się skurczyć, a niebu wykonać pracę skali, tak aby pojedynczy człowiek pieszo wyglądał mniejszy niż pogoda wokół niego.
Nie ma niemal żadnego wydarzenia poza postacią i linią, gdzie pole spotyka się z powietrzem. Żadnego drugiego robotnika, żadnego gospodarstwa, żadnego drzewa, które zakotwiczyłoby średni plan. Oko ma jedną rzecz, na której może spocząć, ciemną sylwetkę siewcy, a wszystko inne w studium istnieje po to, by ustawić go przeciw tej pustce.
Ciężar studium
Van Gogh potraktował postać z pewnego rodzaju tępa oszczędnością. Głowa, ramiona, zamach płaszcza są nałożone jako solidne ciemne kształty, a nie zbudowane poprzez modelowanie, tak że człowiek czyta się najpierw jako sylwetka, a dopiero potem jako ciało w ruchu. To metoda kogoś pracującego szybko, na zewnątrz lub z pamięci o polach wokół niego, bardziej zatroskanego o uchwycenie rytmu kroku niż o wykończenie któregokolwiek fragmentu.
Ta tępość nie jest niedbalstwem. Van Gogh na tym etapie ćwiczył się w konstrukcji postaci poprzez powtarzanie, rysując i malując te same chłopskie pozy raz za razem, aż proporcje przychodziły bez wahania. Studium takie jak to było praktyką w najprostszym sensie, próbą do obrazów, na które nie zdobył jeszcze umiejętności, by je namalować.
Paleta pozostaje bliska ziemi, którą przedstawia. Brązy, zielenie niemal czarne i niebo zmieszane do kredowej szarości bieli to granica, do której podróżuje kolor. Nic tutaj nie zapowiada nasyconych żółci i błękitów jego późniejszej twórczości, a ta powściągliwość jest częścią tego, co studium pokazuje: malarz wciąż uczący swoją rękę, co ciało pracującego człowieka robi na polu, zanim pozwolił sobie w ogóle myśleć o kolorze.
Życie z ciemnym niebem
Zawieszone na ścianie studium tego rozmiaru nie ogłasza się z drugiego końca pokoju. Prosi, by podejść, tak jak oryginał prosiłby o coś podobnego samego Van Gogha, pochylonego nad małym podobraziem z światłem niskiego holenderskiego nieba za plecami.
W świetle dziennym niebo dominuje, ta blada, przepracowana przestrzeń przyciąga wzrok w górę i z dala od postaci. W cieplejszym świetle wieczornym ciemny pierwszy plan i sylwetka siewcy wysuwają się na pierwszy plan, a obraz czyta się mniej jako pejzaż, a bardziej jako portret, jeden człowiek sam na sam z zadaniem, które nie pokaże swoich wyników przez miesiące.
Co pozostaje stałe, to gest, to wyrzucone ramię, zatrzymane w połowie rzutu tak długo, jak długo ktokolwiek na nie patrzy. Van Gogh malował ten ruch przez całą swoją karierę, a to małe, trzeźwe studium z 1883 roku jest miejscem, gdzie po raz pierwszy go utrwalił.
Więcej z tej kolekcji
Zabierz ten obraz do siebie
Wybierz ręcznie malowaną reprodukcję olejną, jeśli zależy Ci na prawdziwej fakturze pędzla, albo archiwalny wydruk na płótnie – ostrą edycję z muzealnego zdjęcia. Każdy format zachowuje oryginalne proporcje.
Zobacz to dzieło i opcje
Dalsza lektura
Zweryfikuj oryginał w źródle: zapis kolekcji, a potem przejdź do powiązanych dzieł w katalogu.